Οι συλλογές μουσείων και γκαλερί της Μόσχας είναι από τις πλουσιότερες στον κόσμο. Πάνω από 150 χρόνια πριν, Ρώσοι προστάτες και συλλέκτες άρχισαν να συλλέγουν τους πιο διάσημους πίνακες του κόσμου, μοναδικές καλλιτεχνικές δημιουργίες, χωρίς να κερδίζουν χρήματα ούτε χρόνο για να αναζητήσουν ταλέντα. Και για να μην χαθείτε στις δεκάδες χιλιάδες πίνακες που παρουσιάστηκαν, έχουμε επιλέξει για εσάς τους διάσημους πίνακες του κόσμου, που παρουσιάζονται σε μουσεία και γκαλερί στη Μόσχα

State Tretyakov Gallery

"Ήρωες", Βίκτορ Βασνέστοφ, 1881-1898

Για σχεδόν είκοσι χρόνια, ο Viktor Mikhailovich δούλεψε σε ένα από τα μεγαλύτερα έργα τέχνης στη Ρωσία, ένα αριστούργημα που έχει γίνει σύμβολο της δύναμης του ρωσικού λαού. Ο Vasnetsov θεώρησε αυτή την εικόνα το δημιουργικό του καθήκον, υποχρέωση για την πατρίδα του. Στο κέντρο της εικόνας βρίσκονται οι τρεις κύριοι χαρακτήρες των ρωσικών επικών: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets και Alyosha Popovich. Το πρωτότυπο του Alyosha Popovich ήταν ο νεότερος γιος της Savva Mamontov, αλλά η Dobrynya Nikitich είναι μια συλλογική εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη, του πατέρα και του παππού του.

Φωτογραφία: wikimedia.org

"Άγνωστο", Ivan Kramskoy, 1883

Μια μυστικιστική εικόνα τυλιγμένη σε ένα φωτοστέφανο μυστηρίου. Πολλές φορές άλλαξε τους ιδιοκτήτες της, καθώς οι γυναίκες ισχυρίστηκαν ότι με μακρά παραμονή κοντά σε αυτό το πορτρέτο, έχασαν τη νεολαία και την ομορφιά τους. Είναι περίεργο το γεγονός ότι ακόμη και ο Pavel Tretyakov δεν ήθελε να το αγοράσει στη συλλογή του και το έργο εμφανίστηκε στη γκαλερί μόνο το 1925 ως αποτέλεσμα της εθνικοποίησης των ιδιωτικών συλλογών. Μόνο στη σοβιετική εποχή, το "Άγνωστο" από τον Κράμσκυ αναγνωρίστηκε ως το ιδανικό της ομορφιάς και της πνευματικότητας. Είναι εύκολο να αναγνωριστεί στο παρασκήνιο της ζωγραφικής Nevsky Prospect, ή μάλλον της γέφυρας Anichkov, πάνω από την οποία ο "άγνωστος" οδηγεί χαριτωμένα σε ένα κομψό φορείο. Ποιο είναι αυτό το κορίτσι? Ένα άλλο μυστήριο που άφησε ο καλλιτέχνης. Ούτε στα γράμματα ούτε στα ημερολόγιά της, η Κράμσκυ δεν άφησε καμία αναφορά για την προσωπικότητά της, και οι εκδοχές αποκλίνουν: από την κόρη του συγγραφέα στην Άννα Καρένα Τολστόι.

Φωτογραφία: dreamwidth.org

«Το πρωί σε ένα πευκοδάσος», Ιβάν Σίσκιν και Κωνσταντίνος Σαβίτσκι, 1889

Λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν ότι, εκτός από τον Ivan Shishkin, ένας άλλος διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης συμμετείχε στη δημιουργία αυτής της εικόνας, της οποίας η υπογραφή, με την επιμονή του Pavel Tretyakov, διαγράφηκε. Ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, ο οποίος είχε ένα εξαιρετικό ταλέντο ως ζωγράφος, απεικόνισε το μεγαλείο του ξύπνου, αλλά η δημιουργία των αρκούδων ανήκει στη βούρτσα του φίλου του, Κωνσταντίνου Σαβίτσκι. Αυτός ο πίνακας έχει ένα ακόμη όνομα, το δημοφιλές - "Three Bears", το οποίο εμφανίστηκε χάρη στα διάσημα γλυκά του εργοστασίου "Red October".

Φωτογραφία: wikimedia.org

Καθισμένος δαίμονας, Mikhail Vrubel, 1890

Η γκαλερί Tretyakov είναι ένα μοναδικό μέρος για τους θαυμαστές του έργου του Mikhail Vrubel, καθώς στεγάζει την πληρέστερη συλλογή των έργων του. Το θέμα του δαίμονα, που προσωποποιεί τον εσωτερικό αγώνα του μεγαλείου του ανθρώπινου πνεύματος με αμφιβολίες και ταλαιπωρία, έχει γίνει το κύριο στο έργο του καλλιτέχνη και ένα φαινομενικό φαινόμενο στην παγκόσμια ζωγραφική.

Το Sitting Demon είναι το πιο διάσημο από αυτές τις εικόνες του Vrubel. Η εικόνα δημιουργήθηκε με αρκετά μεγάλες, αιχμηρές πινελιές από ένα μαχαίρι παλέτας, που μοιάζει με μωσαϊκό από μακριά.

Φωτογραφία: muzei-mira.com

"Boyarynya Morozova", Βασίλι Σουρίκοφ, 1884-1887

Ο επικός ιστορικός καμβάς, γιγαντιαίος σε μέγεθος, γράφτηκε με βάση το "Παραμύθι του Boyar Morozova", συνεργάτη των υποστηρικτών της παλιάς πίστης. Ο συγγραφέας έψαχνε για ένα κατάλληλο πρόσωπο για μεγάλο χρονικό διάστημα - χωρίς αίμα, φανατικό, από το οποίο μπορούσε να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο σκίτσο του κύριου χαρακτήρα. Ο Surikov υπενθύμισε ότι το κλειδί για την εικόνα της Morozova δόθηκε από ένα κοράκι με μια μαύρη πτέρυγα, το οποίο είδε απεγνωσμένα στο χιόνι.

Φωτογραφία: gallery-allart.do.am

"Ο Ιβάν ο Τρομερός και ο γιος του Ιβάν 16 Νοεμβρίου 1581" ή "Ο Ιβάν ο Τρομερός σκοτώνει τον γιο του", Ilya Repin, 1883-1885

Αυτή η εικόνα δεν αφήνει αδιάφορο επισκέπτη στη γκαλερί: προκαλεί άγχος, ανεξήγητο φόβο, προσελκύει και ταυτόχρονα αποκρούει, μαγεύει και σέρνεται στο δέρμα. Ο Ρέπιν έγραψε για το αίσθημα του άγχους και του ενθουσιασμού του κατά τη διάρκεια της δημιουργίας του πίνακα: «Δούλεψα σαν ξαφνιασμένος. Έγινε τρομακτικό για λίγα λεπτά. Γύρισα από αυτήν την εικόνα. Το έκρυψα. Αλλά κάτι με οδήγησε σε αυτήν, και δούλεψα ξανά. Μερικές φορές, ένα ρίγος πέρασε, και στη συνέχεια το αίσθημα του εφιάλτη θαμπό. Ο καλλιτέχνης κατάφερε να ολοκληρώσει τη ζωγραφική για την 300ή επέτειο του θανάτου του Ιβάν του Τρομερού, αλλά το αριστούργημα δεν εμφανίστηκε αμέσως στο κοινό: για τρεις μήνες ο πίνακας απαγορεύτηκε να λογοκρίνεται. Λένε ότι με μυστικισμό ο πίνακας έφερε προβλήματα στον δημιουργό του και στους ανθρώπους που συμμετείχαν στη δημιουργία του. Μετά την ολοκλήρωση της ζωγραφικής, το χέρι του Ρέπιν αφαιρέθηκε και ο φίλος του καλλιτέχνη, ο οποίος ποζάρει για τη ζωγραφική στο ρόλο του δολοφονημένου Ιβάν, τρελάθηκε.

Φωτογραφία: artpoisk.info

"Κορίτσι με ροδάκινα", Valentin Serov, 1887

Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους, φρέσκους και λυρικούς πίνακες του τέλους του 19ου αιώνα. Η νεολαία και η δίψα για τη ζωή γίνονται αισθητές εδώ σε κάθε κτύπημα του ακόμα πολύ νεαρού (22 ετών) Βαλεντίν Σερόφ, στο φως, μόλις το αισθητό χαμόγελο της Βέρα Μαμόνοβα, κόρης ενός διάσημου επιχειρηματία και φιλάνθρωπου, καθώς και σε ένα φωτεινό και άνετο δωμάτιο, η ζεστασιά του οποίου εξαπλώνεται στο κοινό του.

Αργότερα ο Σερόφ έγινε ένας από τους καλύτερους ζωγράφους πορτρέτου, αναγνωρισμένος σχεδόν σε όλο τον κόσμο και αθάνασε πολλούς διάσημους συγχρόνους, αλλά το "Girl with Peaches" εξακολουθεί να είναι το πιο διάσημο έργο του.

