Η ρωσική ζωγραφική δικαίως διακρίνεται από την παγκόσμια τέχνη. Το γεγονός είναι ότι μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα, η ρωσική ζωγραφική συνδέθηκε αποκλειστικά με θρησκευτικά θέματα. Η κατάσταση άλλαξε με την άνοδο στην εξουσία του μεταρρυθμιστικού τσάρου, του Μεγάλου Πέτρου. Χάρη στις μεταρρυθμίσεις του, οι Ρώσοι δάσκαλοι άρχισαν να ασχολούνται με την κοσμική ζωγραφική και η ζωγραφική των εικόνων διαχωρίστηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση. Ο δέκατος έβδομος αιώνας είναι η εποχή τέτοιων καλλιτεχνών όπως ο Simon Ushakov και ο Joseph Vladimirov. Στη συνέχεια, η προσωπογραφία εμφανίστηκε στον κόσμο της ρωσικής τέχνης και γρήγορα έγινε δημοφιλής. Τον δέκατο όγδοο αιώνα, εμφανίστηκαν οι πρώτοι καλλιτέχνες που πέρασαν από την προσωπογραφία στη ζωγραφική τοπίου. Η έντονη συμπάθεια των καλλιτεχνών για τα χειμερινά πανοράματα είναι αισθητή. Ο δέκατος όγδοος αιώνας θυμήθηκε επίσης για την εμφάνιση της καθημερινής ζωγραφικής. Τον δέκατο ένατο αιώνα, τρία κινήματα κέρδισαν δημοτικότητα στη Ρωσία: ο ρομαντισμός, ο ρεαλισμός και ο κλασικισμός. Όπως και πριν, οι Ρώσοι καλλιτέχνες συνέχισαν να στρέφονται στο είδος του πορτρέτου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν τα παγκοσμίου φήμης πορτρέτα και αυτοπροσωπογραφίες των O. Kiprensky και V. Tropinin. Στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, οι καλλιτέχνες απεικόνιζαν όλο και περισσότερο τον απλό ρωσικό λαό στην καταπιεσμένη του κατάσταση. Ο ρεαλισμός γίνεται το κεντρικό κίνημα της ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν οι Πλανόδιοι καλλιτέχνες, οι οποίοι απεικόνιζαν μόνο την πραγματική, πραγματική ζωή. Λοιπόν, ο εικοστός αιώνας είναι, φυσικά, η πρωτοπορία. Οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής επηρέασαν σημαντικά τόσο τους οπαδούς τους στη Ρωσία όσο και σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακές τους έγιναν οι πρόδρομοι της αφηρημένης τέχνης. Η ρωσική ζωγραφική είναι ένας τεράστιος υπέροχος κόσμος ταλαντούχων καλλιτεχνών που έχουν δοξάσει τη Ρωσία με τις δημιουργίες τους.
Στις 3 Δεκεμβρίου 1961 έλαβε χώρα μια εκδήλωση ορόσημο στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης - ο πίνακας του Matisse «The Boat», που κρεμόταν ανάποδα για 46 ημέρες, κρεμάστηκε σωστά. Αξίζει να πούμε ότι αυτό δεν είναι μεμονωμένο Αστεία περίπτωσησυνδέονται με πίνακες μεγάλων καλλιτεχνών.
Ο Πάμπλο Πικάσο ζωγράφισε ένα από τα διάσημα πορτρέτα του σε λιγότερο από 5 λεπτά
Κάποτε, ένας από τους γνωστούς του Πάμπλο Πικάσο, κοιτάζοντας τα νέα του έργα, είπε ειλικρινά στον καλλιτέχνη: «Συγγνώμη, αλλά δεν μπορώ να το καταλάβω αυτό. Τέτοια πράγματα απλά δεν υπάρχουν». Στο οποίο ο Πικάσο απάντησε: «Δεν καταλαβαίνεις καν κινέζικα. Αλλά εξακολουθεί να υπάρχει». Ωστόσο, πολλοί δεν κατάλαβαν τον Πικάσο. Κάποτε πρότεινε στον Ρώσο συγγραφέα Έρενμπουργκ, το δικό του καλός φίλος, ζωγράφισε το πορτρέτο του. Συμφώνησε ευτυχώς, αλλά πριν προλάβει να καθίσει σε μια καρέκλα για να ποζάρει, ο καλλιτέχνης ανακοίνωσε ότι όλα ήταν έτοιμα.
Ο Έρενμπουργκ εξέφρασε την έκπληξή του για την ταχύτητα εκτέλεσης του έργου, επειδή δεν είχαν περάσει ούτε 5 λεπτά, στην οποία ο Πικάσο απάντησε: «Σε ξέρω 40 χρόνια. Και όλα αυτά τα 40 χρόνια μάθαινα να ζωγραφίζω πορτρέτα σε 5 λεπτά»..
Ο Ilya Repin βοήθησε να πουλήσει έναν πίνακα που δεν ζωγράφισε
Μια κυρία αγόρασε στην αγορά μόνο για 10 ρούβλια έναν εντελώς μέτριο πίνακα, στον οποίο η υπογραφή "I. Repin" καμάρωνε περήφανα. Όταν ο γνώστης της τέχνης έδειξε αυτό το έργο στον Ilya Efimovich, γέλασε και πρόσθεσε "This is not Repin" και υπέγραψε το αυτόγραφό του. Μετά από αρκετό καιρό, μια επιχειρηματίας κυρία πούλησε έναν πίνακα άγνωστου καλλιτέχνη με το αυτόγραφο του μεγάλου δασκάλου για 100 ρούβλια.
Οι αρκούδες στον διάσημο πίνακα του Shishkin ζωγραφίστηκαν από άλλο καλλιτέχνη
Υπάρχει ένας άρρητος νόμος μεταξύ των καλλιτεχνών - επαγγελματική αλληλοβοήθεια. Άλλωστε, το καθένα από αυτά δεν έχει μόνο αγαπημένες ιστορίες και δυνατά σημεία, αλλά και αδυναμίες, οπότε γιατί να μην βοηθάει ο ένας τον άλλον. Έτσι, είναι γνωστό με βεβαιότητα ότι για τον πίνακα "Pushkin on the Seashore" του Aivazovsky, η φιγούρα του μεγάλου ποιητή σχεδιάστηκε από τον Repin και για τον πίνακα του Levitan "Autumn Day. Sokolniki» τη μαυροφορεμένη κυρία ζωγράφισε ο Νικολάι Τσέχοφ. Ο τοπιογράφος Shishkin, ο οποίος μπορούσε να σχεδιάσει κάθε λεπίδα γρασιδιού στους πίνακές του, δεν πήρε αρκούδες όταν δημιούργησε τον πίνακα "Πρωί σε ένα πευκοδάσος". Γι' αυτό ο Σαβίτσκι ζωγράφισε τις αρκούδες για τον διάσημο πίνακα του Σίσκιν.
Ένα κομμάτι ινοσανίδας, πάνω από το οποίο χύθηκε απλώς μπογιά, έγινε ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες
Ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο το 2006 ήταν ο αριθμός 5 του Τζάκσον Πόλοκ, το 1948. Σε μια δημοπρασία ο πίνακας πήγε για 140 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό μπορεί να φαίνεται αστείο, αλλά ο καλλιτέχνης δεν «ενοχλήθηκε» πραγματικά με τη δημιουργία αυτού του πίνακα: απλώς έβαλε μπογιά πάνω από ένα κομμάτι ινοσανίδας απλωμένο στο πάτωμα.
Ο Ρούμπενς κρυπτογραφούσε την ημερομηνία δημιουργίας του πίνακα του χρησιμοποιώντας τα αστέρια.
Για πολύ καιρό, ιστορικοί τέχνης και επιστήμονες δεν μπορούσαν να καθορίσουν την ημερομηνία δημιουργίας ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Ρούμπενς - τον πίνακα "Η γιορτή των θεών στον Όλυμπο". Το μυστήριο λύθηκε μόνο αφού οι αστρονόμοι εξέτασαν προσεκτικότερα την εικόνα. Αποδείχθηκε ότι οι χαρακτήρες στην εικόνα βρίσκονταν με την ίδια ακριβώς σειρά που βρίσκονταν οι πλανήτες στον ουρανό το 1602.
