Η ρωσική ζωγραφική δικαίως διακρίνεται από τον κόσμο της τέχνης. Γεγονός είναι ότι μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα, η ρωσική ζωγραφική συνδέθηκε αποκλειστικά με ένα θρησκευτικό θέμα. Η κατάσταση άλλαξε με την έλευση στην εξουσία του τσάρου-μεταρρυθμιστή - Πέτρου του Μεγάλου. Χάρη στις μεταρρυθμίσεις του, οι Ρώσοι δάσκαλοι άρχισαν να ασχολούνται με την κοσμική ζωγραφική, υπήρξε διαχωρισμός της ζωγραφικής των εικόνων ως ξεχωριστή κατεύθυνση. Ο δέκατος έβδομος αιώνας είναι η εποχή των καλλιτεχνών όπως ο Simon Ushakov και ο Joseph Vladimirov. Στη συνέχεια, στον κόσμο της ρωσικής τέχνης, το πορτρέτο γεννήθηκε και έγινε γρήγορα δημοφιλές. Τον δέκατο όγδοο αιώνα, εμφανίστηκαν οι πρώτοι ζωγράφοι που μεταπήδησαν από τη ζωγραφική πορτρέτων στη ζωγραφική τοπίου. Είναι αισθητή η έντονη συμπάθεια των δασκάλων για τα χειμερινά πανοράματα. Ο δέκατος όγδοος αιώνας θυμήθηκε επίσης για τη γέννηση της καθημερινής ζωγραφικής. Τον δέκατο ένατο αιώνα, τρεις τάσεις κέρδισαν δημοτικότητα στη Ρωσία: ο ρομαντισμός, ο ρεαλισμός και ο κλασικισμός. Όπως και πριν, οι Ρώσοι καλλιτέχνες συνέχισαν να στρέφονται στο είδος του πορτρέτου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν παγκοσμίου φήμης πορτρέτα και αυτοπροσωπογραφίες του O. Kiprensky και του V. Tropinin. Στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, οι καλλιτέχνες απεικονίζουν όλο και πιο συχνά τον απλό ρωσικό λαό στην καταπιεσμένη του κατάσταση. Ο ρεαλισμός έγινε η κεντρική τάση στη ζωγραφική αυτής της περιόδου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν οι Περιπλανώμενοι, απεικονίζοντας μόνο την πραγματική, πραγματική ζωή. Λοιπόν, ο εικοστός αιώνας είναι, φυσικά, η πρωτοπορία. Οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής επηρέασαν πολύ τους οπαδούς τους στη Ρωσία και σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακές τους έγιναν οι πρόδρομοι της αφηρημένης τέχνης. Η ρωσική ζωγραφική είναι ένας τεράστιος καταπληκτικός κόσμος ταλαντούχων καλλιτεχνών που δόξασαν τη Ρωσία με τις δημιουργίες τους
Στις 3 Δεκεμβρίου 1961 έλαβε χώρα ένα σημαντικό γεγονός στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης - ο πίνακας του Matisse «The Boat», που κρεμόταν ανάποδα για 46 ημέρες, ζυγίστηκε σωστά. Αξίζει να πούμε ότι αυτό δεν είναι εφάπαξ Αστεία περίπτωσησυνδέονται με πίνακες μεγάλων καλλιτεχνών.
Ο Πάμπλο Πικάσο ζωγράφισε ένα από τα διάσημα πορτρέτα του σε λιγότερο από 5 λεπτά
Κάποτε, ένας από τους γνωστούς του Πάμπλο Πικάσο, κοιτάζοντας τα νέα του έργα, είπε ειλικρινά στον καλλιτέχνη: «Συγγνώμη, αλλά δεν μπορώ να το καταλάβω αυτό. Τέτοια πράγματα απλά δεν υπάρχουν». Στο οποίο ο Πικάσο απάντησε: «Δεν καταλαβαίνεις ούτε κινέζικα. Αλλά εξακολουθεί να υπάρχει». Ωστόσο, πολλοί δεν κατάλαβαν τον Πικάσο. Κάποτε πρότεινε στον Ρώσο συγγραφέα Έρενμπουργκ, το δικό του καλός φίλος, γράψτε το πορτρέτο του. Συμφώνησε με χαρά, αλλά δεν πρόλαβε να καθίσει σε μια καρέκλα για να ποζάρει, καθώς ο καλλιτέχνης είπε ότι όλα ήταν έτοιμα.
Ο Έρενμπουργκ εξέφρασε την έκπληξή του για την ταχύτητα εκτέλεσης του έργου, άλλωστε δεν είχαν περάσει ούτε 5 λεπτά, στην οποία ο Πικάσο απάντησε: «Σε ξέρω 40 χρόνια. Και όλα αυτά τα 40 χρόνια έμαθα να ζωγραφίζω πορτρέτα σε 5 λεπτά»..
Ο Ilya Repin βοήθησε να πουλήσει έναν πίνακα που δεν ζωγράφισε
Μια κυρία αγόρασε στην αγορά έναν εντελώς μέτριο πίνακα ζωγραφικής μόνο για 10 ρούβλια, πάνω στον οποίο ήταν περήφανα στολισμένη η υπογραφή «I. Repin». Όταν ένας γνώστης της ζωγραφικής έδειξε αυτό το έργο στον Ilya Efimovich, εκείνος γέλασε και τελείωσε το γράψιμο του "This is not Repin" και υπέγραψε αυτόγραφό του. Μετά από λίγο, μια επιχειρηματική κυρία πούλησε έναν πίνακα ενός άγνωστου καλλιτέχνη με την υπογραφή του μεγάλου δάσκαλου για 100 ρούβλια.
Οι αρκούδες στον διάσημο πίνακα του Shishkin ζωγραφίστηκαν από άλλο καλλιτέχνη
Υπάρχει ένας άρρητος νόμος μεταξύ των καλλιτεχνών - επαγγελματική αλληλοβοήθεια. Μετά από όλα, καθένα από αυτά δεν έχει μόνο αγαπημένες πλοκές και δυνατά σημεία, αλλά και αδυναμίες, οπότε γιατί να μην βοηθάει ο ένας τον άλλον. Έτσι, είναι γνωστό με βεβαιότητα ότι για τον πίνακα «Πούσκιν στην ακτή» του Αϊβαζόφσκι, η φιγούρα του μεγάλου ποιητή ζωγραφίστηκε από τον Ρέπιν και για τον πίνακα του Λεβιτάν, «Ημέρα του φθινοπώρου. Sokolniki «η κυρία με τα μαύρα ζωγραφίστηκε από τον Νικολάι Τσέχοφ. Ο τοπιογράφος Shishkin, ο οποίος μπορούσε να σχεδιάσει κάθε λεπίδα γρασιδιού στους πίνακές του, δεν πήρε αρκούδες όταν δημιουργούσε τον πίνακα "Πρωί σε ένα πευκοδάσος". Ως εκ τούτου, οι αρκούδες για τη διάσημη ζωγραφική Shishkin ζωγραφίστηκαν από τον Savitsky.
Ένα κομμάτι ινοσανίδας, πάνω από το οποίο χύθηκε απλώς μπογιά, έγινε ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες
Ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο το 2006 ήταν ο αριθμός 5 του Τζάκσον Πόλοκ, το 1948. Σε μια από τις δημοπρασίες, ο πίνακας πήγε για 140 εκατομμύρια δολάρια. Μπορεί να φαίνεται αστείο, αλλά ο καλλιτέχνης δεν «ενοχλήθηκε» ιδιαίτερα για τη δημιουργία αυτής της εικόνας: απλώς έριξε μπογιά πάνω από ένα κομμάτι ινοσανίδας απλωμένο στο πάτωμα.
