Οι συλλογές των μουσείων και των γκαλερί της Μόσχας είναι από τις πλουσιότερες στον κόσμο. Πριν από περισσότερα από 150 χρόνια, οι Ρώσοι θαμώνες και συλλέκτες άρχισαν να συλλέγουν τα περισσότερα διάσημους πίνακεςκόσμο, μοναδικές καλλιτεχνικές δημιουργίες, που δεν φείδονται ούτε χρημάτων ούτε χρόνου για την αναζήτηση ταλέντων. Και για να μην χαθείτε στους δεκάδες χιλιάδες πίνακες που παρουσιάζονται, επιλέξαμε για εσάς τους διάσημους πίνακες του κόσμου που παρουσιάζονται σε μουσεία και γκαλερί στη Μόσχα

Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov, 1881-1898

Για σχεδόν είκοσι χρόνια, ο Βίκτορ Μιχαήλοβιτς εργάστηκε σε ένα από τα μεγαλύτερα έργα τέχνης στη Ρωσία, ένα αριστούργημα που έχει γίνει σύμβολο της δύναμης του ρωσικού λαού. Ο Βασνέτσοφ θεώρησε αυτή την εικόνα το δημιουργικό του καθήκον, μια υποχρέωση προς την πατρίδα του. Στο κέντρο της εικόνας βρίσκονται τρεις κύριοι χαρακτήρες των ρωσικών επών: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets και Alyosha Popovich. Το πρωτότυπο της Alyosha Popovich ήταν μικρότερος γιοςΟ Savva Mamontov, αλλά ο Dobrynya Nikitich είναι μια συλλογική εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη, του πατέρα και του παππού του.

Φωτογραφία: wikimedia.org

«Άγνωστος», Ivan Kramskoy, 1883

Μια μυστικιστική εικόνα τυλιγμένη σε μια αύρα μυστηρίου. Πολλές φορές άλλαζε τους ιδιοκτήτες της, καθώς οι γυναίκες υποστήριζαν ότι με μια πολύωρη παραμονή κοντά σε αυτό το πορτρέτο, έχασαν τα νιάτα και την ομορφιά τους. Είναι περίεργο ότι ακόμη και ο Πάβελ Τρετιακόφ δεν ήθελε να το αγοράσει για τη συλλογή του και το έργο εμφανίστηκε στη γκαλερί μόνο το 1925 ως αποτέλεσμα της εθνικοποίησης των ιδιωτικών συλλογών. Μόνο στη σοβιετική εποχή, το "Άγνωστο" του Kramskoy αναγνωρίστηκε ως το ιδανικό της ομορφιάς και της πνευματικότητας. Είναι εύκολο να αναγνωρίσεις στο βάθος τους πίνακες της Nevsky Prospekt, ή μάλλον της γέφυρας Anichkov, κατά μήκος της οποίας περνάει χαριτωμένα το «άγνωστο» σε μια κομψή άμαξα. Ποιο είναι αυτό το κορίτσι? Άλλο ένα μυστήριο που άφησε ο καλλιτέχνης. Ούτε στα γράμματα ούτε στα ημερολόγια η Kramskoy δεν άφησε καμία αναφορά στην προσωπικότητά της και οι εκδοχές διαφέρουν: από την κόρη του συγγραφέα μέχρι την Άννα Καρένινα Τολστόι.

Φωτογραφία: dreamwidth.org

«Πρωί σε ένα πευκοδάσος», Ιβάν Σίσκιν και Κονσταντίν Σαβίτσκι, 1889

Λίγοι γνωρίζουν ότι εκτός από τον Ivan Shishkin, ένας άλλος γνωστός Ρώσος καλλιτέχνης συμμετείχε στη δημιουργία αυτής της εικόνας, του οποίου η υπογραφή, με την επιμονή του Pavel Tretyakov, διαγράφηκε. Ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, ο οποίος είχε εξαιρετικό ταλέντο ως ζωγράφος, απεικόνιζε το μεγαλείο του δάσους που ξυπνούσε, αλλά η δημιουργία αρκούδων που παίζουν ανήκει στο πινέλο του φίλου του, Κονσταντίν Σαβίτσκι. Αυτή η εικόνα έχει ένα άλλο όνομα, λαϊκό - "Three Bears", το οποίο εμφανίστηκε χάρη στο διάσημο εργοστάσιο καραμελών "Red October".