Το λογότυπο Chupa Chups σχεδιάστηκε από τον παγκοσμίως διάσημο σουρεαλιστή
Το 1961, ο Enrique Bernata, ιδιοκτήτης της εταιρείας Chupa Chups, ζήτησε από τον καλλιτέχνη Salvador Dali να δημιουργήσει μια εικόνα για ένα περιτύλιγμα καραμέλας. Ο Νταλί εκπλήρωσε το αίτημα. Σήμερα αυτή η εικόνα, αν και σε ελαφρώς τροποποιημένη μορφή, είναι αναγνωρίσιμη στα γλειφιτζούρια της εταιρείας.
Να σημειωθεί ότι το 1967 στην Ιταλία, με την ευλογία του Πάπα, κυκλοφόρησε με εικονογράφηση του Σαλβαδόρ Νταλί.
Ο πιο ακριβός πίνακας Το αλεύρι φέρνει ατυχία
Το «The Scream» του Munch πουλήθηκε σε δημοπρασία για 120 εκατομμύρια δολάρια και είναι ο πιο ακριβός πίνακας του καλλιτέχνη σήμερα. Λένε ότι ο Μουνκ, του οποίου η πορεία της ζωής είναι μια σειρά από τραγωδίες, έβαλε τόση θλίψη σε αυτό που η εικόνα απορροφούσε αρνητική ενέργεια και εκδικείται τους παραβάτες.
Ένας από τους υπαλλήλους του Μουσείου Munch με κάποιο τρόπο έριξε κατά λάθος τον πίνακα, μετά τον οποίο άρχισε να υποφέρει από τρομερούς πονοκεφάλους που οδήγησαν αυτόν τον άνδρα στην αυτοκτονία. Ένας άλλος υπάλληλος του μουσείου, που δεν μπόρεσε να κρατήσει τον πίνακα, έπεσε σε τρομερό τροχαίο ατύχημα μόλις λίγες μέρες αργότερα. Και ένας επισκέπτης του μουσείου, που επέτρεψε στον εαυτό του να αγγίξει τον πίνακα, κάηκε ζωντανός στη φωτιά μετά από αρκετή ώρα. Ωστόσο, είναι πιθανό ότι αυτά είναι απλώς συμπτώσεις.
Το "Black Square" του Malevich έχει έναν "μεγαλύτερο αδερφό"
Το «Μαύρο τετράγωνο», που είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας του Kazimir Malevich, είναι ένας καμβάς 79,5 * 79,5 εκατοστών, στον οποίο απεικονίζεται ένα μαύρο τετράγωνο σε λευκό φόντο. Ο Μάλεβιτς ζωγράφισε τον πίνακα του το 1915. Και πίσω στο 1893, 20 χρόνια πριν από το Malevich, ο Alphonse Allais, ένας Γάλλος χιουμορίστας, σχεδίασε το «μαύρο τετράγωνό» του. Είναι αλήθεια ότι ο πίνακας του Allais ονομαζόταν "The Battle of Blacks in a Deep Cave on a Dark Night".
Ο Χριστός και ο Ιούδας στον πίνακα του Ντα Βίντσι έχουν το ίδιο πρόσωπο
Λένε ότι η δημιουργία του πίνακα «Ο Μυστικός Δείπνος» απαιτούσε τιτάνιες προσπάθειες από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι. Ο καλλιτέχνης βρήκε γρήγορα το πρόσωπο από το οποίο ήταν ζωγραφισμένη η εικόνα του Χριστού. Ένας από τους τραγουδιστές της εκκλησιαστικής χορωδίας πήρε αυτόν τον ρόλο. Αλλά ο Ντα Βίντσι έψαχνε για τον «Ιούδα» για τρία χρόνια.
Κάποτε στο δρόμο ο καλλιτέχνης είδε έναν μεθυσμένο που προσπαθούσε ανεπιτυχώς να βγει από έναν βόθρο. Ο Ντα Βίντσι τον πήγε σε ένα από τα ποτά, τον κάθισε και άρχισε να ζωγραφίζει. Φανταστείτε την έκπληξη του καλλιτέχνη όταν, έχοντας ανοίξει τις σκέψεις του, ο μεθυσμένος παραδέχτηκε ότι του είχε ποζάρει ήδη πριν από αρκετά χρόνια. Αποδείχθηκε ότι αυτός ήταν ο ίδιος τραγουδιστής.
«Κάθε πορτρέτο ζωγραφισμένο με συναίσθημα είναι, στην ουσία, ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη και όχι αυτού που πόζαρε γι' αυτόν»Όσκαρ Γουάιλντ
Τι χρειάζεται για να είσαι καλλιτέχνης; Μια απλή μίμηση ενός έργου δεν μπορεί να θεωρηθεί τέχνη. Η τέχνη είναι κάτι που πηγάζει από μέσα. Η ιδέα, το πάθος, η αναζήτηση, οι επιθυμίες και οι λύπες του συγγραφέα, που ενσαρκώνονται στον καμβά του καλλιτέχνη. Σε όλη την ιστορία της ανθρωπότητας, έχουν ζωγραφιστεί εκατοντάδες χιλιάδες, ίσως και εκατομμύρια πίνακες. Κάποια από αυτά είναι πραγματικά αριστουργήματα, γνωστά σε όλο τον κόσμο, τα γνωρίζουν ακόμα και άνθρωποι που δεν έχουν καμία σχέση με την τέχνη. Είναι δυνατόν να εντοπιστούν οι 25 πιο εξέχοντες ανάμεσα σε τέτοιους πίνακες; Το έργο είναι πολύ δύσκολο, αλλά προσπαθήσαμε...
✰ ✰ ✰
25«The Persistence of Memory», Σαλβαδόρ Νταλί
Χάρη σε αυτόν τον πίνακα, ο Νταλί έγινε διάσημος σε αρκετά νεαρή ηλικία, ήταν 28 ετών. Ο πίνακας έχει πολλούς άλλους τίτλους - "Soft Hours", "Hardness of Memory". Αυτό το αριστούργημα έχει τραβήξει την προσοχή πολλών κριτικών τέχνης. Βασικά, τους ενδιέφερε η ερμηνεία του πίνακα. Λέγεται ότι η ιδέα πίσω από τη ζωγραφική του Νταλί σχετίζεται με τη θεωρία της σχετικότητας του Αϊνστάιν.
✰ ✰ ✰
24«Χορός», Henri Matisse
Ο Henri Matisse δεν ήταν πάντα καλλιτέχνης. Ανακάλυψε την αγάπη του για τη ζωγραφική αφού πήρε πτυχίο νομικής στο Παρίσι. Σπούδασε τέχνη με τόσο ζήλο που έγινε ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στον κόσμο. Αυτός ο πίνακας έχει πολύ λίγη αρνητική κριτική από κριτικούς τέχνης. Αντανακλά έναν συνδυασμό παγανιστικών τελετουργιών, χορού και μουσικής. Οι άνθρωποι χορεύουν σε έκσταση. Τρία χρώματα - πράσινο, μπλε και κόκκινο, συμβολίζουν τη Γη, τον Ουρανό και την Ανθρωπότητα.
✰ ✰ ✰
23«Το φιλί», Γκούσταβ Κλιμτ
Ο Γκούσταβ Κλιμτ επικρίθηκε συχνά για το γυμνό στους πίνακές του. Το «The Kiss» έγινε αντιληπτό από τους κριτικούς καθώς συνδύαζε όλες τις μορφές τέχνης. Ο πίνακας θα μπορούσε να είναι μια απεικόνιση του ίδιου του καλλιτέχνη και της αγαπημένης του, Αιμιλίας. Ο Κλιμτ ζωγράφισε αυτόν τον πίνακα υπό την επίδραση βυζαντινών ψηφιδωτών. Οι Βυζαντινοί χρησιμοποιούσαν χρυσό στους πίνακές τους. Ομοίως, ο Gustav Klimt ανακάτεψε χρυσό στα χρώματα του για να δημιουργήσει το δικό του στυλ ζωγραφικής.