Ο Ρούμπενς κρυπτογραφούσε την ημερομηνία δημιουργίας του πίνακα του από τα αστέρια
Για πολύ καιρό, οι κριτικοί τέχνης και οι επιστήμονες δεν μπορούσαν να καθορίσουν την ημερομηνία δημιουργίας ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Ρούμπενς - του πίνακα "Γιορτή των Θεών στον Όλυμπο". Το μυστήριο λύθηκε μόνο αφού οι αστρονόμοι εξέτασαν προσεκτικότερα την εικόνα. Αποδείχθηκε ότι οι χαρακτήρες στην εικόνα ήταν διατεταγμένοι με την ίδια ακριβώς σειρά που βρίσκονταν οι πλανήτες στον ουρανό το 1602.
Το λογότυπο Chupa-Chups ζωγραφίστηκε από τον παγκοσμίως διάσημο σουρεαλιστή
Το 1961, ο Enrique Bernata, ιδιοκτήτης της εταιρείας Chupa-Chups, ζήτησε από τον καλλιτέχνη Salvador Dali να σχεδιάσει μια εικόνα για ένα περιτύλιγμα καραμέλας. Ο Νταλί εκπλήρωσε το αίτημα. Σήμερα αυτή η εικόνα, αν και σε ελαφρώς τροποποιημένη μορφή, είναι αναγνωρίσιμη στις καραμέλες αυτής της εταιρείας.
Να σημειωθεί ότι το 1967 στην Ιταλία με την ευλογία του Πάπα κυκλοφόρησε με εικονογράφηση του Σαλβαδόρ Νταλί.
Ο πιο ακριβός πίνακας Torment φέρνει ατυχία
Ο πίνακας του Munch "The Scream" πουλήθηκε σε δημοπρασία για 120 εκατομμύρια δολάρια και είναι σήμερα ο πιο ακριβός πίνακας αυτού του καλλιτέχνη. Λένε ότι η Munch, της οποίας η πορεία της ζωής είναι μια σειρά από τραγωδίες, έβαλε τόσο πολύ θλίψη μέσα της που η εικόνα απορρόφησε αρνητική ενέργεια και εκδικείται τους παραβάτες.
Ένας από τους υπαλλήλους του Μουσείου Munch με κάποιο τρόπο έριξε κατά λάθος τον πίνακα, μετά τον οποίο άρχισε να υποφέρει από τρομερούς πονοκεφάλους που οδήγησαν αυτόν τον άνδρα να αυτοκτονήσει. Ένας άλλος υπάλληλος του μουσείου, που δεν μπορούσε να κρατήσει τον πίνακα, μόλις λίγο αργότερα έπαθε ένα τρομερό τροχαίο. Και ένας επισκέπτης του μουσείου, που επέτρεψε στον εαυτό του να αγγίξει την εικόνα, μετά από λίγο κάηκε ζωντανός στη φωτιά. Ωστόσο, είναι πιθανό ότι αυτά είναι απλώς συμπτώσεις.
Το "Black Square" του Malevich έχει έναν "μεγαλύτερο αδερφό"
Το Μαύρο Τετράγωνο, που είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας του Kazimir Malevich, είναι ένας καμβάς 79,5 * 79,5 εκατοστών με μαύρο τετράγωνο που απεικονίζεται σε λευκό φόντο. Ο Μάλεβιτς ζωγράφισε τον πίνακα του το 1915. Και πίσω στο 1893, 20 χρόνια πριν από τον Malevich, ο Alphonse Allay, ένας Γάλλος συγγραφέας χιούμορ, ζωγράφισε το «μαύρο τετράγωνό» του. Είναι αλήθεια ότι ο πίνακας του Άλλα ονομαζόταν «Η Μάχη των Μαύρων σε μια βαθιά σπηλιά σε μια σκοτεινή νύχτα».
Ο Χριστός και ο Ιούδας έχουν ένα πρόσωπο στον πίνακα του Ντα Βίντσι
Λένε ότι η δημιουργία του πίνακα «Ο Μυστικός Δείπνος» απαιτούσε τιτάνια προσπάθεια από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι. Ο καλλιτέχνης βρήκε αρκετά γρήγορα το πρόσωπο από το οποίο ζωγραφίστηκε η εικόνα του Χριστού. Ένας από τους χορωδούς της εκκλησιαστικής χορωδίας προσέγγισε αυτόν τον ρόλο. Όμως ο Ντα Βίντσι έψαχνε για τρία χρόνια τον «Ιούδα».
Κάποτε στο δρόμο, ο καλλιτέχνης είδε έναν μεθυσμένο, ο οποίος προσπάθησε ανεπιτυχώς να βγει από τον βόθρο. Ο Ντα Βίντσι τον πήγε σε ένα από τα ποτά, τον κάθισε και άρχισε να ζωγραφίζει. Τι έκπληξη ήταν ο καλλιτέχνης όταν, έχοντας ανοίξει, ο μεθυσμένος παραδέχτηκε ότι πριν από αρκετά χρόνια είχε ήδη ποζάρει για αυτόν. Αποδείχθηκε ότι αυτός είναι ο ίδιος χορωδός.
«Κάθε πορτρέτο, ζωγραφισμένο με συναίσθημα, είναι στην ουσία ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη και όχι αυτού που πόζαρε γι' αυτόν».Όσκαρ Γουάιλντ
Τι χρειάζεται για να είσαι καλλιτέχνης; Μια απλή μίμηση έργου δεν μπορεί να θεωρηθεί τέχνη. Η τέχνη είναι αυτό που πηγάζει από μέσα. Η ιδέα, το πάθος, οι αναζητήσεις, οι επιθυμίες και οι λύπες του συγγραφέα, που ενσαρκώνονται στον καμβά του καλλιτέχνη. Σε όλη την ιστορία της ανθρωπότητας, έχουν γραφτεί εκατοντάδες χιλιάδες, ίσως και εκατομμύρια πίνακες. Κάποια από αυτά είναι, πράγματι, αριστουργήματα, γνωστά σε όλο τον κόσμο, τα γνωρίζουν ακόμα και άνθρωποι που δεν έχουν καμία σχέση με την τέχνη. Είναι δυνατόν να ξεχωρίσουμε τους 25 πιο σημαντικούς ανάμεσα σε τέτοιους πίνακες; Το έργο είναι πολύ δύσκολο, αλλά προσπαθήσαμε…
✰ ✰ ✰
25The Persistence of Memory, Σαλβαδόρ Νταλί
Χάρη σε αυτή την εικόνα, ο Νταλί έγινε διάσημος σε αρκετά νεαρή ηλικία, ήταν 28 ετών. Η εικόνα έχει πολλούς ακόμη τίτλους - "Μαλακό ρολόι", "Σκληρότητα μνήμης". Αυτό το αριστούργημα έχει τραβήξει την προσοχή πολλών κριτικών τέχνης. Βασικά, τους ενδιέφερε η ερμηνεία της εικόνας. Λένε ότι η ιδέα της ζωγραφικής του Νταλί συνδέεται με τη θεωρία της σχετικότητας του Αϊνστάιν.
✰ ✰ ✰
24Ο Χορός, Henri Matisse
Ο Henri Matisse δεν ήταν πάντα καλλιτέχνης. Ανακάλυψε την αγάπη του για τη ζωγραφική αφού ολοκλήρωσε το πτυχίο του στη νομολογία στο Παρίσι. Σπούδασε τέχνη με τόσο ζήλο που έγινε ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στον κόσμο. Αυτός ο πίνακας έχει πολύ λίγη αρνητική κριτική τέχνης. Αντανακλά έναν συνδυασμό παγανιστικών τελετουργιών, χορού και μουσικής. Οι άνθρωποι χορεύουν σε έκσταση. Τρία χρώματα - πράσινο, μπλε και κόκκινο, συμβολίζουν τη Γη, τον Ουρανό και την Ανθρωπότητα.
✰ ✰ ✰
23Το φιλί, Γκούσταβ Κλιμτ
Ο Γκούσταβ Κλιμτ επικρίθηκε συχνά επειδή ήταν γυμνός στους πίνακές του. Το Kiss έγινε αποδεκτό από τους κριτικούς καθώς συνδύασε όλες τις μορφές τέχνης. Ο πίνακας θα μπορούσε να είναι μια εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη και της αγαπημένης του, Αιμιλίας. Ο Κλιμτ ζωγράφισε αυτόν τον πίνακα υπό την επίδραση βυζαντινών ψηφιδωτών. Οι Βυζαντινοί χρησιμοποιούσαν χρυσό στους πίνακές τους. Ομοίως, ο Gustav Klimt ανακάτεψε χρυσό στα χρώματα του για να δημιουργήσει το δικό του στυλ ζωγραφικής.