Φωτογραφία: allpainters.ru

Κολύμβηση ενός κόκκινου αλόγου, Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Οι κριτικοί της τέχνης αποκαλούν αυτή την εικόνα οραματιστική. Πιστεύουν ότι ο συγγραφέας προέβλεψε συμβολικά την «κόκκινη» μοίρα της Ρωσίας τον εικοστό αιώνα, απεικονίζοντάς την με τη μορφή ενός ιπποδρομίου.

Το έργο του Petrov-Vodkin δεν είναι απλώς μια εικόνα, αλλά ένα σύμβολο, μια θεοφάνεια, ένα μανιφέστο. Οι σύγχρονοι συγκρίνουν τη δύναμη της επιρροής του με τη «Μαύρη Πλατεία» του Kazimir Malevich, την οποία μπορείτε επίσης να δείτε στη γκαλερί Tretyakov.

Φωτογραφία: wikiart.org

"Black Square", Kazemir Malevich, 1915

Αυτή η εικόνα ονομάζεται το εικονίδιο των φουτουριστών, που έβαλαν στη θέση της Madonna. Σύμφωνα με τον συγγραφέα, χρειάστηκαν αρκετοί μήνες για τη δημιουργία του, και έγινε μέρος ενός τρίπτυχου, το οποίο περιλάμβανε επίσης τον «Μαύρο Κύκλο» και τον «Μαύρο Σταυρό». Όπως αποδείχθηκε, ο Μάλεβιτς ζωγράφισε το πρωτεύον στρώμα της ζωγραφικής με διαφορετικά χρώματα και αν κοιτάξετε προσεκτικά, θα δείτε ότι οι γωνίες της πλατείας δύσκολα μπορούν να ονομαστούν ευθείες. Στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, είναι δύσκολο να βρεθεί ένας πίνακας με πιο δυνατή φήμη από τη «Μαύρη Πλατεία» του Kazimir Malevich. Τον αντιγράφουν, τον μιμούνται, αλλά το αριστούργημά του είναι μοναδικό.

Φωτογραφία: wikimedia.org

Πινακοθήκη ευρωπαϊκής και αμερικανικής τέχνης του 19ου - 20ου αιώνα. Το Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών πήρε το όνομά του από το A.S. Πούσκιν

"Πορτρέτο της Jeanne Samary", Pierre-Auguste Renoir, 1877

Είναι ειρωνικό ότι αυτός ο πίνακας σχεδιάστηκε αρχικά από τον καλλιτέχνη ως προπαρασκευαστικό σκίτσο για το τελετουργικό πορτραίτο της γαλλικής ηθοποιού Jeanne Samary, το οποίο μπορεί να δει στο Ερμιτάζ. Αλλά στο τέλος, οι κριτικοί της τέχνης συμφώνησαν ομόφωνα ότι αυτό είναι το καλύτερο από όλα τα πορτρέτα του Ρενουάρ της ηθοποιού. Ο καλλιτέχνης συνδύαζε τόσο επιδέξια τους τόνους και τα ημίτονα του φορέματος της Σαμάρης που ως αποτέλεσμα, η εικόνα έπαιξε με ένα ασυνήθιστο οπτικό εφέ: όταν το βλέπεις από μια συγκεκριμένη γωνία, το πράσινο φόρεμα της Jeanne γίνεται μπλε.

Φωτογραφία: art-shmart.livejournal.com

Boulevard des Capucines στο Παρίσι, Claude Monet, 1873

Αυτό είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα έργα του Claude Monet - η υπερηφάνεια και η κληρονομιά του Μουσείου Pushkin. Σε κοντινή απόσταση, μόνο μικρές πινελιές είναι ορατές στην εικόνα, αλλά αξίζει να κάνετε λίγα βήματα πίσω και η εικόνα ζωντανεύει: Το Παρίσι αναπνέει καθαρό αέρα, οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν το ολοκαίνουργιο πλήθος που είναι γεμάτο κατά μήκος της λεωφόρου και φαίνεται ότι μπορείτε ακόμη και να ακούσετε την πόλη να τρέμει, η οποία ακούγεται πολύ πέρα \u200b\u200bαπό την εικόνα. Αυτή είναι η ικανότητα του μεγάλου ιμπρεσιονιστικού Monet: για μια στιγμή ξεχνάτε το επίπεδο του καμβά και διαλύετε σε μια ψευδαίσθηση που δημιουργήθηκε επιδέξια από τον καλλιτέχνη.

Φωτογραφία: nb12.ru

Prisoners 'Walk, Van Gogh, 1890

Υπάρχει κάτι συμβολικό στο γεγονός ότι ο Βαν Γκογκ έγραψε το The Prisoners 'Walk, μια από τις πιο οδυνηρές δημιουργίες του, στο νοσοκομείο, όπου ήρθε για πρώτη φορά λόγω της εμφάνισης ψυχικών ασθενειών. Επιπλέον, αν κοιτάξετε προσεκτικά, μπορείτε να δείτε ξεκάθαρα ότι ο κεντρικός χαρακτήρας της εικόνας είναι προικισμένος με τα χαρακτηριστικά των καλλιτεχνών. Παρά τη χρήση καθαρών αποχρώσεων του μπλε, του πράσινου και του μοβ χρώματος, ο χρωματισμός του καμβά φαίνεται ζοφερός και οι κρατούμενοι που κινούνται σε κύκλο φαίνεται να λένε ότι δεν υπάρχει διέξοδος από το αδιέξοδο, όπου η ζωή είναι σαν ένας φαύλος κύκλος.

Φωτογραφία: opisanie-kartin.com

Η σύζυγος του βασιλιά, Paul Gauguin, 1896

Αυτό το έργο του καλλιτέχνη θεωρείται από πολλούς κριτικούς της τέχνης ως ένα μοναδικό στολίδι μεταξύ των διάσημων γυμνών παρθένων της ευρωπαϊκής τέχνης. Γράφτηκε από τον Gauguin κατά τη δεύτερη παραμονή του στην Ταϊτή. Παρεμπιπτόντως, ο πίνακας δεν απεικονίζει τη γυναίκα του βασιλιά, αλλά τον ίδιο τον Γκαουγκίν - την 13χρονη Tehura. Το εξωτικό και γραφικό τοπίο της ζωγραφικής δεν μπορεί παρά να προκαλέσει θαυμασμό - μια αφθονία χρωμάτων και πρασίνου, πολύχρωμα δέντρα και μια μπλε ακτογραμμή στο βάθος.

Φωτογραφία: stsvv.livejournal.com

Blue Dancers, Edgar Degas, 1897

Τα έργα του Γάλλου ιμπρεσιονιστή Edgar Degas συνέβαλαν πολύτιμα στην ιστορία του κόσμου και της γαλλικής τέχνης. Ο πίνακας "Blue Dancers" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του Degas με θέμα το μπαλέτο, στο οποίο αφιέρωσε πολλούς από τους πιο σημαντικούς καμβάδες του. Η ζωγραφική γίνεται σε παστέλ, την οποία ο καλλιτέχνης αγαπούσε ιδιαίτερα για τον χαριτωμένο συνδυασμό χρωμάτων και γραμμών. Το "Blue Dancers" αναφέρεται στην ύστερη περίοδο του έργου του καλλιτέχνη, όταν η όρασή του εξασθενεί και άρχισε να εργάζεται με μεγάλες κηλίδες χρώματος.

Φωτογραφία: nearyou.ru

Girl on the Ball, Πάμπλο Πικάσο, 1905

Ένα από τα πιο διάσημα και σημαντικά έργα της «περιόδου τριαντάφυλλου» του Πάμπλο Πικάσο εμφανίστηκε στη Ρωσία χάρη στον προστάτη και συλλέκτη Ιβάν Μορόζοφ, που το απέκτησε το 1913 για την προσωπική του συλλογή. Το μπλε χρώμα, στο οποίο ζωγράφισαν σχεδόν όλα τα έργα της προηγούμενης δύσκολης περιόδου του καλλιτέχνη, εξακολουθεί να υπάρχει στο έργο, αλλά είναι αισθητά εξασθενημένο, δίνοντας τη θέση του στο πιο ανοιχτό και πιο χαρούμενο ροζ. Οι καμβάδες του Πικάσο είναι εύκολα αναγνωρίσιμοι: δείχνουν ξεκάθαρα την ψυχή του συγγραφέα και την εξαιρετική του αντίληψη για τον κόσμο γύρω του. Και όπως είπε ο ίδιος ο καλλιτέχνης: «Θα μπορούσα να ζωγραφίσω όπως ο Ραφαήλ, αλλά θα μου πάρει όλη μου τη ζωή για να μάθω πώς να ζωγραφίζω τον τρόπο που σχεδιάζει ένα παιδί».

Φωτογραφία: dawn.com

Η διεύθυνση: Lavrushinsky lane, 10

Μόνιμη έκθεση "Τέχνη του ΧΧ αιώνα" και αίθουσες εκθέσεων

Η διεύθυνση: Krymsky Val, 10 ετών

Ωρες εργασίας:

Τρίτη, Τετάρτη, Κυριακή - από τις 10.00 έως τις 18.00

Πέμπτη, Παρασκευή, Σάββατο - από τις 10.00 έως τις 21.00

Δευτέρα - άδεια

Τιμή εισόδου:

Ενήλικες - 400 ρούβλια (6 $)

Πινακοθήκη ευρωπαϊκής και αμερικανικής τέχνης του 19ου - 20ου αιώνα.