✰ ✰ ✰
22«Sleeping Gypsy», Henri Rousseau
Κανείς εκτός από τον ίδιο τον Ρουσσώ δεν θα μπορούσε να περιγράψει καλύτερα αυτή την εικόνα. Εδώ είναι η περιγραφή του - «μια νομάδα τσιγγάνα που τραγουδάει τα τραγούδια της με τη συνοδεία ενός μαντολίνου, κοιμάται στο έδαφος από την κούραση, η κανάτα της με πόσιμο νερό βρίσκεται κοντά. Ένα λιοντάρι που περνούσε πλησίασε για να τη μυρίσει, αλλά δεν την άγγιξε. Όλα είναι λουσμένα στο φως του φεγγαριού, μια πολύ ποιητική ατμόσφαιρα». Αξιοσημείωτο είναι ότι ο Henri Rousseau είναι αυτοδίδακτος.
✰ ✰ ✰
21«Η τελευταία κρίση», Ιερώνυμος Μπος
Χωρίς περαιτέρω καθυστέρηση, η εικόνα είναι απλά μαγευτική. Αυτό το τρίπτυχο είναι ο μεγαλύτερος σωζόμενος πίνακας της Bosch. Η αριστερή πτέρυγα δείχνει την ιστορία του Αδάμ και της Εύας. Το κεντρικό μέρος είναι η «τελευταία κρίση» από την πλευρά του Ιησού - ποιος πρέπει να πάει στον παράδεισο και ποιος στην κόλαση. Η γη που βλέπουμε εδώ καίγεται. Η δεξιά πτέρυγα απεικονίζει μια αποκρουστική εικόνα της κόλασης.
✰ ✰ ✰
20
Όλοι είναι εξοικειωμένοι με τον Νάρκισσο από την ελληνική μυθολογία - έναν άνθρωπο που είχε εμμονή με την εμφάνισή του. Ο Νταλί έγραψε τη δική του ερμηνεία για τον Νάρκισσο.
Αυτή είναι η ιστορία. Ο όμορφος νεαρός Νάρκισσος έσπασε εύκολα τις καρδιές πολλών κοριτσιών. Οι θεοί επενέβησαν και, για να τον τιμωρήσουν, του έδειξαν την αντανάκλασή του στο νερό. Ο νάρκισσος ερωτεύτηκε τον εαυτό του και τελικά πέθανε γιατί δεν μπόρεσε ποτέ να αγκαλιάσει τον εαυτό του. Τότε οι Θεοί μετάνιωσαν που του το έκαναν αυτό και αποφάσισαν να τον απαθανατίσουν με τη μορφή ενός άνθους νάρκισσου.
Στην αριστερή πλευρά της εικόνας είναι ο Νάρκισσος που κοιτάζει την αντανάκλασή του. Μετά από αυτό ερωτεύτηκε τον εαυτό του. Το δεξί πλαίσιο δείχνει τα γεγονότα που εκτυλίχθηκαν μετά, συμπεριλαμβανομένου του λουλουδιού που προέκυψε, του νάρκισσου.
✰ ✰ ✰
19
Η υπόθεση της ταινίας βασίζεται στη βιβλική σφαγή των νηπίων στη Βηθλεέμ. Αφού έγινε γνωστή η γέννηση του Χριστού από τους Μάγους, ο βασιλιάς Ηρώδης έδωσε εντολή να σκοτωθούν όλα τα μικρά αρσενικά παιδιά και τα μωρά στη Βηθλεέμ. Στην εικόνα, η σφαγή βρίσκεται στο αποκορύφωμά της, τα τελευταία παιδιά, που αφαιρέθηκαν από τις μητέρες τους, περιμένουν τον ανελέητο θάνατό τους. Ορατά είναι επίσης τα πτώματα των παιδιών, για τα οποία τα πάντα είναι ήδη πίσω τους.
Χάρη στη χρήση του πλούσιου χρωματικό εύρος, ο πίνακας του Ρούμπενς έχει γίνει ένα παγκοσμίου φήμης αριστούργημα.
✰ ✰ ✰
18
Η δουλειά του Pollock είναι πολύ διαφορετική από άλλους καλλιτέχνες. Τοποθέτησε τον καμβά του στο έδαφος και κινήθηκε γύρω και γύρω από τον καμβά, στάζοντας μπογιά από πάνω στον καμβά χρησιμοποιώντας ραβδιά, πινέλα και σύριγγες. Χάρη σε αυτή τη μοναδική τεχνική, είχε το παρατσούκλι «Sprinkler Jack» στους καλλιτεχνικούς κύκλους. Για κάποιο διάστημα, αυτός ο πίνακας κρατούσε τον τίτλο του πιο ακριβού πίνακα στον κόσμο.
✰ ✰ ✰
17
Γνωστό και ως «Χορεύοντας στο Le Moulin de la Galette». Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους πίνακες του Ρενουάρ. Η ιδέα της ταινίας είναι να δείξει στους θεατές τη διασκεδαστική πλευρά της ζωής του Παρισιού. Μετά από προσεκτικότερη εξέταση του πίνακα, μπορείτε να δείτε ότι ο Ρενουάρ τοποθέτησε αρκετούς από τους φίλους του στον καμβά. Επειδή ο πίνακας φαίνεται ελαφρώς θολός, επικρίθηκε αρχικά από τους συγχρόνους του Ρενουάρ.
✰ ✰ ✰
16
Η πλοκή είναι παρμένη από τη Βίβλο. Ο πίνακας «The Last Supper» απεικονίζει τον τελευταίο δείπνο του Χριστού πριν από τη σύλληψή του. Μόλις είχε μιλήσει στους αποστόλους του και τους είπε ότι ένας από αυτούς θα τον πρόδιδε. Όλοι οι απόστολοι στεναχωριούνται και του λένε ότι δεν είναι, φυσικά, αυτοί. Ήταν αυτή η στιγμή που ο Ντα Βίντσι απεικόνισε όμορφα μέσα από τη ζωηρή του απεικόνιση. Ο μεγάλος Λεονάρντο χρειάστηκε τέσσερα χρόνια για να ολοκληρώσει αυτόν τον πίνακα.
✰ ✰ ✰
15
Τα «Νούφαρα» του Μονέ τα βρίσκουμε παντού. Πιθανότατα τα έχετε δει σε ταπετσαρίες, αφίσες και εξώφυλλα περιοδικών τέχνης. Το γεγονός είναι ότι ο Μονέ είχε εμμονή με τα κρίνα. Πριν αρχίσει να τα ζωγραφίζει, μεγάλωσε αμέτρητους αριθμούς από αυτά τα λουλούδια. Ο Μονέ έχτισε μια γέφυρα μέσα ιαπωνικό στυλστον κήπο του πάνω από μια λιμνούλα με κρίνους. Ήταν τόσο ευχαριστημένος με αυτό που είχε πετύχει που σχεδίασε αυτή την πλοκή δεκαεπτά φορές σε ένα χρόνο.
✰ ✰ ✰
14
Υπάρχει κάτι απαίσιο και μυστήριο σε αυτή την εικόνα· υπάρχει μια αύρα φόβου γύρω της. Μόνο ένας τέτοιος δάσκαλος όπως ο Μουνκ ήταν σε θέση να απεικονίσει τον φόβο σε χαρτί. Ο Munch έκανε τέσσερις εκδοχές του The Scream σε λάδι και παστέλ. Σύμφωνα με τις καταχωρήσεις στο ημερολόγιο του Μουνκ, είναι ξεκάθαρο ότι ο ίδιος πίστευε στον θάνατο και τα πνεύματα. Στον πίνακα «Η Κραυγή», απεικόνισε τον εαυτό του τη στιγμή που μια μέρα, ενώ περπατούσε με φίλους, ένιωσε φόβο και ενθουσιασμό, που ήθελε να ζωγραφίσει.