✰ ✰ ✰
22The Sleeping Gypsy του Ανρί Ρουσό
Κανείς εκτός από τον ίδιο τον Ρουσό δεν θα μπορούσε να περιγράψει καλύτερα αυτήν την εικόνα. Ιδού η περιγραφή του - «μια νομάδα τσιγγάνα, που τραγουδάει τα τραγούδια της σε ένα μαντολίνο, κοιμάται στο έδαφος από την κούραση, δίπλα της βρίσκεται η κανάτα της με πόσιμο νερό. Ένα λιοντάρι που περνούσε ήρθε να τη μυρίσει, αλλά δεν την άγγιξε. Όλα πλημμυρίζουν από το φως του φεγγαριού, μια πολύ ποιητική ατμόσφαιρα». Αξιοσημείωτο είναι ότι ο Ανρί Ρουσό είναι αυτοδίδακτος.
✰ ✰ ✰
21Η Τελευταία Κρίση, Ιερώνυμος Μπος
Χωρίς περαιτέρω καθυστέρηση, η εικόνα είναι απλά υπέροχη. Αυτό το τρίπτυχο είναι ο μεγαλύτερος σωζόμενος πίνακας της Bosch. Η αριστερή πτέρυγα δείχνει την ιστορία του Αδάμ και της Εύας. Το κεντρικό μέρος είναι η «τελευταία κρίση» από την πλευρά του Ιησού - ποιος πρέπει να πάει στον παράδεισο και ποιος στην κόλαση. Η γη που βλέπουμε εδώ φλέγεται. Στη δεξιά πτέρυγα είναι μια αποκρουστική εικόνα της κόλασης.
✰ ✰ ✰
20
Όλοι είναι εξοικειωμένοι με τον Νάρκισσο από την ελληνική μυθολογία - έναν άνθρωπο που είχε εμμονή με την εμφάνισή του. Ο Νταλί έγραψε τη δική του ερμηνεία για τον Νάρκισσο.
Η ιστορία είναι έτσι. Ο όμορφος νεαρός Νάρκισσος έσπασε εύκολα τις καρδιές πολλών κοριτσιών. Οι θεοί επενέβησαν και, για να τον τιμωρήσουν, του έδειξαν την αντανάκλασή του στο νερό. Ο Νάρκισσος ερωτεύτηκε τον εαυτό του και τελικά πέθανε γιατί δεν μπορούσε να αγκαλιάσει τον εαυτό του. Τότε οι Θεοί μετάνιωσαν που του το έκαναν και αποφάσισαν να τον απαθανατίσουν με τη μορφή ενός άνθους ασφόδελου.
Στην αριστερή πλευρά της εικόνας είναι ο Νάρκισσος που κοιτάζει την αντανάκλασή του. Μετά από αυτό ερωτεύτηκε τον εαυτό του. Το δεξιό πλαίσιο δείχνει τα γεγονότα που εκτυλίχθηκαν μετά, συμπεριλαμβανομένου του λουλουδιού που προέκυψε - ασφόδελο.
✰ ✰ ✰
19
Η πλοκή της εικόνας βασίζεται στη βιβλική σφαγή νηπίων στη Βηθλεέμ. Αφού έγινε γνωστό από τους Μάγους για τη γέννηση του Χριστού, ο βασιλιάς Ηρώδης διέταξε να σκοτωθούν όλα τα μικρά αρσενικά παιδιά και τα μωρά στη Βηθλεέμ. Στην εικόνα, η σφαγή κορυφώνεται, τα τελευταία παιδιά, που αφαιρέθηκαν από τις μητέρες τους, περιμένουν τον ανελέητο θάνατό τους. Ορατά είναι επίσης τα πτώματα των παιδιών, για τα οποία όλα είναι ήδη πίσω.
Μέσω της χρήσης του πλούσιου χρωματιστά, ο πίνακας του Ρούμπενς έγινε παγκοσμίως γνωστό αριστούργημα.
✰ ✰ ✰
18
Η δουλειά του Pollock είναι πολύ διαφορετική από άλλους καλλιτέχνες. Τοποθέτησε τον καμβά του στο έδαφος και κινήθηκε γύρω από τον καμβά και περπάτησε πάνω του, στάζοντας μπογιά πάνω από τον καμβά με ραβδιά, πινέλα και σύριγγες. Χάρη σε αυτή τη μοναδική τεχνική στους καλλιτεχνικούς κύκλους, του δόθηκε το παρατσούκλι «Jack the Sprayer». Για κάποιο διάστημα αυτός ο πίνακας κρατούσε τον τίτλο του πιο ακριβού πίνακα στον κόσμο.
✰ ✰ ✰
17
Επίσης γνωστό ως Dancing at Le Moulin de la Galette. Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους πίνακες του Renoir. Η ιδέα της εικόνας είναι να δείξει στο κοινό τη διασκεδαστική πλευρά της παριζιάνικης ζωής. Μετά από μια πιο προσεκτική εξέταση του πίνακα, μπορείτε να δείτε ότι ο Ρενουάρ έβαλε αρκετούς από τους φίλους του στον καμβά. Δεδομένου ότι η εικόνα φαίνεται ελαφρώς θολή, επικρίθηκε αρχικά από τους συγχρόνους του Renoir.
✰ ✰ ✰
16
Η πλοκή είναι παρμένη από τη Βίβλο. Ο πίνακας «Ο Μυστικός Δείπνος» απεικονίζει τον τελευταίο δείπνο του Χριστού πριν τη σύλληψή του. Μόλις μίλησε στους αποστόλους του και τους είπε ότι ένας από αυτούς θα τον πρόδιδε. Όλοι οι απόστολοι στεναχωριούνται και του λένε ότι σίγουρα δεν είναι αυτοί. Ήταν αυτή η στιγμή που ο Ντα Βίντσι απεικόνισε όμορφα χάρη στη ζωντανή εικόνα του. Ο μεγάλος Λεονάρντο χρειάστηκε τέσσερα χρόνια για να ολοκληρώσει αυτόν τον πίνακα.
✰ ✰ ✰
15
Τα «νούφαρα» του Μονέ βρίσκονται παντού. Πιθανότατα τα έχετε δει σε ταπετσαρίες, αφίσες και εξώφυλλα περιοδικών τέχνης. Το γεγονός είναι ότι ο Μονέ είχε εμμονή με τα κρίνα. Πριν αρχίσει να τα ζωγραφίζει, μεγάλωσε αμέτρητους αριθμούς από αυτά τα λουλούδια. Ο Μονέ έχτισε μια γέφυρα μέσα ιαπωνικό στυλστον κήπο του πάνω από μια λιμνούλα με κρίνα. Ήταν τόσο ευχαριστημένος με αυτό που έκανε, που ζωγράφισε αυτή την πλοκή δεκαεπτά φορές μέσα σε ένα χρόνο.
✰ ✰ ✰
14
Υπάρχει κάτι δυσοίωνο και μυστηριώδες σε αυτή την εικόνα, υπάρχει μια αύρα φόβου γύρω της. Μόνο ένας δάσκαλος όπως ο Μουνκ μπόρεσε να απεικονίσει τον φόβο στο χαρτί. Ο Munch έκανε τέσσερις εκδοχές του The Scream σε λάδια και παστέλ. Σύμφωνα με τις καταχωρήσεις στο ημερολόγιο του Munch, είναι αρκετά ξεκάθαρο ότι ο ίδιος πίστευε στον θάνατο και τα πνεύματα. Στον πίνακα «Η Κραυγή» απεικόνισε τον εαυτό του τη στιγμή που μια μέρα, περπατώντας με φίλους, ένιωσε φόβο και ενθουσιασμό, που ήθελε να ζωγραφίσει.