Η διεύθυνση:Μόσχα, st. Volkhonka, 14 ετών

Ωρες εργασίας:

Τρίτη, Τετάρτη, Παρασκευή, Σάββατο, Κυριακή - από τις 11:00 έως τις 20:00

Πέμπτη - από τις 11:00 έως τις 21:00

Δευτέρα - κλειστό

Τιμή εισόδου:

Ενήλικες - 300 ρούβλια (4,5 $), τις Παρασκευές από τις 17:00 - 400 ρούβλια (6 $)

Εκπτωτικό εισιτήριο - 150 ρούβλια (2,5 $), τις Παρασκευές από τις 17:00 - 200 ρούβλια (3 $)

Δωρεάν για παιδιά κάτω των 16 ετών

Οι ιδιοφυΐες, οι καινοτόμοι, οι καυγάδες, οι πρωτοπόροι που είχαν απίστευτο αντίκτυπο στον παγκόσμιο πολιτισμό. Οι μεγαλύτεροι Ρώσοι καλλιτέχνες - ποιοι είναι;

Κορυφαίοι 7 Ρώσοι καλλιτέχνες

Μεταξύ των πιο σημαντικών και επιρροών Ρώσων καλλιτεχνών:

1. Kazimir Malevich(1879-1935) - ο συγγραφέας του πιο αμφιλεγόμενου έργου στην ιστορία της παγκόσμιας ζωγραφικής, "Black Square". Ωστόσο, η κληρονομιά του Μάλεβιτς είναι υπέροχη και περιλαμβάνει, ιδίως, όχι μόνο τα "Μαύρα", αλλά και τα "Κόκκινα" και "Λευκά" τετράγωνα. Οι πιο σκανδαλώδεις και ακριβότεροι Ρώσοι καλλιτέχνες. Το αριστούργημά του "Suprematist Composition" πωλήθηκε στο Sotheby's για 60 εκατομμύρια δολάρια.

"Υπερματιστική σύνθεση"

2. Ivan Aivazovsky (1817-1900) - ο μεγαλύτερος Ρώσος θαλάσσιος ζωγράφος, συγγραφέας του αθάνατου "Ninth Val". Ο πιο παραγωγικός καλλιτέχνης - ζωγράφισε πάνω από 6.000 πίνακες. Λόγω της τεράστιας κληρονομιάς της, ταυτόχρονα είναι ένας από τους πιο σφυρηλατημένους καλλιτέχνες στον κόσμο. Ευρέως γνωστό στη Δύση, τα έργα πωλούνται τακτικά σε δημοπρασίες, συμπεριλαμβανομένου του Sotheby's.

Ένατο κύμα

3. Βίκτορ Βασνέστοφ (1848-1936) - ίσως ο πιο Ρώσος από όλους τους Ρώσους καλλιτέχνες. Γνωστή για έργα που δοξάζουν τη λαογραφία, τα παραμύθια, τα έπη. Όχι μόνο ο συγγραφέας του "Three Bogatyrs", αλλά και ένας από τους προγραμματιστές του σοβιετικού Budenovka.

4. Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) - ο πιο επαναστατικός καλλιτέχνης. Ο πίνακας «Η κολύμβηση του κόκκινου αλόγου» προέβλεψε προφητικά τρομερές αναταραχές στη Ρωσία. Παρόλο που συχνά επικρίθηκε για τον ερωτισμό (με τόλμη να απεικονίζει όχι μόνο γυμνές γυναίκες, αλλά και άντρες), γενικά μπορεί να θεωρηθεί πρόδρομος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Σε ξένες δημοπρασίες, δεν είναι τόσο το επαναστατικό του έργο όσο οι νεκρές του ζωές που απολαμβάνουν μεγάλη επιτυχία.

"Κολύμβηση του κόκκινου αλόγου"

5. Vasily Vereshchagin (1842-1904) - ζωγράφος μάχης, διάσημος για τις προβολές ντοκιμαντέρ των φρικαλεών του πολέμου. Το πιο διάσημο έργο είναι "Η Αποθέωση του Πολέμου", που απεικονίζει μια στοίβα κρανίων λευκασμένα από τον καυτό ήλιο. Για δεκαετίες, διώχθηκε από την τσαρική κυβέρνηση για την ειρηνική του θέση. Ταυτόχρονα, απολάμβανε απίστευτη δημοτικότητα τόσο στη Ρωσία όσο και στη Δύση. Στην έκθεσή του στην Αγία Πετρούπολη το 1880 παρακολούθησαν 240 χιλιάδες άτομα (σε 40 ημέρες), στο Βερολίνο - 140 χιλιάδες άτομα (σε 65 ημέρες), στη Βιέννη - 110 χιλιάδες (σε 28 ημέρες). Αυτή η φήμη δεν έχει ονειρευτεί ποτέ πολλά ποπ σταρ της εποχής μας.

"Αποθέωση του πολέμου"

6. Βλαντιμίρ Τάτλιν (1885–1953) - ο ιδρυτής του κονστρουκτιβισμού, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, γραφίστας. Το έργο του, παρόμοιο σε στυλ με τις πρώτες δημιουργίες του Πικάσο, εκτίθεται στο Μουσείο Πομπιντού στο Παρίσι και στη Βιβλιοθήκη της Οξφόρδης. Το αριστούργημά του «Πύργος Τάτλιν» είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα σύμβολα της πρωτοποριακής τέχνης στον κόσμο. Απόλαυσε τη μεγάλη επιτυχία στη Δύση ("Tatlin's machine art"), ενέπνευσε μια ολόκληρη γενιά καλλιτεχνών Dada, συμπεριλαμβανομένου του πλοιάρχου του σουρεαλισμού, του Γάλλου Marcel Duchamp.

"Πύργος Τάτλιν"

7. Ilya Glazunov (γεννήθηκε το 1930) είναι ο πιο μνημειώδης Ρώσος καλλιτέχνης. Ο πιο διάσημος είναι ο πίνακας του "Αιώνια Ρωσία" (μέγεθος - 3Χ6 μ.) - ένα εικονογραφικό χρονικό της ρωσικής ιστορίας για το 988-1988, που χρονολογείται με την 1000η επέτειο του βαπτίσματος του Ρους. Συνολικά, δημιούργησε περισσότερα από 3.000 έργα (πορτρέτα, τοπία, ιστορικούς και πολιτικούς καμβάδες). Η φήμη του Glazunov είναι αμφιλεγόμενη - κάποιος τον θεωρεί ιδιοφυΐα, κάποιος είναι οπορτουνιστής. Ένα πράγμα είναι σαφές - αυτή είναι μια μορφή τιτανικής κλίμακας, όπως τα καμβά του.

"Αιώνια Ρωσία"

Θα ήθελα να πιστεύω ότι στο μέλλον και στη Ρωσία θα εμφανιστούν καλλιτέχνες που μπορούν να μετατρέψουν τις ιδέες της ανθρωπότητας για την ομορφιά.

Αυτές οι εικόνες αποτυπώθηκαν στη συνείδηση \u200b\u200bκάθε Ρώσου ατόμου. Είναι γνωστοί σε όλους μας από την παιδική ηλικία. Είναι αναπόσπαστο μέρος του ρωσικού πολιτισμού. Και τουλάχιστον γι 'αυτό αξίζουν ότι γνωρίζουμε λίγο περισσότερα γι' αυτούς.

Ας δούμε τη λίστα με τους πιο σημαντικούς πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες. Και το πιο σημαντικό, θα καταλάβουμε γιατί είναι τόσο θαυμαστές.

Και για να μην βαρεθούμε, θα αραιώσουμε τις σημαντικές γνώσεις με ενδιαφέροντα γεγονότα. Ας μάθουμε πώς ο Αλέξανδρος Ιβάνοφ ήθελε να ξεπεράσει τον Κάρλ Μπράιλοφ. Και ο Ilya Repin κατέστρεψε τους "Burlaks" λόγω της κριτικής του Ivan Shishkin.

1. «Η τελευταία ημέρα της Πομπηίας» του Μπράουλοφ (1833)

Karl Bryullov. Η τελευταία ημέρα της Πομπηίας. 1833 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο.

Χωρίς υπερβολή, γνωρίζουμε για την τραγωδία της Πομπηίας κυρίως χάρη στον Karl Bryullov (1799-1852). Μόλις έκανε μια βουτιά τόσο στην Ιταλία όσο και στη Ρωσία με το αριστούργημά του. Και όλα αυτά επειδή βρήκε μια καταπληκτική ισορροπία μεταξύ αλήθειας και μυθοπλασίας.

Ο Μπράιλοφ απεικονίζει έναν πραγματικό δρόμο. Και ακόμη και μερικοί από τους ήρωες είναι πραγματικοί άνθρωποι. Ο Bryullov είδε τα λείψανα του κατά τη διάρκεια ανασκαφών.