✰ ✰ ✰
13
Ο πίνακας, που συνήθως αναφέρεται ως σύμβολο της μητρότητας, δεν έπρεπε να γίνει. Λέγεται ότι το μοντέλο του Γουίστλερ, που υποτίθεται ότι θα καθόταν για τον πίνακα, δεν εμφανίστηκε και αποφάσισε να ζωγραφίσει τη μητέρα του. Μπορούμε να πούμε ότι εδώ απεικονίζεται η θλιβερή ζωή της μητέρας του καλλιτέχνη. Αυτή η διάθεση οφείλεται στα σκούρα χρώματα που χρησιμοποιούνται σε αυτόν τον πίνακα.
✰ ✰ ✰
12
Ο Πικάσο συνάντησε τη Ντόρα Μάαρ στο Παρίσι. Λένε ότι ήταν πνευματικά πιο κοντά στον Πικάσο από όλες τις προηγούμενες ερωμένες του. Χρησιμοποιώντας τον κυβισμό, ο Πικάσο μπόρεσε να μεταφέρει κίνηση στο έργο του. Φαίνεται ότι το πρόσωπο της Μάαρ στρέφεται προς τα δεξιά, προς το πρόσωπο του Πικάσο. Ο καλλιτέχνης έκανε την παρουσία της γυναίκας σχεδόν πραγματική. Ίσως ήθελε να νιώθει ότι ήταν εκεί, πάντα.
✰ ✰ ✰
11
Ο Βαν Γκογκ έγραψε το Starry Night ενώ υποβαλλόταν σε θεραπεία, όπου του επιτρεπόταν να ζωγραφίζει μόνο ενώ η κατάστασή του βελτιωνόταν. Νωρίτερα την ίδια χρονιά έκοψε τον αριστερό του λοβό του αυτιού. Πολλοί θεωρούσαν τον καλλιτέχνη τρελό. Από ολόκληρη τη συλλογή έργων του Βαν Γκογκ, η Έναστρη Νύχτα είναι η πιο διάσημη, ίσως λόγω του ασυνήθιστου σφαιρικού φωτός γύρω από τα αστέρια.
✰ ✰ ✰
10
Σε αυτόν τον πίνακα, ο Μανέ αναδημιουργούσε την Αφροδίτη του Ουρμπίνο του Τιτσιάνο. Ο καλλιτέχνης είχε κακή φήμη για την απεικόνιση ιερόδουλων. Αν και οι κύριοι εκείνη την εποχή επισκέπτονταν τις εταίρες αρκετά συχνά, δεν πίστευαν ότι θα περνούσε από το μυαλό κάποιος να τις ζωγραφίσει. Τότε, ήταν προτιμότερο οι καλλιτέχνες να ζωγραφίζουν εικόνες με ιστορικά, μυθικά ή βιβλικά θέματα. Ωστόσο, ο Manet, πηγαίνοντας κόντρα στην κριτική, έδειξε στο κοινό τον σύγχρονο τους.
✰ ✰ ✰
9
Αυτός ο πίνακας είναι ένας ιστορικός καμβάς που απεικονίζει την κατάκτηση της Ισπανίας από τον Ναπολέοντα.
Έχοντας λάβει παραγγελία για πίνακες που απεικονίζουν τον αγώνα του λαού της Ισπανίας ενάντια στον Ναπολέοντα, ο καλλιτέχνης δεν ζωγράφισε ηρωικούς και αξιολύπητους καμβάδες. Επέλεξε τη στιγμή που οι Ισπανοί επαναστάτες πυροβολήθηκαν από Γάλλους στρατιώτες. Καθένας από τους Ισπανούς βιώνει αυτή τη στιγμή με τον δικό του τρόπο, κάποιοι έχουν ήδη παραιτηθεί, αλλά για άλλους η κύρια μάχη μόλις έφτασε. Πόλεμος, αίμα και θάνατος, αυτό απεικόνισε στην πραγματικότητα ο Γκόγια.
✰ ✰ ✰
8
Το κορίτσι που απεικονίζεται πιστεύεται ότι είναι η μεγαλύτερη κόρη του Βερμέερ, η Μαίρη. Τα χαρακτηριστικά του υπάρχουν σε πολλά από τα έργα του, αλλά είναι δύσκολο να συγκριθούν. Ένα βιβλίο με τον ίδιο τίτλο γράφτηκε από την Tracy Chevalier. Αλλά η Tracy έχει μια εντελώς διαφορετική εκδοχή για το ποιος απεικονίζεται σε αυτήν την εικόνα. Ισχυρίζεται ότι πήρε αυτό το θέμα επειδή υπάρχουν πολύ λίγες πληροφορίες για τον Βερμέερ και τους πίνακές του και ο συγκεκριμένος πίνακας αποπνέει μια μυστηριώδη ατμόσφαιρα. Αργότερα, γυρίστηκε μια ταινία βασισμένη στο μυθιστόρημά της.
✰ ✰ ✰
7
Ο ακριβής τίτλος του πίνακα είναι "Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Leuteant Willem van Ruytenburg." The Rifle Society ήταν μια πολιτική πολιτοφυλακή που κλήθηκε να υπερασπιστεί την πόλη. Εκτός από τις πολιτοφυλακές, ο Ρέμπραντ πρόσθεσε και αρκετές επιπλέον άτομα. Λαμβάνοντας υπόψη ότι αγόρασε ένα ακριβό σπίτι ενώ ζωγράφιζε αυτήν την εικόνα, μπορεί να είναι αλήθεια ότι έλαβε μια τεράστια αμοιβή για τη Νυχτερινή Φρουρά.
✰ ✰ ✰
6
Αν και ο πίνακας περιέχει μια εικόνα του ίδιου του Velázquez, δεν είναι αυτοπροσωπογραφία. Ο κύριος χαρακτήρας του καμβά είναι η Ινφάντα Μαργαρίτα, κόρη του βασιλιά Φιλίππου Δ'. Αυτό απεικονίζει τη στιγμή που ο Velazquez, δουλεύοντας σε ένα πορτρέτο του βασιλιά και της βασίλισσας, αναγκάζεται να σταματήσει και να κοιτάξει την Infanta Margarita, η οποία μόλις μπήκε στο δωμάτιο με τη συνοδεία της. Ο πίνακας φαίνεται σχεδόν ζωντανός, κεντρίζοντας την περιέργεια στο κοινό.
✰ ✰ ✰
5
Αυτός είναι ο μόνος πίνακας του Bruegel που ζωγραφίστηκε με λάδι και όχι με τέμπερα. Υπάρχουν ακόμη αμφιβολίες για την αυθεντικότητα του πίνακα, κυρίως για δύο λόγους. Πρώτον, δεν ζωγράφιζε με λάδια και δεύτερον, πρόσφατη έρευνα έδειξε ότι κάτω από το στρώμα της ζωγραφικής υπάρχει ένα σχηματικό σχέδιο κακής ποιότητας που δεν ανήκει στον Μπρέγκελ.
Ο πίνακας απεικονίζει την ιστορία του Ίκαρου και τη στιγμή της πτώσης του. Σύμφωνα με τον μύθο, τα φτερά του Ίκαρου ήταν κολλημένα με κερί και επειδή ο Ίκαρος ανέβηκε πολύ κοντά στον ήλιο, το κερί έλιωσε και έπεσε στο νερό. Αυτό το τοπίο ενέπνευσε τον W. H. Auden να γράψει το πιο διάσημο ποίημά του για το ίδιο θέμα.
✰ ✰ ✰
4
Η Σχολή της Αθήνας είναι ίσως η πιο διάσημη τοιχογραφία του Ιταλού καλλιτέχνη της Αναγέννησης, Ραφαήλ.