✰ ✰ ✰
13
Ο πίνακας, που συνήθως αναφέρεται ως σύμβολο της μητρότητας, δεν έπρεπε να είναι. Λέγεται ότι το μοντέλο του Whistler, που υποτίθεται ότι θα ποζάρει για τον πίνακα, δεν ήρθε και αποφάσισε να ζωγραφίσει τη μητέρα του. Μπορούμε να πούμε ότι αυτό απεικονίζει τη θλιβερή ζωή της μητέρας του καλλιτέχνη. Αυτή η διάθεση οφείλεται στα σκούρα χρώματα που χρησιμοποιούνται σε αυτόν τον πίνακα.
✰ ✰ ✰
12
Ο Πικάσο συνάντησε τη Ντόρα Μάαρ στο Παρίσι. Λέγεται ότι ήταν πνευματικά πιο κοντά στον Πικάσο από όλες τις προηγούμενες ερωμένες του. Χρησιμοποιώντας τον κυβισμό, ο Πικάσο ήταν σε θέση να μεταφέρει κίνηση στο έργο του. Φαίνεται ότι το πρόσωπο της Μάαρ στρέφεται προς τα δεξιά, προς το πρόσωπο του Πικάσο. Ο καλλιτέχνης έκανε την παρουσία μιας γυναίκας σχεδόν πραγματική. Ίσως ήθελε να νιώθει ότι ήταν εκεί, πάντα.
✰ ✰ ✰
11
Ο Βαν Γκογκ έγραψε το Starry Night ενώ υποβαλλόταν σε θεραπεία, όπου του επέτρεπαν να ζωγραφίζει μόνο όταν η κατάστασή του βελτιωνόταν. Νωρίτερα την ίδια χρονιά έκοψε τον αριστερό του λοβό του αυτιού. Πολλοί θεωρούσαν τον καλλιτέχνη τρελό. Από ολόκληρη τη συλλογή των έργων του Βαν Γκογκ, η Έναστρη Νύχτα είναι πιο γνωστή, ίσως λόγω του ασυνήθιστου σφαιρικού φωτός γύρω από τα αστέρια.
✰ ✰ ✰
10
Σε αυτόν τον πίνακα, ο Μανέ αναδημιουργούσε την «Αφροδίτη του Ουρμπίνο» του Τιτσιάν. Ο καλλιτέχνης ήταν διαβόητος για την απεικόνιση των ιερόδουλων. Αν και οι κύριοι εκείνη την εποχή επισκέπτονταν αρκετά συχνά τις εταίρες, δεν πίστευαν ότι θα το έπαιρνε κανείς στο κεφάλι τους για να τις ζωγραφίσει. Τότε ήταν προτιμότερο για τους καλλιτέχνες να ζωγραφίζουν εικόνες με ιστορικά, μυθικά ή βιβλικά θέματα. Ωστόσο, ο Manet, σε αντίθεση με την κριτική, έδειξε στο κοινό τη σύγχρονη τους.
✰ ✰ ✰
9
Αυτός ο πίνακας είναι ένας ιστορικός καμβάς που απεικονίζει την κατάκτηση της Ισπανίας από τον Ναπολέοντα.
Έχοντας λάβει παραγγελία για πίνακες που απεικονίζουν τον αγώνα του λαού της Ισπανίας με τον Ναπολέοντα, ο καλλιτέχνης δεν ζωγράφισε ηρωικούς και αξιολύπητους καμβάδες. Επέλεξε τη στιγμή της εκτέλεσης των Ισπανών επαναστατών από Γάλλους στρατιώτες. Καθένας από τους Ισπανούς βιώνει αυτή τη στιγμή με τον δικό του τρόπο, κάποιος έχει ήδη παραιτηθεί, αλλά για κάποιον η κύρια μάχη μόλις ήρθε. Πόλεμος, αίμα και θάνατος, αυτό απεικόνισε στην πραγματικότητα ο Γκόγια.
✰ ✰ ✰
8
Το κορίτσι που απεικονίζεται πιστεύεται ότι είναι η μεγαλύτερη κόρη του Βερμέερ, η Μαρία. Τα χαρακτηριστικά της υπάρχουν σε πολλά έργα του, αλλά είναι δύσκολο να τα συγκρίνεις. Ο Τρέισι Σεβαλιέ έγραψε ένα ομότιτλο βιβλίο. Αλλά η εκδοχή της Tracy για το ποιος απεικονίζεται σε αυτή την εικόνα είναι εντελώς διαφορετική. Ισχυρίζεται ότι πήρε αυτό το θέμα, επειδή υπάρχουν πολύ λίγες πληροφορίες για τον Βερμέερ και τους πίνακές του, και συγκεκριμένα από αυτή την εικόνα υπάρχει μια μυστηριώδης ατμόσφαιρα. Αργότερα, γυρίστηκε μια ταινία βασισμένη στο μυθιστόρημά της.
✰ ✰ ✰
7
Ο ακριβής τίτλος του πίνακα είναι «Ομιλία της Τυφεκιοφόρας Εταιρείας του Λοχαγού Φρανς Μπάνινγκ Κοκ και του υπολοχαγού Βίλεμ βαν Ρούτενμπουργκ». Εκτός από τις πολιτοφυλακές, ο Ρέμπραντ πρόσθεσε και αρκετές επιπλέον άτομα... Δεδομένου ότι αγόρασε ένα ακριβό σπίτι την εποχή αυτού του πίνακα, μπορεί να είναι αλήθεια ότι έλαβε τεράστια δικαιώματα για το The Night Watch.
✰ ✰ ✰
6
Αν και ο πίνακας παρουσιάζει μια εικόνα του ίδιου του Velazquez, δεν είναι αυτοπροσωπογραφία. Ο κύριος χαρακτήρας του καμβά είναι η Ινφάντα Μαργαρίτα, κόρη του βασιλιά Φιλίππου Δ'. Αυτό δείχνει τη στιγμή που ο Velazquez, δουλεύοντας το πορτρέτο του βασιλιά και της βασίλισσας, αναγκάζεται να σταματήσει και να κοιτάξει την Infanta Margarita, η οποία μόλις μπήκε στο δωμάτιο με τη συνοδεία της. Η εικόνα φαίνεται σχεδόν ζωντανή, προκαλώντας την περιέργεια στο κοινό.
✰ ✰ ✰
5
Αυτός είναι ο μόνος πίνακας του Μπρέγκελ που ζωγραφίστηκε με λάδι και όχι με τέμπερα. Υπάρχουν ακόμη αμφιβολίες για την αυθεντικότητα του πίνακα, κυρίως για δύο λόγους. Πρώτον, δεν ζωγράφιζε με λάδια και δεύτερον, πρόσφατες μελέτες έδειξαν ότι κάτω από το στρώμα της ζωγραφικής υπάρχει ένα σχηματικό σχέδιο κακής ποιότητας, το οποίο δεν ανήκει στον Bruegel.
Ο πίνακας απεικονίζει την ιστορία του Ίκαρου και τη στιγμή της πτώσης του. Σύμφωνα με τον μύθο, τα φτερά του Ίκαρου ήταν κολλημένα με κερί και καθώς ο Ίκαρος ανέβαινε πολύ κοντά στον ήλιο, το κερί έλιωσε και έπεσε στο νερό. Αυτό το τοπίο ενέπνευσε τον Whisten Hugh Auden να γράψει το πιο διάσημο ποίημά του για το ίδιο θέμα.
✰ ✰ ✰
4
Η Σχολή της Αθήνας είναι ίσως η πιο διάσημη τοιχογραφία του Ιταλού ζωγράφου της Αναγέννησης Ραφαήλ.