Αλλά ο καλλιτέχνης έδειξε αυτήν την καταστροφή παράλογα ... όμορφη. Αυτό, φυσικά, δεν ήταν στην πραγματικότητα.

Αποδεικνύεται ότι ο θεατής συμπαθεί αυτούς τους ανθρώπους. Αλλά δεν τρομοκρατείται από τις τρομερές λεπτομέρειες. Οι ατυχείς Bryullovs είναι θεϊκά όμορφοι, ακόμη και μια στιγμή πριν από το θάνατο.

Κανείς δεν θα μπορούσε να ξεπεράσει το "The Last Day of Pompeii" σε δημοτικότητα μεταξύ των σύγχρονων. Ο καλλιτέχνης κουβαλήθηκε στα χέρια του: τελικά, διαίρεσε την ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής σε «πριν και μετά». Από τότε, από το 1833, ολόκληρος ο κόσμος άρχισε να μιλά για τη ρωσική τέχνη.

2. "Το ένατο κύμα" του Aivazovsky (1850)

Ιβάν Αϊβαζόφσκι. Το ένατο κύμα. 1850 Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη.

Ο Karl Bryullov είπε ότι αισθάνεται αλάτι στα χείλη του όταν κοιτάζει το "ένατο κύμα" του Ivan Aivazovsky (1817-1900). Το ρεαλιστικό δεν είναι η σωστή λέξη. Αλλά δεν είναι τόσο απλό.

Στην ανοιχτή θάλασσα ΔΕΝ βρέθηκαν ποδιές κυμάτων. Οι κυματομορφές σχηματίζονται μόνο κοντά στην ακτή. Επομένως, οι surfers στην ανοικτή θάλασσα δεν έχουν καμία σχέση.

Ο Ivan Aivazovsky χρησιμοποίησε αυτό το τέχνασμα για να κάνει την ταραχή της φύσης ... πιο αποτελεσματική. Πράγματι, όπως ο Bryullov, ήταν ρομαντικός και τραγούδησε το μεγαλείο των στοιχείων.

Το "ένατο κύμα" είχε κάθε ευκαιρία να γίνει αριστούργημα. Ο Aivazovsky ήταν ο μόνος Ρώσος θαλάσσιος ζωγράφος εκείνη την εποχή. Ταυτόχρονα, δούλεψε απίστευτα επιδέξια. Επιπλέον, έδειξε τη συναισθηματική τραγωδία των ναυτικών.

3. "Η εμφάνιση του Χριστού στον λαό" Ιβάνοφ (1857)

Αλέξανδρος Ιβάνοφ. Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους. 1837-1857 Γκαλερί Tretyakov.

Ο Alexander Ivanov (1806-1858) ήθελε πραγματικά να ξεπεράσει τον Bryullov με την Πομπηία του. Πήρα τον καμβά 2 φορές περισσότερο. Και δούλεψε 4 φορές περισσότερο (20 χρόνια εναντίον πέντε Bryullovsky).

Αλλά κάτι πήγε στραβά. Κανείς δεν φορούσε τον Ιβάνοφ στην αγκαλιά του (αν και το ήλπιζε). Ο θρίαμβος δεν έγινε.

Το κοινό δεν εκτιμούσε έναν αριθμό 35 χαρακτήρων σε πολύχρωμους χιτώνες. Επιπλέον, η εικόνα είναι δύσκολο να «διαβαστεί»: τελικά, κάθε ένας από αυτούς τους χαρακτήρες έχει τη δική του αντίδραση στην πρώτη εμφάνιση του Χριστού! Κάποιος είναι χαρούμενος. Κάποιος αμφιβάλλει ότι αυτό είναι το «Αρνί του Θεού». Και κάποιος είναι θυμωμένος επειδή έχει βρεθεί ένας νέος ανταγωνιστής.

Ναι, δεν υπάρχει εντυπωσιακή ταραχή των στοιχείων στην εικόνα, όπως στο Bryullov και στο Aivazovsky. Και δεν υπάρχει λόγος να συμπαθητούμε με την τραγική μοίρα των βασικών χαρακτήρων.

Και το κοινό συνηθίστηκε σε ειδικά εφέ: δεν εντυπωσιάστηκαν. Λοιπόν, σήμερα, τα blockbusters του Χόλιγουντ είναι επίσης πιο δημοφιλή από τις ταινίες auteur.

Αλλά στην πραγματικότητα, ο Ιβάνοφ από μόνο του πραγματοποίησε μια επανάσταση στη ρωσική ζωγραφική. Η μετάβαση από θεατρικές και πομπώδεις ιστορίες στις εμπειρίες των απλών ανθρώπων.

Και οι Ρώσοι ρεαλιστές (Repin, Kramskoy, Savrasov και άλλοι) έγιναν αυτό που τους γνωρίζουμε μόνο χάρη στα εικονογραφικά κατορθώματα του Ivanov.

4. "Οι Rooks έχουν φτάσει" από τον Savrasov (1871)

Alexey Savrasov. Οι πρωταγωνιστές έφτασαν. 1871 State Tretyakov Gallery, Μόσχα.

Ο Alexey Savrasov (1830-1897), όπως και ο Alexander Ivanov, έκανε μια επανάσταση. Αλλά πιο εξειδικευμένο. Στο πεδίο του τοπίου.

Ήταν με το έργο "The Rooks Have Ar پہنچے" που ξεκίνησε η εποχή του τοπίου της διάθεσης.

Η εικόνα έχει ένα παράδοξο.

Από τη μία πλευρά, το τοπίο ... βαρετό και μονόχρωμο. Και τι άλλο μπορείτε να περιμένετε από τα τέλη Μαρτίου, και ακόμη και σε έναν κακώς καλλωπισμένο ρωσικό εσωτερικό; Εδώ είναι εγγυημένα χνουδωτό, γκρι χρώμα και ελάττωση.

Αλλά με κάποιο μαγικό τρόπο, όλα μας φαίνεται γλυκά και ειλικρινά. Το μυστικό είναι προς τη λεπτή κατεύθυνση του θεατή σε ευχάριστα συναισθήματα.

Σε τελική ανάλυση, ο καλλιτέχνης επέλεξε μια πολύ ενδιαφέρουσα στιγμή: είναι ακόμα κρύο, αλλά θα έρθει η ζεστασιά. Μας αρέσει αυτό το αίσθημα επικείμενων αλλαγών προς το καλύτερο.

Εξ ου και οι ευχάριστες αισθήσεις, φαίνεται, χωρίς λόγο. Είναι μόλις αντιληπτό.

Από τότε που ο Savrasov δημιούργησε το "Rooks" του το 1871, σχεδόν όλα τα ρωσικά τοπία ήταν έτσι - ποιητική και διάθεση.

5. "Barge Haulers on the Volga" του Repin (1870-1873)

Ilya Repin. Οι φορτηγίδες φορτηγού στο Βόλγα. 1870-1873 Κρατικό Μουσείο της Ρωσίας.

Το "Barge Haulers on the Volga" είναι το κύριο αριστούργημα της Ilya Repin (1844-1930). Αν και ο καλλιτέχνης το δημιούργησε όταν δεν ήταν ακόμη 30 ετών.

Ο πίνακας έγινε ιδιαίτερα δημοφιλής κατά τη σοβιετική εποχή. Μια τέτοια συνωμοσία ταιριάζει στην ιδεολογία των καταπιεσμένων. Έτσι το είδαμε τόσο σε εγχειρίδια όσο και σε κουτιά αντιστοίχισης.

Θυμάστε, το είπα παραπάνω για την επανάσταση του Αλεξάντερ Ιβάνοφ; Ήταν ο πρώτος στη ρωσική ζωγραφική που έβαλε τους απλούς ανθρώπους στη σειρά και τους προικίστηκε με διαφορετικά συναισθήματα.

Έτσι ο Ρέπιν έμαθε όλα τα μαθήματα του Ιβάνοφ. Αλλά έφερε το ρεαλισμό στο απόλυτο.

Πραγματικοί φορτηγίδες φορτηγού που θέτουν για τον καλλιτέχνη. Γνωρίζουμε τα ονόματα και τους προορισμούς τους (δηλαδή, αυτοί οι άνθρωποι ήταν τυχεροί: πήγαν στην ιστορία).

Η εμφάνισή τους είναι απίστευτα πιστευτή. Είναι αυτό το είδος ρούχων που γίνεται από πολλά χρόνια φθοράς και περπατήματος κατά μήκος του παράκτιου ανεμοφράκτη.

Από αυτή την άποψη, ο Ιβάνοφ ήταν ακόμα κλασικός: οι χιτώνες των ηρώων του είναι πολύ καθαροί, όπως σε μια βιτρίνα.

Αλλά δεν είναι μόνο η κουρελιασμένη εμφάνιση των φτωχών που μας κάνει να συμπονούνται μαζί τους.

Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε επίσης ένα ατμόπλοιο στο βάθος. Λένε ότι οι κινητήρες έχουν ήδη επινοηθεί, και όλοι χλευάζουν τους ανθρώπους. Ναι, Ρώσοι καλλιτέχνες άρεσαν να το προσθέσουν "Ω, πόσο κακό είναι."

6. "Κορίτσι με ροδάκινα" του Serov (1887)

Βαλεντίν Σερόφ. Κορίτσι με ροδάκινα. 1887 Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα.