Σε αυτή την τοιχογραφία στη Σχολή Αθηνών, όλοι οι μεγάλοι μαθηματικοί, φιλόσοφοι και επιστήμονες έχουν συγκεντρωθεί κάτω από μια στέγη, μοιράζονται τις θεωρίες τους και μαθαίνουν ο ένας από τον άλλο. Όλοι οι ήρωες ζούσαν μέσα διαφορετική ώρα, αλλά ο Ραφαέλ τους τοποθέτησε όλους σε ένα δωμάτιο. Μερικές από τις μορφές είναι ο Αριστοτέλης, ο Πλάτωνας, ο Πυθαγόρας και ο Πτολεμαίος. Μια πιο προσεκτική ματιά αποκαλύπτει ότι αυτός ο πίνακας περιέχει επίσης μια αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Ραφαήλ. Κάθε καλλιτέχνης θα ήθελε να αφήσει το στίγμα του, η μόνη διαφορά είναι η φόρμα. Αν και ίσως θεωρούσε τον εαυτό του μια από αυτές τις μεγάλες μορφές;
✰ ✰ ✰
3
Ο Μιχαήλ Άγγελος δεν θεωρούσε ποτέ τον εαυτό του καλλιτέχνη, πάντα θεωρούσε τον εαυτό του περισσότερο ως γλύπτη. Όμως, κατάφερε να δημιουργήσει μια καταπληκτική, εξαίσια τοιχογραφία που όλος ο κόσμος νιώθει δέος. Αυτό το αριστούργημα βρίσκεται στο ταβάνι Καπέλα Σιξτίναστο Βατικανό. Ο Μιχαήλ Άγγελος ανατέθηκε να ζωγραφίσει αρκετές βιβλικές ιστορίες, μία από τις οποίες ήταν η δημιουργία του Αδάμ. Σε αυτή την εικόνα ο γλύπτης στο Μιχαήλ Άγγελο είναι καθαρά ορατός. Το ανθρώπινο σώμα του Adam αποδίδεται με απίστευτη ακρίβεια χρησιμοποιώντας ζωντανά χρώματα και ακριβείς μυϊκές μορφές. Άρα, μπορούμε να συμφωνήσουμε με τον συγγραφέα, άλλωστε είναι περισσότερο γλύπτης.
✰ ✰ ✰
2«Μόνα Λίζα», Λεονάρντο ντα Βίντσι
Αν και είναι ο πιο μελετημένος πίνακας, η Μόνα Λίζα εξακολουθεί να παραμένει ο πιο μυστηριώδης. Ο Λεονάρντο είπε ότι δεν σταμάτησε ποτέ να εργάζεται σε αυτό. Μόνο ο θάνατός του, όπως λένε, ολοκλήρωσε το έργο στον καμβά. Η «Μόνα Λίζα» είναι το πρώτο ιταλικό πορτρέτο στο οποίο το μοντέλο απεικονίζεται από τη μέση και πάνω. Το δέρμα της Μόνα Λίζα φαίνεται να λάμπει λόγω της χρήσης πολλών στρωμάτων διαφανών ελαίων. Ως επιστήμονας, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι χρησιμοποίησε όλες τις γνώσεις του για να κάνει την εικόνα της Μόνα Λίζα ρεαλιστική. Όσο για το ποιος ακριβώς απεικονίζεται στον πίνακα, παραμένει μυστήριο.
✰ ✰ ✰
1
Ο πίνακας δείχνει την Αφροδίτη, τη θεά του έρωτα, να επιπλέει σε ένα κοχύλι στον άνεμο, το οποίο φυσά ο Ζέφυρος, ο θεός του δυτικού ανέμου. Την συναντά στην ακτή η Όρα, η θεά των εποχών, που είναι έτοιμη να ντύσει τη νεογέννητη θεότητα. Το μοντέλο για την Αφροδίτη θεωρείται η Simonetta Cattaneo de Vespucci. Η Simonetta Cattaneo πέθανε στα 22 της και ο Botticelli επιθυμούσε να ταφεί δίπλα της. Τον έδεσε ανεκπλήρωτος έρωτας μαζί της. Αυτός ο πίνακας είναι το πιο εξαίσιο έργο τέχνης που δημιουργήθηκε ποτέ.
✰ ✰ ✰
συμπέρασμα
Αυτό ήταν ένα άρθρο TOP 25 πιο διάσημοι πίνακες στον κόσμο. Σας ευχαριστώ για την προσοχή σας!
Κοιτάζοντας τους ασυνήθιστα όμορφους μνημειώδεις καμβάδες, ο θεατής καταλαβαίνει ότι σε οποιοδήποτε έργο ενός μεγάλου καλλιτέχνη κρύβεται το μυστικό της ζωής, οι τραγικές ιστορίες και οι βαθιές εμπειρίες. Μόνο με το να βυθιστείτε και να έρθετε σε επαφή με ένα μικρό επεισόδιο ενός ταλαντούχου ανθρώπου, μπορείτε να προσπαθήσετε να προβλέψετε μια εποχή που είναι πολύ στο παρελθόν. Ποιοι είναι αυτοί οι Ρώσοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής και τι γνωρίζει ο σύγχρονος άνθρωπος γι' αυτούς;
10 Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ (1856 – 1910)
Το πρόσωπο ενός μυστηριώδους πλάσματος που ονειρευόμουν τη νύχτα έγινε προφητικό. Η Μιχάλη είχε εμμονή και ήθελε να τελειώσει το πορτρέτο όσο πιο γρήγορα γινόταν. Αυτή τη στιγμή, ο νεαρός γνωρίζει τη Nadezhda Zabela, η οποία γίνεται σύζυγός του. Ένας γιος που γεννήθηκε με λαγουδάκι ήταν σημάδι για τον Vrubel. Ο καλλιτέχνης σταματά να παρατηρεί τους πάντες και εργάζεται σκληρά στο "The Demon". Τραγικά γεγονότα ξέσπασαν νευρικό σύστημαο πλοίαρχος και τοποθετήθηκε σε ψυχιατρείο. Έτσι, η διευκρίνιση συνυπήρχε με την παραφροσύνη και η αναγνώριση με την καταδίκη.
9 Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837 - 1887)
Ο διάσημος πίνακας «The Stranger» συνδέθηκε με πολλές γυναίκες εκείνης της εποχής. Στην Άννα Καρένινα, την αυτοκράτειρα Μαρία Φεοντόροβνα, την αγρότισσα Matryona Savvishna. Αλλά το τελικό πρωτότυπο δεν καθορίστηκε ποτέ. Το έργο "Γοργόνα", που απέκτησε ο Tretyakov, ήταν μυστικιστικής φύσης. Το βράδυ φύσηξε ένας κρύος αέρας από το χολ όπου ήταν κρεμασμένος ο καμβάς και ακούστηκαν κάποιοι ήχοι. Ο άνδρας, έχοντας βρεθεί κοντά στον πίνακα, ένιωθε κουρασμένος και υπνηλία. Το διάσημο αριστούργημα μεταφέρθηκε σε μια σκοτεινή γωνιά, και τα παράπονα σταμάτησαν.
8 Alexey Kondratievich Savrasov (1830 - 1897)
Ακόμη και ως παιδί, ο Alexey αγαπούσε να δημιουργεί μικρά σκίτσα, τα οποία αγόρασαν ευτυχώς οι ντόπιοι. Ο νεαρός επρόκειτο να εισέλθει σε σχολή τέχνης, αλλά λόγω του θανάτου της μητέρας του, οι σπουδές του έπρεπε να αναβληθούν. Ο πατέρας δεν ενέκρινε το σχέδιο και έστειλε τον γιο του να ζήσει στη σοφίτα, όπου ο αέρας φυσούσε από όλες τις ρωγμές. Το νεαρό ταλέντο έσωσε ο Αρχηγός της Αστυνομίας. Σε ηλικία 24 ετών, ο Savrasov έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού. Τον αποκαλούν «ο καλλιτέχνης μιας φωτογραφίας». Το έργο «The Rooks Have Arrived» μιλάει για απεριόριστη αγάπηστην πατρίδα του.