Όλοι οι μεγάλοι μαθηματικοί, φιλόσοφοι και επιστήμονες έχουν συγκεντρωθεί κάτω από μια στέγη σε αυτή την τοιχογραφία στο σχολείο της Αθήνας, μοιράζονται τις θεωρίες τους και μαθαίνουν ο ένας από τον άλλο. Όλοι οι ήρωες ζούσαν μέσα διαφορετική ώρααλλά ο Ραφαέλ τους έβαλε όλους στο ίδιο δωμάτιο. Μερικές από τις μορφές είναι ο Αριστοτέλης, ο Πλάτωνας, ο Πυθαγόρας και ο Πτολεμαίος. Μετά από προσεκτικότερη εξέταση, είναι σαφές ότι υπάρχει σε αυτή την εικόνα και μια αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Ραφαήλ. Κάθε καλλιτέχνης θα ήθελε να αφήσει το στίγμα του, η μόνη διαφορά είναι στη φόρμα. Αν και ίσως θεωρούσε τον εαυτό του μια από αυτές τις μεγάλες μορφές;
✰ ✰ ✰
3
Ο Μιχαήλ Άγγελος δεν θεωρούσε ποτέ τον εαυτό του καλλιτέχνη, πάντα θεωρούσε τον εαυτό του περισσότερο ως γλύπτη. Όμως, κατάφερε να δημιουργήσει μια καταπληκτική εξαίσια τοιχογραφία, μπροστά στην οποία όλος ο κόσμος είναι δέος. Αυτό το αριστούργημα βρίσκεται στο ταβάνι Καπέλα Σιξτίναστο Βατικανό. Στον Μιχαήλ Άγγελο ανατέθηκε να ζωγραφίσει αρκετές βιβλικές ιστορίες, μία από τις οποίες είναι η δημιουργία του Αδάμ. Σε αυτήν την εικόνα, ο γλύπτης στο Μιχαήλ Άγγελο είναι μόλις ορατός. Το ανθρώπινο σώμα του Adam αποδίδεται με απίστευτη πιστότητα μέσα από τα ζωντανά χρώματα και το ακριβές μυϊκό σχήμα. Άρα μπορεί κανείς να συμφωνήσει με τον συγγραφέα, άλλωστε είναι περισσότερο γλύπτης.
✰ ✰ ✰
2Μόνα Λίζα του Λεονάρντο ντα Βίντσι
Αν και είναι ο πιο μελετημένος πίνακας, η «Μόνα Λίζα» εξακολουθεί να είναι ο πιο μυστηριώδης. Ο Λεονάρντο είπε ότι δεν σταμάτησε ποτέ να εργάζεται σε αυτό. Μόνο ο θάνατός του λέγεται ότι ολοκλήρωσε το έργο στον καμβά. Η «Μόνα Λίζα» είναι το πρώτο ιταλικό πορτρέτο στο οποίο το μοντέλο φαίνεται μέχρι τη μέση. Το δέρμα της Μόνα Λίζα φαίνεται να λάμπει λόγω της χρήσης πολλών στρωμάτων διαφανών ελαίων. Ως επιστήμονας, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι εφάρμοσε όλες τις γνώσεις του για να κάνει την εικόνα της Λα Τζοκόντα ρεαλιστική. Όσο για το ποιος ακριβώς απεικονίζεται στην εικόνα, παραμένει μυστήριο.
✰ ✰ ✰
1
Ο πίνακας απεικονίζει την Αφροδίτη, τη θεά του έρωτα, να επιπλέει σε ένα κοχύλι στον άνεμο που φυσούσε ο Ζέφυρος, ο θεός του δυτικού ανέμου. Στην ακτή τη συναντά η Όρα, η θεά των εποχών, είναι έτοιμη να ντύσει μια νεογέννητη θεότητα. Η Simonetta Cattaneo de Vespucci θεωρείται το μοντέλο της Αφροδίτης. Η Simonetta Cattaneo πέθανε στα 22 της και ο Botticelli ήθελε να τον ταφούν δίπλα της. Με τον ανεκπλήρωτο έρωτά της τον έδεσε. Αυτός ο πίνακας είναι το πιο εξαίσιο έργο τέχνης που δημιουργήθηκε ποτέ.
✰ ✰ ✰
συμπέρασμα
Αυτό ήταν το άρθρο TOP 25 πιο διάσημοι πίνακες στον κόσμο... Ευχαριστώ για την προσοχή!
Εξετάζοντας τους ασυνήθιστα όμορφους μνημειώδεις καμβάδες, ο θεατής καταλαβαίνει ότι σε οποιοδήποτε έργο ενός μεγάλου καλλιτέχνη υπάρχει ένα μυστικό ζωής, τραγικές ιστορίες και βαθιά συναισθήματα. Μόνο βυθίζοντας τον εαυτό σας και αγγίζοντας ένα μικρό επεισόδιο ενός ταλαντούχου ανθρώπου μπορείτε να προσπαθήσετε να προβλέψετε μια εποχή που είναι πολύ στο παρελθόν. Ποιοι είναι αυτοί οι Ρώσοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής και τι γνωρίζει ένας σύγχρονος άνθρωπος για αυτούς;
10 Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ (1856 - 1910)
Το πρόσωπο του μυστηριώδους πλάσματος που ονειρευόταν τη νύχτα έγινε προφητικό. Η Μιχάλη είχε εμμονή και ήθελε να τελειώσει το πορτρέτο όσο πιο γρήγορα γινόταν. Αυτή τη στιγμή, ο νεαρός συναντά τη Nadezhda Zabela, η οποία γίνεται σύζυγός του. Ένας γεννημένος γιος με χείλος λαγού ήταν σημάδι για τον Vrubel. Ο καλλιτέχνης σταματά να παρατηρεί τους πάντες και εργάζεται σκληρά στο The Demon. Τραγικά γεγονότα ξέσπασαν νευρικό σύστημαο πλοίαρχος και τοποθετήθηκε σε ψυχιατρείο. Άρα η διευκρίνιση συνυπήρχε με την παραφροσύνη και η εξομολόγηση με την κατάρα.
9 Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837 - 1887)
Ο διάσημος πίνακας «Ο Ξένος» αποδόθηκε σε πολλές γυναίκες εκείνης της εποχής. Στην Άννα Καρένινα, την αυτοκράτειρα Μαρία Φεοντόροβνα, την αγρότισσα Matryona Savvishna. Αλλά το τελικό πρωτότυπο δεν ορίστηκε ποτέ. Το έργο "Γοργόνα", που απέκτησε ο Τρετιακόφ, ήταν μυστικιστικής φύσης. Το βράδυ, από το δωμάτιο που κρεμόταν ο καμβάς, φύσηξε ένα κρύο, ακούστηκαν κάποιοι ήχοι. Ένα άτομο, έχοντας επισκεφτεί την εικόνα, ένιωσε κουρασμένο, υπνηλία. Το περίφημο αριστούργημα χώθηκε σε μια σκοτεινή γωνιά και τα παράπονα σταμάτησαν.
8 Alexey Kondratyevich Savrasov (1830 - 1897)
Ακόμη και ως παιδί, ο Alexey αγαπούσε να δημιουργεί μικρά σκίτσα, τα οποία αγόρασαν με ευχαρίστηση οι ντόπιοι. Ο νεαρός επρόκειτο να μπει σε σχολή τέχνης, αλλά λόγω του θανάτου της μητέρας του, οι σπουδές του έπρεπε να αναβληθούν. Ο πατέρας δεν ενέκρινε τα μαθήματα σχεδίου και έστειλε τον γιο του να ζήσει στη σοφίτα, όπου ο αέρας φυσούσε από όλες τις ρωγμές. Ο αρχηγός της αστυνομίας έσωσε το νεαρό ταλέντο. Στα 24, ο Savrasov έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού. Τον αποκαλούν «ο καλλιτέχνης μιας φωτογραφίας». Το έργο "The Rooks Have Arrived" λέει για απεριόριστη αγάπηστην πατρίδα.