Ο Valentin Serov (1865-1911) ήταν ακόμη νεότερος από τον Repin όταν δημιούργησε το "Girl with Peaches", το κύριο αριστούργημά του. Ήταν 22 ετών!

Προφανώς αυτό είναι ένα χαρακτηριστικό των Ρώσων καλλιτεχνών - να δώσουν τις κύριες δημιουργίες τους στη νεολαία τους: ότι ο Μπράιλοφ, αυτός ο Ρεμπίν. Και ο Σερόφ - και εκεί.

Αλλά σοβαρά, κάτι άλλο είναι εντυπωσιακό σε αυτό το έργο. Είναι γραμμένο με στυλ. Και αυτό ήταν όταν στη Ρωσία δεν ήξεραν σχεδόν τίποτα για αυτήν την κατεύθυνση της ζωγραφικής!

Όμως ο Serov ζωγράφισε διαισθητικά μια εικόνα με χρωματιστές σκιές, πολύχρωμα αντανακλαστικά (χρωματιστά στίγματα, αντανακλάσεις ορισμένων αντικειμένων σε άλλα), ορατές πινελιές.

7. "Το πρωί σε ένα πευκοδάσος" του Shishkin (1889)

Ιβάν Σίσκιν. Το πρωί σε ένα πευκοδάσος. 1889 Γκαλερί Tretyakov.

Ο Ivan Shishkin (1832-1898) μπορούσε να ασκήσει κριτική σε άλλους καλλιτέχνες. Έτσι, η Ilya Repin το πήρε από αυτόν. Κατάρασε τα λανθασμένα σχεδιασμένα δέντρα στη ζωγραφική "Barge Haulers on the Volga".

04/20/2017 στις 10:25 ΜΜ · Pavlofox · 3 120

Οι πιο διάσημοι πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες

Για αρκετούς αιώνες, η τέχνη θεωρείται ένας από τους πιο πολύτιμους θησαυρούς του ανθρώπινου πολιτισμού. Οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών γίνονται κρατικός θησαυρός, που παρακολουθούν προσεκτικά χιλιάδες ειδικοί και κοστίζουν εκατοντάδες εκατομμύρια δολάρια. Στη χώρα μας, η τέχνη αποτιμάται πολύ λιγότερο, αλλά όλοι, ίσως, είναι εξοικειωμένοι με τα ακόλουθα οι πιο διάσημοι πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες... Οποιοδήποτε μορφωμένο άτομο πρέπει να το γνωρίζει.

10. Εμφάνιση του Χριστού στο λαό | Αλέξανδρος Ιβάνοφ

"Η εμφάνιση του Χριστού στον λαό" Αξίζει να ανοίξει την κορυφή των πιο διάσημων έργων ζωγραφικής από Ρώσους καλλιτέχνες. Ο Ρώσος καλλιτέχνης Αλέξανδρος Ιβάνοφ έγινε διάσημος για τη ζωγραφική "Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους", την οποία ζωγράφισε για είκοσι χρόνια. Το μέγεθος του πίνακα είναι εντυπωσιακό, όπως και η λεπτομέρεια. Ο συγγραφέας εμπνεύστηκε, φυσικά, από ιστορίες από τη Βίβλο, και ήταν πολύ μακριά από το πρώτο έργο του καλλιτέχνη σε θρησκευτικά θέματα - ο Ιβάνοφ ήξερε τι άρεσε ο καθένας στην πρώτη εικόνα και το ενσωμάτωσε ξανά - για τελευταία φορά. Η εικόνα κλήθηκε από τους συγχρόνους όχι μόνο απίστευτο, αλλά το πιο σημαντικό γεγονός στη ζωή τους. Κατά ειρωνικό τρόπο, ο ίδιος ο Ιβάνοφ πέθανε την ίδια ημέρα και ο τσάρος αγόρασε τον πίνακα αμέσως μετά το θάνατο του συγγραφέα.

9. Ανισότητα γάμου | Βασίλι Πουκέρεφ

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες είναι ο απίστευτα βαθύς καμβάς του Vasily Pukirev. Ο Pukirev είναι ένας απίστευτος χωρικός που έγινε διάσημος για έναν μόνο πίνακα - όλα τα άλλα έργα του συγγραφέα παρέμειναν ξεχασμένα. Γιατί "άνισος γάμος"; Η εικόνα περιγράφει μια πλοκή από τη ζωή του ίδιου του Pukirev - απεικονίζεται ακόμη και στην ίδια την εικόνα. Ο νεαρός Pukirev στέκεται στο παρασκήνιο με σταυρωμένα χέρια, ανίκανος να κάνει τίποτα, επειδή η νύφη του παντρεύεται έναν παλιό στρατηγό. Ο ίδιος ο Κοστομάροφ, βλέποντας τον καμβά, πήρε μια νεαρή κοπέλα ως σύζυγό του.

8. Οι Rooks έχουν φτάσει | Alexey Savrasov

"Οι Rooks έχουν φτάσει" - ο πιο διάσημος πίνακας του Ρώσου καλλιτέχνη Alexei Savrasov. Η εικόνα κέρδισε δημοτικότητα ακόμη και κατά την πρώτη της έκθεση, όπου εκτίμησαν τον ρεαλισμό και την ειλικρίνειά της. "Τέτοια τοπία είναι μόνο σε" Rooks "," - είπε για την εικόνα του Savrasov. Είναι ενδιαφέρον ότι η εκκλησία που φαίνεται στο βάθος υπάρχει και στέκεται στην ίδια μορφή μέχρι σήμερα. Στο ίδιο χωριό, ο διάσημος Susanin έκανε το επίτευγμά του.

7. Κυνηγοί σε ηρεμία | Βασίλι Περόφ

Ο συγγραφέας της εικόνας "Κυνηγοί σε ξεκούραση" είναι ο διάσημος συγγραφέας Vasily Grigorievich Perov. Τώρα όλοι γνωρίζουν αυτό έναν από τους πιο διάσημους πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες, και τον 19ο αιώνα, πολλοί το χαρακτήρισαν ανεπιτυχές. Υπήρχαν επίσης εκείνοι που θαύμαζαν το έργο του Perov. Πρώτα απ 'όλα, ο μεγάλος κλασικός Ντοστογιέφσκι θαύμαζε το έργο. Κάποιοι επέκριναν την εικόνα λόγω της αναξιόπιστης αυτής, επειδή ο Perov αντλούσε κυνηγούς από τους φίλους του, οι οποίοι δεν ήταν εξοικειωμένοι με αυτό το είδος επαγγέλματος.

6. Τρεις ήρωες | Βίκτορ Βασνετσόφ

Ο Viktor Vasnetsov δημιούργησε έναν από τους πιο διάσημους πίνακες μεταξύ Ρώσων συγγραφέων - "Τρεις ήρωες"... Ο Vasnetsov είπε ότι εμπνεύστηκε από πυκνές βελανιδιές - ήταν έκπληκτος από τη δύναμή τους και οι ήρωες του εμφανίστηκαν λίγο αργότερα σε ένα όνειρο. Ο πίνακας απεικονίζει διάσημους χαρακτήρες ρωσικών λαϊκών παραμυθιών. Στο κέντρο είναι η Ilya Muromets, στο χέρι του οποίου ένα δόρυ, στα αριστερά - Dobrynya Nikitich, βγάζοντας ένα σπαθί από το θηκάρι του, και στα δεξιά - Alyosha Popovich με τόξο και βέλη. Είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης ζωγράφισε την Alyosha από τον γιο του Mamontov, στο κτήμα του οποίου κρέμασε τον πίνακα. Και οι υπόλοιποι ήρωες είναι παρόμοιοι με τα μέλη της οικογένειας του ίδιου του Vasnetsov.

5. Κορίτσι με ροδάκινα | Βαλεντίν Σερόφ

Ο Valentin Aleksandrovich Serov, σε αντίθεση με προηγούμενους συγγραφείς, μετά τη ζωγραφική "Κορίτσι με ροδάκινα", έγινε ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες στην αυτοκρατορία. Η εικόνα εντυπωσίασε τόσο το κοινό όσο και τη βασιλική οικογένεια που στράφηκε στον συγγραφέα με εντολή για αρκετούς περισσότερους πίνακες για να διακοσμήσουν τα βασιλικά παλάτια. Το "Girl with Peaches" περιλαμβάνεται στην κορυφή των πιο διάσημων έργων ζωγραφικής από Ρώσους καλλιτέχνες χάρη στη χαρά που ακτινοβολεί το κορίτσι. Οι κριτικοί αποκαλούν τη ζωγραφική "ζωντανή". Αλλά φανταστείτε πώς ήταν για το κορίτσι που έπρεπε να ποζάρει για τον Σερόφ, και δεν είναι ο μόνος που ενσαρκώνει αυτή τη νεαρή κοπέλα στα καμβά του.