7 Ilya Efimovich Repin (1844 – 1930)
Οι καμβάδες του καλλιτέχνη είναι ένας πραγματικός ξεχωριστός κόσμος, που λέει για την εμπειρία, τον πόνο, τη χαρά και τη συμπόνια. Ένας σύγχρονος θεατής, κοιτάζοντας τους πίνακες του δασκάλου, αρχίζει να σκέφτεται την ειλικρίνεια και την καλοσύνη που τόσο λείπει από τη ζωή. Το έργο "Ivan the Terrible and Son" επηρέασε την υγεία του καλλιτέχνη. Κάποιοι το θεώρησαν κατάρα για ψευδή γεγονότα. Το δεξί του χέρι σταμάτησε να λειτουργεί και στη συνέχεια έγραφε με το αριστερό. Οι «Μεταφορείς φορτηγίδων στον Βόλγα», «Δεν περίμεναν», «Κοζάκοι» και πολλοί άλλοι πίνακες είναι μια υπέροχη κληρονομιά για τους απογόνους.
6 Karl Pavlovich Bryullov (1799 - 1852)
Ο Καρλ αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών με χρυσό μετάλλιο και του απονεμήθηκε ένα ταξίδι στη Ρώμη ως ανταμοιβή για τη σκληρή δουλειά του. Μετά το ταξίδι, ο καλλιτέχνης αρχίζει να εργάζεται στον διάσημο πίνακα "Ο θάνατος της Πομπηίας". Οι πίνακες του Bryullov είναι πολύ δημοφιλείς. Ο κύριος είναι απασχολημένος με τη δουλειά, ζωγραφίζοντας πορτρέτα ΔΙΑΣΗΜΟΙ Ανθρωποι, ζωγραφίζει εκκλησίες. Οι πίνακές του θα παραμείνουν για πάντα ιδιοκτησία των ανθρώπων - "Ιππέας", "Ιταλικό πρωινό" και άλλοι.
5 Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848 - 1926)
Ο μεγάλος Ρώσος καλλιτέχνης-ζωγράφος αποκαλούνταν «αληθινός ήρωας». Γεννημένος σε οικογένεια ιερέα, το μέλλον του ήταν προβλέψιμο. Στο θεολογικό σεμινάριο, ο νεαρός αρχίζει να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική και στο τελευταίο έτος αποφασίζει να κάνει δραστικές αλλαγές. Έχοντας περάσει επιτυχώς τις εξετάσεις, ο Βίκτορ, από ένα παράλογο ατύχημα, δεν τολμά να ακούσει την ετυμηγορία και φεύγει, μόνο για να επιστρέψει ένα χρόνο αργότερα και να δοκιμάσει τις δυνάμεις του. Όταν ο αβέβαιος Vasnetsov επιστρέφει στην Ακαδημία για να υποβληθεί σε επαναληπτικό τεστ, ο μελλοντικός καλλιτέχνης μαθαίνει ότι ήταν ήδη μαθητής του διάσημου εκπαιδευτικό ίδρυμα. Όλοι γνωρίζουν τους πίνακες του πλοιάρχου - "Alyonushka", "Bogatyrs", "Ivan Tsarevich on the Gray Wolf" και άλλοι.
4 Vasily Ivanovich Surikov (1848 - 1916)
Ο κληρονομικός Κοζάκος ονομαζόταν «συνθέτης» μεταξύ των φίλων του για την ικανότητά του να κατασκευάζει μια σύνθεση και να επιλέγει πλούσια χρώματα. Ο Βασίλης αποφοίτησε από την Ακαδημία με χρυσό μετάλλιο. Αμέσως μετά τις σπουδές, ο καλλιτέχνης άρχισε να ζωγραφίζει «Το πρωί της εκτέλεσης του Streltsy». Δημιούργησε μια πραγματική αίσθηση και ο Tretyakov το αγόρασε ακριβώς στην έκθεση. Οι παρακάτω πίνακες - "Menshikov in Berezovo" και "Boyaryna Morozova" μετακόμισαν επίσης στην έπαυλη του Tretyakov. Ο κύριος έβλεπε τέλεια το παρελθόν, σαν να ήταν μέσα του. Τα ιστορικά αριστουργήματα εξακολουθούν να αιχμαλωτίζουν τον θεατή - "Η κατάκτηση της Σιβηρίας από τον Ermak", "Suvorov's Crossing of the Alps" και άλλα.
3 Valentin Aleksandrovich Serov (1865 – 1911)
Το καλλιτεχνικό ταλέντο ήταν εμφανές ήδη από την παιδική ηλικία. Το αγόρι σχεδίαζε συνεχώς. Οι δάσκαλοι παραπονέθηκαν για την έλλειψη ψυχραιμίας του, του πήραν τα τετράδια με ζωγραφιές και τα έβαλαν σε μια γωνία. Αλλά το πορτρέτο ενός δασκάλου γυμνασίου έφερε αναγνώριση. Οι ενήλικες εξεπλάγησαν με την ικανότητα και αντικατέστησαν τον θυμό τους με θαυμασμό. Ένας σοβαρός και σκόπιμος νεαρός ζωγράφιζε πορτρέτα και ενσάρκωσε την ψυχή του σε αυτά. «Κορίτσι με ροδάκινα», «Πορτρέτο της πριγκίπισσας Όλγας», «Πορτρέτο του αυτοκράτορα Νικολάου» και πολλά άλλα έργα είναι η κληρονομιά του μεγάλου προσωπογράφου.
2 Ιβάν Κωνσταντίνοβιτς Αϊβαζόφσκι (1817 – 1900)
Θαλασσινά τοπία δόξασαν τον ταλαντούχο καλλιτέχνη. Αρμένιος στην καταγωγή, κατά βάθος ήταν ένας πραγματικός Ρώσος. Πολλοί αναρωτιούνται γιατί η θάλασσα ήταν το κύριο θέμα των πινάκων; Ίσως πρόκειται για παιδικές αναμνήσεις, όπου η επαφή με το μεγαλείο της επιφάνειας του νερού έγινε η πιο φωτεινή έμπνευση. Εκτός από το σχέδιο, ο Ιβάν έπαιξε όμορφα το βιολί και ο συνθέτης διατήρησε τα ταταρικά μοτίβα που άκουσε ο Γκλίνκα στην όπερα "Ruslan and Lyudmila". Ας θυμηθούμε τα περισσότερα διάσημους πίνακες- «Το Ένατο Κύμα», «Μαύρη Θάλασσα», «Η Μάχη των Τσετσμενών», «Χάος στο Βατικανό».
1 Ιβάν Ιβάνοβιτς Σίσκιν (1832 – 1898)
Ο διάσημος Ρώσος τοπιογράφος καταγόταν από οικογένεια εμπόρων και δεν αντιμετώπισε οικονομικές δυσκολίες. Η φήμη του ήρθε πολύ νωρίς. Όταν ο Ιβάν αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών, το όνομά του ήταν γνωστό στο εξωτερικό. Η προσωπική ζωή δεν πήγαινε καλά. Ο πρώτος γάμος έληξε τραγικά. Η γυναίκα του πέθανε και μετά ο μικρός του γιος. Ο δεύτερος γάμος όμως έφερε και δύσκολες δοκιμασίες. Η γυναίκα του πέθανε, αφήνοντας τον καλλιτέχνη με δύο κόρες. Ένας δάσκαλος στη δουλειά πέθανε σε ηλικία 66 ετών. Η κληρονομιά έλαβε υπέροχα έργα ως δώρο - "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", "Σίκαλη", "Πευκόδασος", "Στον άγριο Βορρά" και άλλους πίνακες.
Η μοίρα των ταλαντούχων καλλιτεχνών των οποίων οι πίνακες είναι γνωστοί σε όλο τον κόσμο έγιναν διαφορετικά. Όλοι τους όμως, φυσικά, πέτυχαν ένα μεγάλο κατόρθωμα στη ζωή τους, αφήνοντας στους πίνακες τα δικά τους οράματα για ένα φυσικό φαινόμενο, ένα ιστορικό γεγονός και μια ανθρώπινη εικόνα. Ας θεωρηθεί ένας από αυτούς όχι αρκετά σωστός και τέλειος άνθρωπος. Ωστόσο, η συμβολή των δασκάλων δεν είναι ανάλογη με ηλίθιες δηλώσεις.