7 Ilya Efimovich Repin (1844 - 1930)
Οι καμβάδες του καλλιτέχνη είναι ένας πραγματικός ξεχωριστός κόσμος, που λέει για την εμπειρία, τον πόνο, τη χαρά και τη συμπόνια. Ο σύγχρονος θεατής, κοιτάζοντας τους πίνακες του πλοιάρχου, αρχίζει να σκέφτεται την ειλικρίνεια και την καλοσύνη, που τόσο λείπει από τη ζωή. Το έργο "Ivan the Terrible and Son" επηρέασε την υγεία του καλλιτέχνη. Κάποιοι το είδαν ως κατάρα για ψευδή γεγονότα. Το δεξί του χέρι σταμάτησε να λειτουργεί και στη συνέχεια έγραφε με το αριστερό. "Μεταφορείς φορτηγίδων στον Βόλγα", "Δεν περίμεναν", "Κοζάκοι" και πολλοί άλλοι πίνακες - μια υπέροχη κληρονομιά στους απογόνους.
6 Karl Pavlovich Bryullov (1799 - 1852)
Ο Καρλ αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών με χρυσό μετάλλιο και του απονεμήθηκε ένα ταξίδι στη Ρώμη ως ανταμοιβή για τη σκληρή δουλειά του. Μετά το ταξίδι, ο καλλιτέχνης αρχίζει να εργάζεται στον διάσημο πίνακα Ο θάνατος της Πομπηίας. Οι πίνακες του Bryullov είναι πολύ δημοφιλείς. Δάσκαλος φορτωμένος με δουλειά, ζωγραφίζει πορτρέτα ΔΙΑΣΗΜΟΙ Ανθρωποι, ζωγραφίζει εκκλησίες. Οι καμβάδες του θα παραμείνουν για πάντα ιδιοκτησία των ανθρώπων - «Η Ιππέας», «Ιταλικό πρωινό» και άλλα.
5 Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848 - 1926)
Ο μεγάλος Ρώσος ζωγράφος αποκαλούνταν «πραγματικός ήρωας». Γεννημένος σε οικογένεια ιερέα, το μέλλον του ήταν προβλέψιμο. Στο θεολογικό σεμινάριο ο νεαρός λατρεύει το σχέδιο και στο τελευταίο έτος αποφασίζει να κάνει δραστικές αλλαγές. Έχοντας περάσει επιτυχώς τις εξετάσεις, ο Βίκτορ, από ένα παράλογο ατύχημα, διστάζει να ακούσει την ετυμηγορία και φεύγει για να επιστρέψει σε ένα χρόνο και να δοκιμάσει τις δυνάμεις του. Όταν ο ανασφαλής Vasnetsov επιστρέφει στην Ακαδημία για μια δεύτερη δοκιμασία, ο μελλοντικός καλλιτέχνης μαθαίνει ότι υπήρξε μαθητής του διάσημου εκπαιδευτικό ίδρυμα... Οι πίνακες του πλοιάρχου είναι γνωστοί σε όλους - "Alyonushka", "Heroes", "Ivan Tsarevich on the Gray Wolf" και άλλοι.
4 Vasily Ivanovich Surikov (1848 - 1916)
Ένας κληρονομικός Κοζάκος ονομαζόταν "συνθέτης" μεταξύ φίλων για την ικανότητά του να χτίζει μια σύνθεση και να επιλέγει ένα πλούσιο χρώμα. Ο Βασίλης αποφοίτησε από την Ακαδημία με χρυσό μετάλλιο. Αμέσως μετά τις σπουδές του, ο καλλιτέχνης άρχισε να ζωγραφίζει το πρωί της εκτέλεσης του Streltsy. Δημιούργησε μια πραγματική αίσθηση και ο Tretyakov το αγόρασε ακριβώς στην έκθεση. Οι επόμενοι καμβάδες - "Menshikov in Berezovo" και "Boyarynya Morozova" μετακόμισαν επίσης στην έπαυλη στον Tretyakov. Ο κύριος έβλεπε τέλεια το παρελθόν, σαν να ήταν μέσα του. Τα ιστορικά αριστουργήματα εξακολουθούν να αιχμαλωτίζουν τον θεατή - "Η κατάκτηση της Σιβηρίας από τον Ermak", "Suvorov's Crossing the Alps" "και άλλα.
3 Valentin Alexandrovich Serov (1865 - 1911)
Το καλλιτεχνικό ταλέντο εκδηλώθηκε ήδη στην παιδική ηλικία. Το αγόρι σχεδίαζε συνεχώς. Οι δάσκαλοι παραπονέθηκαν για την έλλειψη συναρμολόγησης, του πήραν σημειωματάρια με σχέδια, τα έβαλαν σε μια γωνία. Αλλά το πορτρέτο του δασκάλου του γυμνασίου έφερε αναγνώριση. Οι μεγάλοι έμειναν έκπληκτοι με την ικανότητα, αντάλλαξαν θυμό με θαυμασμό. Ένας σοβαρός και σκόπιμος νεαρός ζωγράφισε πορτρέτα και ενσάρκωσε την ψυχή σε αυτά. «Κορίτσι με ροδάκινα», «Πορτρέτο της πριγκίπισσας Όλγας», «Πορτρέτο του αυτοκράτορα Νικολάου» και πολλά άλλα έργα είναι η κληρονομιά του μεγάλου προσωπογράφου.
2 Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817 - 1900)
Θαλασσινά τοπία έκαναν διάσημο τον ταλαντούχο καλλιτέχνη. Αρμένιος από τη γέννησή του, στην καρδιά του ήταν πραγματικός Ρώσος. Πολλοί αναρωτιούνται γιατί η θάλασσα ήταν το κύριο θέμα των πινάκων; Ίσως πρόκειται για παιδικές αναμνήσεις, όπου η επαφή με το μεγαλείο της επιφάνειας του νερού έγινε η πιο φωτεινή έμπνευση. Εκτός από το σχέδιο, ο Ιβάν έπαιζε τέλεια το βιολί και τα ταταρικά μοτίβα που άκουσε η Γκλίνκα διατηρήθηκαν από τον συνθέτη στην όπερα Ruslan και Lyudmila. Ας θυμηθούμε τους πιο διάσημους πίνακες - "Το ένατο κύμα", "Μαύρη θάλασσα", "Η μάχη της Τσετσενίας", "Χάος στο Βατικανό".
1 Ιβάν Ιβάνοβιτς Σίσκιν (1832 - 1898)
Ο διάσημος Ρώσος τοπιογράφος καταγόταν από οικογένεια εμπόρων και δεν αντιμετώπισε δυσκολίες στον υλικό τομέα. Η δόξα του ήρθε αρκετά νωρίς. Όταν ο Ιβάν αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών, το επώνυμό του ήταν γνωστό στο εξωτερικό. Η προσωπική ζωή ήταν ατυχής. Ο πρώτος γάμος έληξε τραγικά. Η γυναίκα πέθανε και μετά ο μικρός γιος. Αλλά και ο δεύτερος γάμος έφερε κακουχίες. Η γυναίκα του πέθανε, αφήνοντας στον καλλιτέχνη δύο κόρες. Ο πλοίαρχος πέθανε στη δουλειά σε ηλικία 66 ετών. Η κληρονομιά έλαβε το δώρο σπουδαίων δημιουργιών - "Morning in a Pine Forest", "Rye", "Pine Forest", "In the Wild North" και άλλους καμβάδες.
Η μοίρα των ταλαντούχων καλλιτεχνών, των οποίων οι καμβάδες είναι γνωστοί σε όλο τον κόσμο, έχουν εξελιχθεί με διαφορετικούς τρόπους. Όλοι τους όμως, φυσικά, κατάφεραν ένα μεγάλο κατόρθωμα στη ζωή τους, αφήνοντας τα δικά τους οράματα για ένα φυσικό φαινόμενο, ένα ιστορικό γεγονός, μια ανθρώπινη εικόνα στους πίνακες. Ας θεωρηθούν μερικοί από αυτούς όχι αρκετά σωστές και τέλεια προσωπικότητα. Ωστόσο, η συμβολή των δασκάλων είναι ασύγκριτη με τις ανόητες δηλώσεις.