4. Μεταφορείς φορτηγού στο Βόλγα | Ilya Efimovich

Η Ilya Efimovich είναι ιθαγενής της Ουκρανίας, στην παιδική του ηλικία δεν είδε ποτέ μεγάλα πλοία, φορτηγίδες, και ακόμη περισσότερο το Βόλγα. Για πρώτη φορά, ο Εφιμόβιτς είδε τους φορτωτές φορτηγίδων στο Neva, όπου είχε μια πλοκή για το μελλοντικό αριστούργημα. Τώρα "Τα φορτηγά φορτηγού στο Βόλγα" ένας από τους πιο εντυπωσιακούς πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες, ο οποίος περιλαμβάνεται σωστά στους κορυφαίους 10. Η εικόνα έχει περιγραφεί επανειλημμένα από σπουδαίες λογοτεχνικές προσωπικότητες, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Ντοστογιέφσκι. Για να ζωγραφίσει τη ζωγραφική "Barge Haulers on the Volga" ο συγγραφέας χρειαζόταν μόνο 200 ρούβλια για το ταξίδι. Στη συνέχεια, πωλήθηκε για μόνο 3000 ρούβλια στον Vladimir Alexandrovich, τον μεγάλο Ρώσο πρίγκιπα. Τώρα ο πίνακας είναι κληρονομιά του ρωσικού πολιτισμού και δεν μπορεί να εκτιμηθεί η αξία του.

3. Boyarynya Morozova | Βασίλι Σουρίκοφ

"Boyarynya Morozova" Ο Ρώσος συγγραφέας Vasily Surikov είναι ένα από τα πιο σημαντικά εκθέματα της Γκαλερί Tretyakov και, σε συνδυασμό, ένας από τους πιο διάσημους πίνακες από Ρώσους καλλιτέχνες. Ο πίνακας είναι μεγάλος και οι επισκέπτες εκπλήσσονται με το πόσο καλά περιγράφεται η ζωή σε έναν τόσο μεγάλο καμβά. Η γκαλερί Tretyakov απέκτησε τον πίνακα με μόνο 25 χιλιάδες ρούβλια - χρήματα, φυσικά, πολλά για τον 19ο αιώνα, αλλά τώρα δεν μπορεί να υπερεκτιμηθεί η αξία του. Είναι ενδιαφέρον ότι η αγορά του πίνακα ήταν κίνδυνος για τη γκαλερί, επειδή οι περισσότεροι από αυτούς δεν δέχτηκαν τον καμβά.

2. Ξένος | Ιβάν Κραμσκόι

Ο δεύτερος πιο διάσημος πίνακας από Ρώσους καλλιτέχνες είναι δικαίως ο μυστηριώδης "Ξένος"Ιβάν Κραμσκόι. Ένας μικρός καμβάς απεικονίζει μια νεαρή γυναίκα ντυμένη με τα πιο ακριβά και μοντέρνα ρούχα του τέλους του 19ου αιώνα. Κάποιος ισχυρίζεται ότι ο πίνακας απεικονίζει την Άννα Καρενίνα, και κάποιοι γενικά πιστεύουν ότι ο "Άγνωστος" φέρνει μεγάλη ατυχία σε όλους που κοιτάζουν τα μάτια της. Το "Άγνωστο" είναι ο πιο διάσημος πίνακας όλων των έργων του Κράμσκυ και ο κόσμος δεν ξέρει ακόμα από ποιον ο ζωγράφος ζωγράφισε την εικόνα. Ο ίδιος ο συγγραφέας δεν ανέφερε τίποτα.

1. Πρωί σε πευκοδάσος | Ιβάν Σίσκιν

"Το πρωί σε ένα πευκοδάσος".Ο Ivan Shishkin, ένας καλλιτέχνης που, ενώ ήταν ακόμη στην ακαδημία, απάντησε ότι θα ήταν ζωγράφος τοπίου, ζωγράφισε τη διάσημη εικόνα "Το πρωί σε ένα πευκοδάσος". Ακόμα και μικρά παιδιά γνωρίζουν για τον καμβά, αν και το αποκαλούν "αρκούδες", καθώς απεικονίζονται σε σοκολάτες με το ίδιο όνομα. Μεταξύ των Ρώσων καλλιτεχνών, ο πίνακας του Shishkin "Morning in a Pine Forest" είναι ο πιο αναγνωρίσιμος και συχνά επικρίνεται για την έλλειψη ρεαλισμού. Οι πιο προσκολλημένοι αντιτίθενται στο γιατί υπάρχουν ακριβώς τρεις αρκούδες, γιατί μια αρκούδα σπάνια έχει τέτοιο απόγονο. Η εικόνα κέρδισε δημοτικότητα χάρη στο υπέροχο πανέμορφο δασικό τοπίο με την προσθήκη της ζωοτεχνίας, δηλαδή της οικογένειας αρκούδων.

Επιλογή αναγνωστών:

Τι άλλο να δείτε:

"Κάθε πορτρέτο ζωγραφισμένο με συναίσθημα είναι, στην ουσία, πορτρέτο του καλλιτέχνη, και όχι εκείνο που του θέτει." Όσκαρ Γουάιλντ

Τι χρειάζεται για να γίνει καλλιτέχνης; Μια απλή απομίμηση της εργασίας δεν μπορεί να θεωρηθεί τέχνη. Η τέχνη είναι αυτό που προέρχεται από μέσα. Η ιδέα, το πάθος, οι αναζητήσεις, οι επιθυμίες και οι θλίψεις του συγγραφέα που ενσωματώνονται στον καμβά του καλλιτέχνη. Σε όλη την ιστορία της ανθρωπότητας, έχουν γραφτεί εκατοντάδες χιλιάδες, και ίσως εκατομμύρια πίνακες. Μερικά από αυτά, πράγματι, αριστουργήματα, είναι γνωστά σε όλο τον κόσμο, ακόμη και άτομα που δεν έχουν καμία σχέση με την τέχνη τα γνωρίζουν. Μπορείτε να ξεχωρίσετε τους 25 πιο σημαντικούς από αυτούς τους πίνακες; Το έργο είναι πολύ δύσκολο, αλλά προσπαθήσαμε ...

✰ ✰ ✰

«Η εμμονή της μνήμης» του Σαλβαδόρ Νταλί

Χάρη σε αυτήν την εικόνα, ο Ντάλι έγινε διάσημος σε αρκετά νεαρή ηλικία, ήταν 28 ετών. Η εικόνα έχει αρκετούς περισσότερους τίτλους - "Soft Watch", "Hardness of memory". Αυτό το αριστούργημα έχει προσελκύσει την προσοχή πολλών κριτικών της τέχνης. Βασικά, ενδιαφερόταν για την ερμηνεία της εικόνας. Λένε ότι η ιδέα της ζωγραφικής του Ντάλι συνδέεται με τη θεωρία της σχετικότητας του Αϊνστάιν.

✰ ✰ ✰

Ο Χορός, Χένρι Ματίς

Ο Henri Matisse δεν ήταν πάντα καλλιτέχνης. Ανακάλυψε την αγάπη του για τη ζωγραφική αφού ολοκλήρωσε το πτυχίο του στη νομολογία στο Παρίσι. Σπούδασε τέχνη με τόση ζήλο που έγινε ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στον κόσμο. Αυτός ο πίνακας έχει πολύ λίγη αρνητική κριτική στην τέχνη. Αντανακλά έναν συνδυασμό ειδωλολατρικών τελετών, χορού και μουσικής. Οι άνθρωποι χορεύουν με έκσταση. Τρία χρώματα - πράσινο, μπλε και κόκκινο, συμβολίζουν τη Γη, τον Παράδεισο και την Ανθρωπότητα.

✰ ✰ ✰

The Kiss, Gustav Klimt

Ο Gustav Klimt δέχτηκε συχνά κριτική για το ότι ήταν γυμνός στους πίνακές του. Το Kiss αναγνωρίστηκε κριτικά καθώς συγχωνεύει όλες τις μορφές τέχνης. Ο πίνακας θα μπορούσε να είναι μια εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη και της αγαπημένης του, Εμίλια. Ο Κλιμ ζωγράφισε αυτόν τον πίνακα υπό την επήρεια βυζαντινών ψηφιδωτών. Οι βυζαντινοί χρησιμοποιούσαν χρυσό στους πίνακες τους. Ομοίως, ο Gustav Klimt ανάμιξε χρυσό στα χρώματα του για να δημιουργήσει το δικό του στιλ ζωγραφικής.

✰ ✰ ✰

Ο ύπνος τσιγγάνος από τον Henri Rousseau

Κανείς εκτός από τον ίδιο τον Ρουσσώ δεν μπορούσε να περιγράψει καλύτερα αυτήν την εικόνα. Εδώ είναι η περιγραφή του - «ένας νομαδικός τσιγγάνος που τραγουδά τα τραγούδια της σε ένα μαντολίνο, κοιμάται στο έδαφος από κόπωση, δίπλα της βρίσκεται η κανάτα του πόσιμου νερού. Ένα λιοντάρι που περνούσε ήρθε να την μυρίζει, αλλά δεν την άγγιξε. Όλα είναι γεμάτα φως του φεγγαριού, πολύ ποιητική ατμόσφαιρα. " Αξίζει να σημειωθεί ότι ο Henri Rousseau είναι αυτοδίδακτος.