Δημοσίευση: 26 Μαρτίου 2018Αυτή η λίστα με διάσημους τοπιογράφους συντάχθηκε από τον εκδότη μας Neil Collins, MFA, LL.B. Αντιπροσωπεύει την προσωπική του άποψη για τους δέκα καλύτερους εκπροσώπους της τέχνης του είδους. Όπως κάθε τέτοια συλλογή, αποκαλύπτει περισσότερα για τα προσωπικά γούστα του μεταγλωττιστή παρά για τη θέση των τοπιογράφων. Έτσι, οι δέκα κορυφαίοι τοπιογράφοι και τα τοπία τους.
Νο. 10 Thomas Cole (1801-1848) και Frederic Edwin Church (1826-1900)
Στη δέκατη θέση βρίσκονται δύο Αμερικανοί καλλιτέχνες.
Thomas Cole: Ο μεγαλύτερος Αμερικανός τοπιογράφος των αρχών του 19ου αιώνα και ιδρυτής της σχολής Hudson River, ο Thomas Cole γεννήθηκε στην Αγγλία, όπου εργάστηκε ως μαθητευόμενος χαράκτης πριν μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1818, όπου πέτυχε γρήγορα την αναγνώριση ως ένας τοπιογράφος, που εγκαθίσταται στο χωριό Catskill της κοιλάδας Hudson. Θαυμαστής του Claude Lorraine και του Turner, επισκέφτηκε την Αγγλία και την Ιταλία από το 1829 έως το 1832, μετά από τα οποία (εν μέρει χάρη στην ενθάρρυνση που έλαβε από τον John Martyn και τον Turner) άρχισε να εστιάζει λιγότερο στα φυσικά τοπία και περισσότερο στα μεγάλα αλληγορικά και ιστορικά θέματα.. Εντυπωσιασμένος σε μεγάλο βαθμό από τη φυσική ομορφιά του αμερικανικού τοπίου, ο Κόουλ γέμισε πλέοντης τέχνης του τοπίου του με μεγάλη αίσθηση και εμφανή ρομαντική λαμπρότητα.
Διάσημα τοπία του Thomas Cole:
- «View of the Catskills - Early Autumn» (1837), λάδι σε καμβά, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη
- «American Lake» (1844), λάδι σε καμβά, Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ
Εκκλησία Frederic Edwin
Εκκλησία Frederic Edwin: Ο μαθητής του Κόουλ, ο Τσερτς ίσως ξεπέρασε τον δάσκαλό του σε μνημειώδη ρομαντικά πανοράματα, καθένα από τα οποία μετέφερε κάποιο είδος πνευματικότητας της φύσης. Ο Church ζωγράφισε εντυπωσιακή θέα σε φυσικά τοπία σε όλη την αμερικανική ήπειρο από το Λαμπραντόρ έως τις Άνδεις.
Διάσημα τοπία της εκκλησίας Frederic:
- «Niagara Falls» (1857), Corcoran, Ουάσιγκτον
- «The Heart of the Andes» (1859), Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη
- «Cotopaxi» (1862), Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ
Νο. 9 Κάσπαρ Ντέιβιντ Φρίντριχ (1774-1840)
Στοχαστικός, μελαγχολικός και λίγο ερημικός, ο Caspar David Friedrich είναι ο μεγαλύτερος τοπιογράφος της ρομαντικής παράδοσης. Γεννημένος κοντά στη Βαλτική Θάλασσα, εγκαταστάθηκε στη Δρέσδη, όπου επικεντρώθηκε αποκλειστικά στις πνευματικές συνδέσεις και την έννοια του τοπίου, εμπνευσμένος από τη σιωπηλή σιωπή του δάσους, καθώς και από το φως (ανατολή, ηλιοβασίλεμα, φως του φεγγαριού) και τις εποχές. Η ιδιοφυΐα του βρισκόταν στην ικανότητά του να συλλαμβάνει μια άγνωστη μέχρι τότε πνευματική διάσταση στη φύση, η οποία δίνει στο τοπίο έναν συναισθηματικό μυστικισμό που δεν ταίριαζε ποτέ.
Διάσημα τοπία του Caspar David Friedrich:
- «Winter Landscape» (1811), λάδι σε καμβά, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
- «Τοπίο στο Riesengebirge» (1830), λάδι σε καμβά, Μουσείο Πούσκιν, Μόσχα
- «Άνδρας και γυναίκα που κοιτάζουν το φεγγάρι» (1830-1835), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη, Βερολίνο
Νο. 8 Alfred Sisley (1839-1899)
Συχνά αποκαλούμενος «ξεχασμένος ιμπρεσιονιστής», ο Αγγλο-Γάλλος Alfred Sisley ήταν δεύτερος μόνο μετά τον Monet στην αφοσίωσή του στον αυθόρμητο plein airism: ήταν ο μόνος ιμπρεσιονιστής που αφοσιώθηκε αποκλειστικά στη ζωγραφική τοπίου. Η σοβαρά υποτιμημένη φήμη του βασίζεται στην ικανότητά του να αποτυπώνει τα μοναδικά εφέ του φωτός και τις εποχές σε μαγευτικά τοπία και σκηνές θάλασσας και ποταμών. Η εικόνα του για την αυγή και μια ασαφή μέρα είναι ιδιαίτερα αξιομνημόνευτη. Στις μέρες μας δεν είναι ιδιαίτερα δημοφιλής, αλλά εξακολουθεί να θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους της ιμπρεσιονιστικής ζωγραφικής τοπίου. Θα μπορούσε κάλλιστα να είναι υπερεκτιμημένο αφού, σε αντίθεση με τον Μονέ, το έργο του δεν υπέφερε ποτέ από έλλειψη φόρμας.
Διάσημα τοπία του Alfred Sisley:
- «Ομιχλώδες πρωί» (1874), λάδι σε καμβά, Μουσείο Ορσέ
- «Snow at Louveciennes» (1878), λάδι σε καμβά, Μουσείο Orsay, Παρίσι
- «Morette Bridge in the Sun» (1892), λάδι σε καμβά, ιδιωτική συλλογή
Νο. 7 Albert Cuyp (1620-1691)
Ο Ολλανδός ρεαλιστής ζωγράφος, ο Aelbert Kuip είναι ένας από τους πιο διάσημους Ολλανδούς τοπιογράφους. Η υπέροχη γραφική του θέα, οι σκηνές του ποταμού και τα τοπία με ήρεμα βοοειδή, δείχνουν μια μεγαλειώδη γαλήνη και έναν αριστοτεχνικό χειρισμό του λαμπερού φωτός (πρωί ή απογευματινός ήλιος) σε ιταλικό στυλ είναι σημάδι της μεγάλης επιρροής του Klodeev. Αυτό το χρυσό φως συχνά πιάνει μόνο τις πλευρές και τις άκρες φυτών, νεφών ή ζώων μέσω εφέ φωτισμού impasto. Έτσι, ο Cuyp μετέτρεψε την πατρίδα του Dordrecht σε έναν φανταστικό κόσμο, αντανακλώντας τον στην αρχή ή το τέλος μιας ιδανικής ημέρας, με μια συνολική αίσθηση σιωπής και ασφάλειας και την αρμονία των πάντων με τη φύση. Δημοφιλές στην Ολλανδία, είχε μεγάλη εκτίμηση και συγκεντρώθηκε στην Αγγλία.
Διάσημα τοπία του Albert Cuyp:
- «Άποψη της Ντόρντρεχτ από το βορρά» (1650), λάδι σε καμβά, συλλογή του Anthony de Rothschild
- «River Landscape with Horseman and Peasants» (1658), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
Νο. 6 Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)
Ο Jean-Baptiste Corot, ένας από τους μεγαλύτερους τοπιογράφους του ρομαντικού στυλ, φημίζεται για τις αξέχαστες γραφικές απεικονίσεις της φύσης. Η ιδιαίτερα λεπτή προσέγγισή του στην απόσταση, το φως και τη φόρμα εξαρτιόταν από τον τόνο και όχι από το σχέδιο και το χρώμα, δίνοντας στην τελική σύνθεση την ατμόσφαιρα ενός ατελείωτου ρομαντισμού. Λιγότερο περιορισμένη από την εικαστική θεωρία, το έργο του Korot κατατάσσεται ωστόσο ανάμεσα στα πιο δημοφιλή τοπία του κόσμου. Τακτικός συμμετέχων στο Salon του Παρισιού από το 1827 και μέλος της Σχολής Barbizon με επικεφαλής τον Théodore Rousseau (1812-1867), είχε τεράστια επιρροή σε άλλους καλλιτέχνες όπως ο Charles-François Daubigny (1817-1878), ο Camille Pissarro. (1830-1903). ) και Alfred Sisley (1839-1899). Ήταν επίσης ένας εξαιρετικά γενναιόδωρος άνθρωπος που ξόδευε μεγάλο μέρος των χρημάτων του σε καλλιτέχνες που είχαν ανάγκη.