Δημοσίευση: 26 Μαρτίου 2018Αυτή η λίστα με διάσημους τοπιογράφους συντάχθηκε από τον εκδότη μας Neil Collins, M.A. και B.L. Καταθέτει την προσωπική του άποψη για τους δέκα καλύτερους εκπροσώπους της τέχνης του είδους. Όπως κάθε τέτοια συλλογή, αποκαλύπτει περισσότερο τα προσωπικά γούστα του μεταγλωττιστή παρά τη θέση των τοπιογράφων. Οι δέκα κορυφαίοι λοιπόν τοπιογράφοι και τα τοπία τους.
# 10 Thomas Cole (1801-1848) και Frederick Edwin Church (1826-1900)
Στη δέκατη θέση βρίσκονται δύο Αμερικανοί καλλιτέχνες.
Thomas Cole: Ο μεγαλύτερος Αμερικανός τοπιογράφος των αρχών του 19ου αιώνα και ιδρυτής της Hudson River School, ο Thomas Cole γεννήθηκε στην Αγγλία ως μαθητευόμενος χαράκτης πριν μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1818, όπου κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση ως τοπιογράφος από εγκαταστάθηκαν στο χωριό Catskill στην κοιλάδα Hudson. Ως θαυμαστής του Claude Lorraine και του Turner, επισκέφτηκε την Αγγλία και την Ιταλία το 1829-1832, μετά την οποία (εν μέρει χάρη στην υποστήριξη που έλαβε από τον John Martin και τον Turner), εστίασε λιγότερο στην απεικόνιση φυσικών τοπίων και περισσότερο σε μεγαλεπήβολα αλληγορικά και ιστορικά θέματα.... Εντυπωσιασμένος σε μεγάλο βαθμό από τη φυσική ομορφιά του αμερικανικού τοπίου, ο Κόουλ διαπότισε μεγάλο μέρος της τέχνης του τοπίου με μεγάλη αίσθηση και εμφανή ρομαντική λαμπρότητα.
Διάσημα τοπία του Thomas Cole:
- "View of the Catskill - Early Autumn" (1837), λάδι σε καμβά, Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη
- "American Lake" (1844), λάδι σε καμβά, Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ
Εκκλησία Frederick Edwin
Εκκλησία Frederick EdwinΟ μαθητής του Κόουλ, ο Τσερτς, μπορεί να ξεπέρασε τον δάσκαλό του σε μνημειώδη ρομαντικά πανοράματα, καθένα από τα οποία μετέφερε κάποιο είδος πνευματικότητας της φύσης. Η Εκκλησία έχει ζωγραφίσει εντυπωσιακά φυσικά τοπία σε όλη την αμερικανική ήπειρο από το Λαμπραντόρ έως τις Άνδεις.
Διάσημα τοπία από την Frederick Church:
- «Niagara Falls» (1857), Corcoran, Ουάσιγκτον
- «Heart of the Andes» (1859), Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη
- «Cotopaxi» (1862), Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ
Νο. 9 Κάσπαρ Ντέιβιντ Φρίντριχ (1774-1840)
Στοχαστικός, μελαγχολικός και κάπως απομονωμένος, ο Caspar David Friedrich είναι ο μεγαλύτερος τοπιογράφος στη ρομαντική παράδοση. Γεννημένος κοντά στη Βαλτική Θάλασσα, εγκαταστάθηκε στη Δρέσδη, όπου εστίασε αποκλειστικά στις πνευματικές συνδέσεις και το νόημα του τοπίου, εμπνευσμένο από τη σιωπηλή σιωπή του δάσους, καθώς και από το φως (ανατολή, ηλιοβασίλεμα, φως του φεγγαριού) και τις εποχές. Η ιδιοφυΐα του ήταν η ικανότητα να αποτυπώνει μια άγνωστη ακόμα πνευματική διάσταση στη φύση, που δίνει στο τοπίο μια συναισθηματικότητα, χωρίς τίποτα και ποτέ ασύγκριτο μυστικισμό.
Διάσημα τοπία του Caspar David Friedrich:
- «Winter Landscape» (1811), λάδι σε καμβά, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
- "Τοπίο στο Riesengebirge" (1830), λάδι σε καμβά, Μουσείο Πούσκιν, Μόσχα
- "Άνδρας και γυναίκα που κοιτάζουν το φεγγάρι" (1830-1835), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη, Βερολίνο
# 8 Άλφρεντ Σίσλεϋ (1839-1899)
Συχνά αναφέρεται ως ο «Ξεχασμένος Ιμπρεσιονιστής», ο Αγγλο-Γάλλος Άλφρεντ Σίσλεϋ ήταν δεύτερος μόνο μετά τον Μονέ στην αφοσίωσή του στον αυθόρμητο απλό αέρα: ήταν ο μόνος ιμπρεσιονιστής αφοσιωμένος αποκλειστικά στη ζωγραφική τοπίου. Η σοβαρά υποτιμημένη φήμη του βασίζεται στην ικανότητά του να αποτυπώνει τα μοναδικά εφέ του φωτός και των εποχών σε εκτεταμένα τοπία, σκηνές θάλασσας και ποταμών. Η απεικόνισή του για την αυγή και μια ασαφή μέρα είναι ιδιαίτερα αξιομνημόνευτη. Στις μέρες μας, δεν είναι πολύ δημοφιλής, αλλά εξακολουθεί να θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους της ιμπρεσιονιστικής ζωγραφικής τοπίου. Θα μπορούσε κάλλιστα να είχε υπερεκτιμηθεί γιατί, σε αντίθεση με τον Μονέ, το έργο του δεν υπέφερε ποτέ από έλλειψη φόρμας.
Διάσημα τοπία από τον Άλφρεντ Σίσλεϋ:
- "Misty Morning" (1874), λάδι σε καμβά, Musée d'Orsay
- "Snow in Louveciennes" (1878), λάδι σε καμβά, Musée d'Orsay, Παρίσι
- "Morette Bridge in the Rays of the Sun" (1892), λάδι σε καμβά, ιδιωτική συλλογή
# 7 Albert Kuyp (1620-1691)
Ο Ολλανδός ρεαλιστής ζωγράφος, Albert Kuip είναι ένας από τους πιο διάσημους Ολλανδούς τοπιογράφους. Η υπέροχη γραφική θέα, τα ποτάμια και τα τοπία με ήρεμα βοοειδή, δείχνουν μια μαγευτική γαλήνη και αριστοτεχνικό χειρισμό του έντονου φωτός (πρωί ή απογευματινός ήλιος) σε ιταλικό στυλ είναι σημάδι της μεγάλης επιρροής του Klodeev. Αυτό το χρυσό φως συχνά πιάνει μόνο τις πλευρές και τις άκρες φυτών, νεφών ή ζώων μέσω εφέ φωτισμού impasto. Έτσι, ο Kuijp μεταμόρφωσε τη γενέτειρά του Ντόρντρεχτ σε έναν φανταστικό κόσμο, αντανακλώντας τον στην αρχή ή το τέλος μιας ιδανικής ημέρας, με μια συνολική αίσθηση ακινησίας και ασφάλειας και αρμονίας των πάντων με τη φύση. Δημοφιλές στην Ολλανδία, είχε μεγάλη εκτίμηση και συγκεντρώθηκε στην Αγγλία.
Διάσημα τοπία του Albert Kuyp:
- "View of Dordrecht from the North" (1650), λάδι σε καμβά, συλλογή του Anthony de Rothschild
- "River Landscape with a Horseman and Peasants" (1658), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
# 6 Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)
Ο Jean-Baptiste Corot, ένας από τους μεγαλύτερους τοπιογράφους του ρομαντικού στυλ, φημίζεται για τις αξέχαστες γραφικές απεικονίσεις της φύσης. Η ιδιαίτερα λεπτή προσέγγισή του στην απόσταση, το φως και τη φόρμα εξαρτιόταν από τον τόνο και όχι από τη ζωγραφική και το χρώμα, δίνοντας στην τελική σύνθεση μια ατμόσφαιρα ατελείωτου ρομαντισμού. Λιγότερο περιορισμένα από την εικαστική θεωρία, τα έργα του Korot συγκαταλέγονται ωστόσο στα πιο δημοφιλή τοπία στον κόσμο. Ως μόνιμο μέλος του Paris Salon από το 1827 και μέλος της Σχολής Barbizon με επικεφαλής τον Theodore Rousseau (1812-1867), άσκησε τεράστια επιρροή σε άλλους ζωγράφους όπως ο Charles-François Doubigny (1817-1878), ο Camille. Pissarro (1830-1903) και Alfred Sisley (1839-1899). Ήταν επίσης ένας ασυνήθιστα γενναιόδωρος άνθρωπος που ξόδευε το μεγαλύτερο μέρος των χρημάτων του σε καλλιτέχνες που είχαν ανάγκη.