✰ ✰ ✰

"The Last Judgment", Hieronymus Bosch

Χωρίς άλλη παραλλαγή, η εικόνα είναι απλά υπέροχη. Αυτό το τρίπτυχο είναι ο μεγαλύτερος από τους πίνακες της Bosch που σώζονται. Το αριστερό πλαίσιο δείχνει την ιστορία του Αδάμ και της Εύας. Το κεντρικό μέρος είναι η «τελευταία κρίση» του Ιησού - ποιος πρέπει να πάει στον παράδεισο και ποιος πρέπει να πάει στην κόλαση. Η γη που βλέπουμε εδώ είναι φωτιά. Στη δεξιά πτέρυγα είναι μια φρικτή εικόνα της κόλασης.

✰ ✰ ✰

Όλοι γνωρίζουν τον Νάρκισσο από την ελληνική μυθολογία - έναν άνθρωπο που είχε εμμονή με την εμφάνισή του. Ο Νταλί έγραψε τη δική του ερμηνεία για τον Νάρκισσο.

Η ιστορία είναι έτσι. Ο όμορφος νεαρός άνδρας Νάρκισσος έσπασε εύκολα τις καρδιές πολλών κοριτσιών. Οι θεοί παρενέβησαν και, για να τον τιμωρήσουν, του έδειξαν την αντανάκλασή του στο νερό. Ο Νάρκισσος ερωτεύτηκε τον εαυτό του και τελικά πέθανε επειδή δεν μπορούσε ποτέ να αγκαλιάσει τον εαυτό του. Τότε οι Θεοί μετανιώνουν που το έκαναν αυτό και αποφάσισαν να τον αθανατίσει με τη μορφή ενός λουλουδιού νάρκισσου.

Στην αριστερή πλευρά του πίνακα είναι ο Νάρκισσος κοιτάζοντας την αντανάκλασή του. Τότε ερωτεύτηκε τον εαυτό του. Το δεξί πλαίσιο εμφανίζει τα γεγονότα που ξετυλίχθηκαν μετά, συμπεριλαμβανομένου του προκύπτοντος λουλουδιού - νάρκισσου.

✰ ✰ ✰

Η πλοκή της εικόνας βασίζεται στη βιβλική σφαγή μωρών στη Βηθλεέμ. Αφού έγινε γνωστό από τους Μάγους για τη γέννηση του Χριστού, ο Βασιλιάς Ηρώδης διέταξε να σκοτώσει όλα τα μικρά αρσενικά παιδιά και μωρά στη Βηθλεέμ. Στην εικόνα, η σφαγή βρίσκεται στο αποκορύφωμά της, τα τελευταία παιδιά, που αφαιρέθηκαν από τις μητέρες τους, περιμένουν τον ανελέητο θάνατό τους. Επίσης ορατά είναι τα πτώματα των παιδιών, για τα οποία όλα είναι ήδη πίσω.

Μέσα από τη χρήση ενός πλούσιου συνδυασμού χρωμάτων, η ζωγραφική του Rubens έχει γίνει ένα παγκοσμίου φήμης αριστούργημα.

✰ ✰ ✰

Το έργο του Pollock είναι πολύ διαφορετικό από άλλους καλλιτέχνες. Έβαλε τον καμβά του στο έδαφος και κινήθηκε γύρω από τον καμβά και περπατούσε πάνω του, στάζοντας χρώμα από πάνω πάνω στον καμβά με ραβδιά, βούρτσες και σύριγγες. Χάρη σε αυτή τη μοναδική τεχνική σε καλλιτεχνικούς κύκλους, ονομαζόταν "Jack the Sprayer". Για λίγο καιρό, αυτός ο πίνακας κατείχε τον τίτλο του πιο ακριβού πίνακα στον κόσμο.

✰ ✰ ✰

Επίσης γνωστό ως "Dancing at Le Moulin de la Galette". Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους πίνακες του Renoir. Η ιδέα της εικόνας είναι να δείξει στο κοινό τη διασκεδαστική πλευρά της παριζιάνικης ζωής. Μετά από μια πιο προσεκτική εξέταση του πίνακα, μπορείτε να δείτε ότι ο Ρενουάρ έβαλε αρκετούς από τους φίλους του στον καμβά. Δεδομένου ότι η εικόνα φαίνεται ελαφρώς θολή, στην αρχή επικρίθηκε από τους συγχρόνους του Renoir.

✰ ✰ ✰

Η πλοκή προέρχεται από τη Βίβλο. Ο πίνακας «Ο τελευταίος δείπνος» απεικονίζει τον τελευταίο δείπνο του Χριστού πριν από τη σύλληψή του. Μόλις μίλησε στους αποστόλους του και τους είπε ότι ένας από αυτούς θα τον πρόδωσε. Όλοι οι απόστολοι είναι λυπημένοι και του λένε ότι σίγουρα δεν είναι αυτοί. Αυτή ήταν η στιγμή που ο ντα Βίντσι απεικόνισε όμορφα χάρη στη ζωντανή του εικόνα. Χρειάστηκαν τέσσερα χρόνια για να ολοκληρωθεί αυτός ο πίνακας.

✰ ✰ ✰

Τα «νούφαρα» του Monet βρίσκονται παντού. Τα έχετε δει πιθανότατα σε ταπετσαρίες, αφίσες και εξώφυλλα περιοδικών τέχνης. Το γεγονός είναι ότι ο Monet ήταν εμμονή με κρίνα. Πριν αρχίσει να τα ζωγραφίζει, μεγάλωσε αμέτρητα από αυτά τα λουλούδια. Ο Monet έχτισε μια γέφυρα ιαπωνικού στιλ στον κήπο του πάνω από μια λίμνη με κρίνα. Ήταν τόσο ευχαριστημένος με αυτό που έκανε, που ζωγράφισε αυτήν την πλοκή δεκαεπτά φορές σε ένα χρόνο.

✰ ✰ ✰

Υπάρχει κάτι δυσοίωνο και μυστηριώδες σε αυτήν την εικόνα, υπάρχει μια αύρα φόβου γύρω της. Μόνο ένας δάσκαλος όπως ο Munch μπόρεσε να απεικονίσει τον φόβο στα χαρτιά. Ο Munch έκανε τέσσερις εκδόσεις του The Scream σε λάδια και παστέλ. Σύμφωνα με τις καταχωρήσεις στο ημερολόγιο του Munch, είναι αρκετά προφανές ότι ο ίδιος πίστευε στο θάνατο και στα πνεύματα. Στον πίνακα "Η Κραυγή", απεικόνισε τον εαυτό του τη στιγμή που μια μέρα, περπατώντας με φίλους, ένιωσε φόβο και ενθουσιασμό, που ήθελε να ζωγραφίσει.

✰ ✰ ✰

Ο πίνακας, που συνήθως αναφέρεται ως σύμβολο της μητρότητας, δεν έπρεπε να είναι. Λέγεται ότι το μοντέλο του Γουίστλερ, που έπρεπε να ποζάρει για τον πίνακα, δεν εμφανίστηκε και αποφάσισε να ζωγραφίσει τη μητέρα του αντ 'αυτού. Μπορούμε να πούμε ότι απεικονίζει τη θλιβερή ζωή της μητέρας του καλλιτέχνη. Αυτή η διάθεση οφείλεται στα σκούρα χρώματα που χρησιμοποιούνται σε αυτόν τον πίνακα.

✰ ✰ ✰

Ο Πικάσο συναντήθηκε με τη Ντόρα Μάαρ στο Παρίσι. Λέγεται ότι ήταν πνευματικά πιο κοντά στον Πικάσο από όλες τις προηγούμενες ερωμένες του. Χρησιμοποιώντας τον Κυβισμό, ο Πικάσο μπόρεσε να μεταφέρει την κίνηση στο έργο του. Φαίνεται ότι το πρόσωπο του Μάαρ στρέφεται προς τα δεξιά, προς το Πικάσο. Ο καλλιτέχνης έκανε την παρουσία μιας γυναίκας σχεδόν πραγματική. Ίσως ήθελε να αισθάνεται ότι ήταν εκεί, πάντα.

✰ ✰ ✰

Ο Βαν Γκογκ έγραψε το Starry Night ενώ υποβλήθηκε σε θεραπεία, όπου του επιτρέπεται να ζωγραφίζει μόνο όταν βελτιώθηκε η κατάστασή του. Νωρίτερα τον ίδιο χρόνο, έκοψε το αριστερό λοβό του. Πολλοί θεώρησαν τον καλλιτέχνη τρελό. Από ολόκληρη τη συλλογή των έργων του Van Gogh, το Starry Night είναι το πιο διάσημο, πιθανώς λόγω του ασυνήθιστου σφαιρικού φωτός γύρω από τα αστέρια.

✰ ✰ ✰

Σε αυτόν τον πίνακα, ο Manet αναδημιούργησε το "Venus of Urbino" του Titian. Ο καλλιτέχνης ήταν διαβόητος για την απεικόνιση των πορνών. Παρόλο που οι κύριοι εκείνη την εποχή επισκέφτηκαν ευγενικούς συνομιλητές, δεν πίστευαν ότι κάποιος θα το έπαιρνε στο μυαλό τους για να τους τραβήξει. Τότε, ήταν προτιμότερο για τους καλλιτέχνες να ζωγραφίζουν εικόνες σε ιστορικά, μυθικά ή βιβλικά θέματα. Ωστόσο, ο Manet, αντίθετα με την κριτική, έδειξε στο κοινό σύγχρονο.