Διάσημα τοπία του Jean-Baptiste Corot:
- «Γέφυρα στο Νάρνι» (1826), λάδι σε καμβά, Λούβρο
- «Ville d'Avrey» (περίπου 1867), λάδι σε καμβά, Μουσείο Τέχνης του Μπρούκλιν, Νέα Υόρκη
- «Rural Landscape» (1875), λάδι σε καμβά, Μουσείο Toulouse-Lautrec, Albi, Γαλλία
Νο. 5 Jacob van Ruisdael (1628-1682)
Το έργο του Jacob Van Ruisdael, που θεωρείται πλέον ο μεγαλύτερος από όλους τους Ολλανδούς ρεαλιστές τοπιογράφους, είχε τεράστια επιρροή στη μεταγενέστερη ευρωπαϊκή τέχνη τοπίου, παρά το γεγονός ότι κατά τη διάρκεια της ζωής του ήταν λιγότερο δημοφιλής από τους καλλιτέχνες Ιταλικό στυλ. Τα θέματά του περιελάμβαναν ανεμόμυλους, ποτάμια, δάση, χωράφια, παραλίες και θαλασσινά τοπία, που απεικονίζονταν με μια ασυνήθιστα συγκινητική αίσθηση, χρησιμοποιώντας έντονα σχήματα, πυκνά χρώματα και ενεργητικές χοντρές πινελιές, αντί για τη συνήθη εστίαση στον τόνο. Ο Jacob, μαθητής του θείου του Salomon van Ruisdael, δίδαξε με τη σειρά του τον περίφημο Meindert Hobbema (1638-1709) και θαύμαζε πολύ τους Άγγλους δασκάλους όπως ο Thomas Gainsborough και ο John Constable, καθώς και μέλη της Σχολής Barbizon.
Διάσημα τοπία του Jacob van Ruisdael:
- «Τοπίο με βοσκούς και αγρότες» (1665), λάδι σε καμβά, Γκαλερί Ουφίτσι
- «Mill in Wijk near Duarsted» (1670), λάδι σε καμβά, Rijksmuseum
- «Εβραϊκό νεκροταφείο στο Ouderkerk» (1670), Gallery of Old Masters, Δρέσδη
Νο. 4 Claude Lorrain (1600-1682)
Γάλλος ζωγράφος, σχεδιαστής και χαράκτης, που δραστηριοποιείται στη Ρώμη, ο οποίος θεωρείται από πολλούς ιστορικούς τέχνης ως ο μεγαλύτερος ζωγράφος του ειδυλλιακού τοπίου στην ιστορία της τέχνης. Δεδομένου ότι το καθαρό (δηλαδή, κοσμικό και μη κλασικό) τοπίο, όπως η συνηθισμένη νεκρή φύση ή η ζωγραφική του είδους, στερούνταν ηθικής βαρύτητας (στη Ρώμη του 17ου αιώνα), ο Claude Lorrain εισήγαγε κλασικά στοιχεία και μυθολογικά θέματα στις συνθέσεις του, συμπεριλαμβανομένων θεών, ηρώων και αγίων. . Επιπλέον, το περιβάλλον της επιλογής του, εξοχήγύρω από τη Ρώμη, ήταν πλούσια σε αρχαία ερείπια. Αυτά τα κλασικά ιταλικά ποιμενικά τοπία ήταν επίσης εμποτισμένα με ένα ποιητικό φως που αντιπροσωπεύει τη μοναδική συνεισφορά του στην τέχνη της τοπογραφίας. Ο Claude Lorraine επηρέασε ιδιαίτερα τους Άγγλους καλλιτέχνες, τόσο κατά τη διάρκεια της ζωής του όσο και για δύο αιώνες μετά: ο John Constable τον αποκάλεσε «τον καλύτερο τοπιογράφο που έχει δει ποτέ ο κόσμος».
Διάσημα τοπία του Claude Lorrain:
- « Σύγχρονη Ρώμη- Campo Vaccino» (1636), λάδι σε καμβά, Λούβρο
- «Τοπίο με τον γάμο του Ισαάκ και της Ρεβέκκας» (1648), λάδι, Εθνική Πινακοθήκη
- «Τοπίο με τον Τοβία και τον άγγελο» (1663), λάδι, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη
#3 John Constable (1776-1837)
Κατατάσσεται δίπλα στον Turner ως ένας από τους καλύτερους Άγγλους τοπιογράφους, κυρίως λόγω της εξαιρετικής ικανότητάς του να αναδημιουργεί τα χρώματα, το κλίμα και το αγροτικό τοπίο της ρομαντικής αγγλικής υπαίθρου και λόγω του πρωτοποριακού του ρόλου στην ανάπτυξη του plein airism. Σε αντίθεση με το ξεκάθαρα ερμηνευτικό στυλ του Turner, ο John Constable εστίασε στη φύση, ζωγραφίζοντας τα τοπία του Suffolk και του Hampstead που γνώριζε τόσο καλά. Ωστόσο, οι αυθόρμητες, φρέσκες συνθέσεις του ήταν συχνά προσεκτικές ανακατασκευές, οι οποίες οφείλονταν πολλά στη στενή μελέτη του ολλανδικού ρεαλισμού, καθώς και στα ιταλοποιημένα έργα στο πνεύμα του Claude Lorrain. Ο διάσημος καλλιτέχνης Henry Fusli σχολίασε κάποτε ότι οι ρεαλιστικές, νατουραλιστικές απεικονίσεις του Constable τον έκαναν πάντα να ζητά την προστασία τους!
Διάσημα τοπία του John Constable:
- «Building a Boat at Flatward» (1815), λάδι, Μουσείο Victoria and Albert, Λονδίνο
- «Hay Wagon» (1821), λάδι σε καμβά, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
Νο. 2 Claude Monet (1840-1926)
Ο μεγαλύτερος μοντέρνος τοπιογράφος και γίγαντας της γαλλικής ζωγραφικής, ο Μονέ ήταν ηγετική φυσιογνωμία στο απίστευτα επιδραστικό κίνημα των ιμπρεσιονιστών, στις αρχές του οποίου έμεινε πιστός για την υπόλοιπη ζωή του αυθόρμητης ζωγραφικής στον αέρα. Ένας στενός φίλος των ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών Renoir και Pissarro, η επιδίωξή του για την οπτική αλήθεια, κυρίως στην απεικόνιση του φωτός, αντιπροσωπεύεται από μια σειρά καμβάδων που απεικονίζουν το ίδιο αντικείμενο σε διαφορετικές συνθήκες φωτισμού και σε διαφορετικές ώρες της ημέρας, όπως οι θημωνιές (1888). ), Poplars (1891), Καθεδρικός Ναός της Ρουέν (1892) και The River Thames (1899). Αυτή η μέθοδος κορυφώθηκε με τη διάσημη σειρά Water Lilies (μεταξύ όλων των πιο διάσημων τοπίων), που δημιουργήθηκε από το 1883 στον κήπο του στο Giverny. Η τελευταία του σειρά μνημειακών σχεδίων με νούφαρα με αστραφτερά λουλούδια έχουν ερμηνευτεί από πολλούς ιστορικούς τέχνης και ζωγράφους ως σημαντικό πρόδρομο της αφηρημένης τέχνης και από άλλους ως το υπέρτατο παράδειγμα της αναζήτησης του Μονέ για αυθόρμητο νατουραλισμό.