Διάσημα τοπία του Jean-Baptiste Corot:
- «Γέφυρα στο Νάρνι» (1826), λάδι σε καμβά, Λούβρο
- "Ville d" Avrey "(περίπου 1867), λάδι σε καμβά, Μουσείο Τέχνης Μπρούκλιν, Νέα Υόρκη
- "Rural landscape" (1875), λάδι σε καμβά, Μουσείο Toulouse-Lautrec, Albi, Γαλλία
Νο. 5 Jacob van Ruisdael (1628-1682)
Το έργο του Jacob van Ruisdael, που θεωρείται πλέον ο μεγαλύτερος από όλους τους Ολλανδούς ρεαλιστές τοπιογράφους, είχε τεράστιο αντίκτυπο στη μεταγενέστερη ευρωπαϊκή τέχνη τοπίου, παρά το γεγονός ότι ήταν λιγότερο δημοφιλής από τους καλλιτέχνες κατά τη διάρκεια της ζωής του. ιταλικό στυλ... Τα θέματά του περιελάμβαναν ανεμόμυλους, ποτάμια, δάση, χωράφια, παραλίες και θαλασσινά τοπία, απεικονισμένα με ένα ασυνήθιστα συναρπαστικό συναίσθημα, χρησιμοποιώντας έντονα σχήματα, πυκνά χρώματα και ενεργητικές χοντρές πινελιές, αντί της συνηθισμένης εστίασης στον τόνο. Ο Jacob, μαθητής του θείου του Salomon van Ruisdael, δίδαξε με τη σειρά του τον περίφημο Meindert Hobbem (1638-1709) και θαύμαζε πολύ τους Άγγλους δασκάλους όπως ο Thomas Gainsborough και ο John Constable, καθώς και μέλη της Σχολής Barbizon.
Διάσημα τοπία του Jacob van Ruisdael:
- «Τοπίο με βοσκούς και αγρότες» (1665), λάδι σε καμβά, Γκαλερί Ουφίτσι
- «Mill in Wijk near Duarstead» (1670), λάδι σε καμβά, Rijksmuseum
- "Εβραϊκό νεκροταφείο στο Ouderkerk" (1670), Πινακοθήκη Παλαιών Δασκάλων, Δρέσδη
# 4 Claude Lorrain (1600-1682)
Γάλλος ζωγράφος, σχεδιαστής και χαράκτης που δραστηριοποιείται στη Ρώμη και θεωρείται από πολλούς κριτικούς τέχνης ως ο μεγαλύτερος ειδυλλιακός τοπιογράφος στην ιστορία της τέχνης. Δεδομένου ότι στο καθαρό (δηλαδή, κοσμικό και μη κλασικό) τοπίο, όπως στη συνηθισμένη νεκρή φύση ή ζωγραφική του είδους, υπήρχε έλλειψη ηθικής βαρύτητας (τον 17ο αιώνα στη Ρώμη), ο Claude Lorrain εισήγαγε κλασικά στοιχεία και μυθολογικά θέματα. τις συνθέσεις του, συμπεριλαμβανομένων θεών, ηρώων και αγίων. Επιπλέον, το περιβάλλον της επιλογής του, εξοχήγύρω από τη Ρώμη, ήταν πλούσια σε αρχαία ερείπια. Αυτά τα κλασικά ιταλικά ποιμενικά τοπία ήταν επίσης γεμάτα με ποιητικό φως, το οποίο αντιπροσωπεύει τη μοναδική συνεισφορά του στην τέχνη της τοπογραφίας. Ο Claude Lorraine επηρέασε ιδιαίτερα τους Άγγλους ζωγράφους, τόσο κατά τη διάρκεια της ζωής του όσο και για δύο αιώνες μετά από αυτήν: ο John Constable τον αποκάλεσε «τον καλύτερο τοπιογράφο που έχει δει ποτέ ο κόσμος».
Διάσημα τοπία του Claude Lorrain:
- "Modern Rome - Campo Vaccino" (1636), λάδι σε καμβά, Λούβρο
- «Τοπίο με τον γάμο του Ισαάκ και της Ρεβέκκας» (1648), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη
- «Τοπίο με τον Τοβία και τον άγγελο» (1663), λάδι, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη
# 3 John Constable (1776-1837)
Στέκεται δίπλα στον Turner ως ένας από τους καλύτερους Άγγλους τοπιογράφους, κυρίως για την εξαιρετική του ικανότητα να αναδημιουργεί τα χρώματα, το κλίμα και την ύπαιθρο μιας ρομαντικής αγγλικής υπαίθρου και για τον πρωτοποριακό του ρόλο στην ανάπτυξη του plein air. Σε αντίθεση με το ξεκάθαρα ερμηνευτικό στυλ του Turner, ο John Constable εστίασε στη φύση, ζωγραφίζοντας τα τοπία του Suffolk και του Hampstead που γνώριζε τόσο καλά. Ωστόσο, οι αυθόρμητες, φρέσκες συνθέσεις του ήταν συχνά σχολαστικές ανακατασκευές που οφείλονταν σε μεγάλο βαθμό στη στενή μελέτη του ολλανδικού ρεαλισμού, καθώς και στα ιταλοποιημένα έργα στο πνεύμα του Claude Lorrain. Ο διάσημος καλλιτέχνης Henry Fuseli σχολίασε κάποτε ότι οι φυσιολατρικές απεικονίσεις του Constable τον έκαναν πάντα να ζητά την προστασία τους!
Διάσημα τοπία του John Constable:
- «Building a Boat at Flatward» (1815), λάδι, Μουσείο Victoria and Albert, Λονδίνο
- «Hay Cart» (1821), λάδι σε καμβά, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
# 2 Κλοντ Μονέ (1840-1926)
Ο μεγαλύτερος σύγχρονος τοπιογράφος και γίγαντας της γαλλικής ζωγραφικής, ο Μονέ ήταν ηγετική φυσιογνωμία σε ένα απίστευτα επιδραστικό ιμπρεσιονιστικό κίνημα, στις αρχές του οποίου την αυθόρμητη ζωγραφική στον αέρα παρέμεινε πιστός για το υπόλοιπο της ζωής του. Ένας στενός φίλος των ιμπρεσιονιστών ζωγράφων Renoir και Pissarro, η επιθυμία του για οπτική αλήθεια, κυρίως στην απεικόνιση του φωτός, αντιπροσωπεύεται από μια σειρά από καμβάδες που απεικονίζουν το ίδιο αντικείμενο σε διαφορετικές συνθήκες φωτισμού και διαφορετικές ώρες της ημέρας, όπως οι θημωνιές (1888 ), «Poplars» (1891), «Rouen Cathedral» (1892) και «River Thames» (1899). Αυτή η μέθοδος κορυφώθηκε με τη διάσημη σειρά Water Lilies (μεταξύ όλων των πιο διάσημων τοπίων), που δημιουργήθηκε από το 1883 στον κήπο του στο Giverny. Η τελευταία του σειρά μνημειακών σχεδίων με νούφαρα με αστραφτερά λουλούδια έχει ερμηνευτεί από αρκετούς ιστορικούς τέχνης και ζωγράφους ως σημαντικός πρόδρομος της αφηρημένης τέχνης και από άλλους ως το υπέρτατο παράδειγμα της αναζήτησης του Μονέ για αυθόρμητο νατουραλισμό.