✰ ✰ ✰

Αυτός ο πίνακας είναι ένας ιστορικός καμβάς που απεικονίζει την κατάκτηση της Ισπανίας από τον Ναπολέοντα.

Έχοντας λάβει μια παραγγελία για πίνακες που απεικονίζουν τον αγώνα του ισπανικού λαού με τον Ναπολέοντα, ο καλλιτέχνης δεν ζωγράφισε ηρωικούς και αξιολύπητους καμβά. Επέλεξε τη στιγμή της εκτέλεσης των Ισπανών ανταρτών από Γάλλους στρατιώτες. Κάθε ένας από τους Ισπανούς βιώνει αυτή τη στιγμή με τον δικό του τρόπο, κάποιος έχει ήδη παραιτηθεί, αλλά για κάποιον η κύρια μάχη μόλις έφτασε. Πόλεμος, αίμα και θάνατος, αυτό απεικόνισε ο Γκόγια.

✰ ✰ ✰

Το κορίτσι που απεικονίζεται πιστεύεται ότι είναι η μεγαλύτερη κόρη του Βερμέερ, η Μαρία. Τα χαρακτηριστικά της υπάρχουν σε πολλά από τα έργα του, αλλά είναι δύσκολο να τα συγκρίνετε. Η Tracy Chevalier έγραψε ένα βιβλίο με τον ίδιο τίτλο. Αλλά η εκδοχή του Tracy για το ποιος απεικονίζεται σε αυτήν την εικόνα είναι εντελώς διαφορετική. Ισχυρίζεται ότι πήρε αυτό το θέμα, επειδή υπάρχουν πολύ λίγες πληροφορίες για τον Vermeer και τους πίνακές του, και συγκεκριμένα από αυτήν την εικόνα υπάρχει μια μυστηριώδης ατμόσφαιρα. Αργότερα, δημιουργήθηκε μια ταινία βασισμένη στο μυθιστόρημά της.

✰ ✰ ✰

Ο ακριβής τίτλος της ζωγραφικής είναι "Ομιλία από την εταιρεία τουφέκι του καπετάνιου Frans Banning Kok και του υπολοχαγού Willem van Ruytenbürg." Εκτός από τις πολιτοφυλακές, ο Rembrandt πρόσθεσε μερικά επιπλέον άτομα στη σύνθεση. Λαμβάνοντας υπόψη ότι αγόρασε ένα ακριβό σπίτι τη στιγμή αυτής της ζωγραφικής, ίσως είναι αλήθεια ότι έλαβε τεράστια δικαιώματα για το Night Watch.

✰ ✰ ✰

Αν και ο πίνακας διαθέτει μια εικόνα του ίδιου του Velazquez, δεν είναι αυτοπροσωπογραφία. Ο κύριος χαρακτήρας του καμβά είναι η Infanta Margaret, κόρη του βασιλιά Philip IV. Αυτό δείχνει τη στιγμή που ο Velazquez, που δουλεύει πάνω στο πορτρέτο του βασιλιά και της βασίλισσας, αναγκάζεται να σταματήσει και να κοιτάξει την Infanta Margarita, η οποία μόλις μπήκε στο δωμάτιο με τη δική της. Η εικόνα φαίνεται σχεδόν ζωντανή, προκαλώντας περιέργεια στο κοινό.

✰ ✰ ✰

Αυτός είναι ο μόνος πίνακας του Bruegel που ήταν βαμμένος σε λάδι και όχι σε τέμπερα. Υπάρχουν ακόμη αμφιβολίες για την αυθεντικότητα του πίνακα, κυρίως για δύο λόγους. Πρώτον, δεν ζωγράφισε λάδια, και δεύτερον, πρόσφατες μελέτες έχουν δείξει ότι κάτω από το στρώμα της ζωγραφικής υπάρχει ένα σχηματικό σχέδιο κακής ποιότητας, το οποίο δεν ανήκει στον Bruegel.

Ο πίνακας απεικονίζει την ιστορία του Ίκαρου και τη στιγμή της πτώσης του. Σύμφωνα με τον μύθο, τα φτερά του Ίκαρου ήταν προσκολλημένα με κερί, και καθώς ο Ίκαρος ανέβηκε πολύ κοντά στον ήλιο, το κερί έλιωσε και έπεσε στο νερό. Αυτό το τοπίο ενέπνευσε τον Whisten Hugh Auden να γράψει το πιο διάσημο ποίημά του για το ίδιο θέμα.

✰ ✰ ✰

Η Σχολή Αθηνών είναι ίσως η πιο διάσημη τοιχογραφία του Ιταλού ζωγράφου της Αναγέννησης, Ραφαήλ.

Όλοι οι σπουδαίοι μαθηματικοί, φιλόσοφοι και επιστήμονες συγκεντρώθηκαν κάτω από μια στέγη σε αυτήν την τοιχογραφία στο σχολείο της Αθήνας, μοιράζονται τις θεωρίες τους και μαθαίνουν ο ένας από τον άλλο. Όλοι οι ήρωες έζησαν σε διαφορετικές εποχές, αλλά ο Ραφαήλ τα έβαλε όλα στο ίδιο δωμάτιο. Μερικές από τις φιγούρες είναι ο Αριστοτέλης, ο Πλάτων, ο Πυθαγόρας και ο Πτολεμαίος. Μετά από προσεκτικό έλεγχο, είναι σαφές ότι υπάρχει μια αυτοπροσωπογραφία του Ραφαήλ σε αυτήν την εικόνα. Κάθε καλλιτέχνης θα ήθελε να αφήσει το σημάδι του, η μόνη διαφορά είναι στη φόρμα. Αν και ίσως θεωρούσε τον εαυτό του μία από αυτές τις υπέροχες φιγούρες;

✰ ✰ ✰

Ο Μιχαήλ Άγγελος ποτέ δεν θεωρούσε τον εαυτό του καλλιτέχνη, πάντα σκέφτηκε τον εαυτό του ως γλύπτη. Όμως, κατάφερε να δημιουργήσει μια καταπληκτική υπέροχη τοιχογραφία, πριν από την οποία δέχεται δέος ολόκληρος ο κόσμος. Αυτό το αριστούργημα βρίσκεται στην οροφή του παρεκκλησιού Sistine στο Βατικανό. Ο Μιχαήλ Άγγελος ανέθεσε να ζωγραφίσει αρκετές βιβλικές ιστορίες, μία από τις οποίες είναι η δημιουργία του Αδάμ. Σε αυτήν την εικόνα, ο γλύπτης στο Μιχαήλ Άγγελο είναι ορατός. Το ανθρώπινο σώμα του Αδάμ αποδίδεται με απίστευτη ακρίβεια μέσα από ζωντανά χρώματα και ακριβές μυϊκό σχήμα. Έτσι, μπορεί κανείς να συμφωνήσει με τον συγγραφέα, τελικά, είναι περισσότερο γλύπτης.

✰ ✰ ✰

Μόνα Λίζα από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι

Αν και αυτή είναι η πιο μελετημένη ζωγραφική, η "Μόνα Λίζα" εξακολουθεί να είναι η πιο μυστηριώδης. Ο Λεονάρντο είπε ότι δεν σταμάτησε ποτέ να εργάζεται σε αυτό. Μόνο ο θάνατός του λέγεται ότι ολοκλήρωσε τις εργασίες στον καμβά. Η Μόνα Λίζα είναι το πρώτο ιταλικό πορτρέτο που δείχνει το μοντέλο στη μέση. Το δέρμα της Mona Lisa φαίνεται να λάμπει λόγω της χρήσης πολλών στρωμάτων διαφανών λαδιών. Ως επιστήμονας, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι εφάρμοσε όλες τις γνώσεις του για να κάνει την εικόνα της Λα Τζιοκόντα ρεαλιστική. Όσο για το ποιος ακριβώς απεικονίζεται στην εικόνα, αυτό είναι ακόμα ένα μυστήριο.

✰ ✰ ✰

Ο πίνακας απεικονίζει την Αφροδίτη, τη θεά του έρωτα, να αιωρείται πάνω σε ένα κέλυφος στον άνεμο που πνέει ο Ζέφυρος, ο θεός του δυτικού ανέμου. Στην ακτή της συναντά η Όρα, η θεά των εποχών, είναι έτοιμη να φορέσει μια νεογέννητη θεότητα. Η Simonetta Cattaneo de Vespucci θεωρείται το μοντέλο της Αφροδίτης. Η Simonetta Cattaneo πέθανε στα 22 και ο Μποτιτσέλι ήθελε να ταφεί δίπλα της. Η απλήρωτη αγάπη τον έδεσε μαζί της. Αυτός ο πίνακας είναι το πιο εξαιρετικό έργο τέχνης που δημιουργήθηκε ποτέ.

✰ ✰ ✰

συμπέρασμα

Αυτό ήταν το άρθρο Κορυφαία 25 πιο διάσημα έργα ζωγραφικής στον κόσμο... Ευχαριστώ για την προσοχή!