Φωτογραφία: wikimedia.org

Καθιστός δαίμονας, Μιχαήλ Βρούμπελ, 1890

Η Γκαλερί Τρετιακόφ είναι ένας μοναδικός χώρος για τους θαυμαστές του έργου του Μιχαήλ Βρούμπελ, καθώς φιλοξενεί την πιο ολοκληρωμένη συλλογή των έργων του. Το θέμα του δαίμονα, που προσωποποιεί την εσωτερική πάλη του μεγαλείου του ανθρώπινου πνεύματος με αμφιβολίες και βάσανα, έχει γίνει το κύριο πράγμα στο έργο του καλλιτέχνη και ένα εκπληκτικό φαινόμενο στην παγκόσμια ζωγραφική.

Το "Seated Demon" είναι η πιο διάσημη από αυτές τις εικόνες του Vrubel. Η εικόνα δημιουργήθηκε με αρκετά μεγάλες, αιχμηρές πινελιές ενός μαχαιριού παλέτας, που θυμίζει μωσαϊκό από μακριά.

Φωτογραφία: muzei-mira.com

"Boyar Morozova", Vasily Surikov, 1884-1887

Ο γιγαντιαίος επικός ιστορικός καμβάς ζωγραφίστηκε με βάση την ιστορία του Boyar Morozova, συνεργάτη των οπαδών της παλιάς πίστης. Ο συγγραφέας αναζητούσε εδώ και πολύ καιρό ένα κατάλληλο πρόσωπο - αναίμακτο, φανατικό, από το οποίο θα μπορούσε να γράψει ένα πορτρέτο σκίτσο του κύριου χαρακτήρα. Ο Σουρίκοφ υπενθύμισε ότι το κλειδί για την εικόνα της Μορόζοβα δόθηκε μια φορά από ένα κοράκι με σπασμένο φτερό, το οποίο χτυπούσε απελπισμένα στο χιόνι.

Φωτογραφία: gallery-allart.do.am

«Ο Ιβάν ο Τρομερός και ο γιος του Ιβάν στις 16 Νοεμβρίου 1581» ή «Ο Ιβάν ο Τρομερός σκοτώνει τον γιο του», Ίλια Ρέπιν, 1883-1885

Αυτή η εικόνα δεν αφήνει κανέναν επισκέπτη της γκαλερί ασυγκίνητο: προκαλεί άγχος, ανεξήγητο φόβο, ελκύει και απωθεί ταυτόχρονα, γοητεύει και σε ξενίζει. Σχετικά με το αίσθημα του άγχους και του ενθουσιασμού του κατά τη δημιουργία της εικόνας, ο Ρέπιν έγραψε: «Δούλεψα σαν μαγεμένος. Έγινε τρομακτικό για λίγα λεπτά. Γύρισα μακριά από αυτή την εικόνα. Κρύβοντάς την. Αλλά κάτι με οδήγησε κοντά της και δούλεψα ξανά. Μερικές φορές έτρεμα και τότε το συναίσθημα ενός εφιάλτη θαμπωνόταν…». Ο καλλιτέχνης κατάφερε να τελειώσει τον πίνακα μέχρι την 300ή επέτειο του θανάτου του Ιβάν του Τρομερού, αλλά το αριστούργημα δεν εμφανίστηκε αμέσως στο κοινό: για τρεις μήνες ο πίνακας βρισκόταν υπό απαγόρευση λογοκρισίας. Λένε ότι με μυστικιστικό τρόπο, η εικόνα έφερε προβλήματα στον δημιουργό της και στους ανθρώπους που συμμετείχαν στη δημιουργία της. Μετά την ολοκλήρωση του πίνακα, ο Ρέπιν έχασε το χέρι του και ο φίλος του καλλιτέχνη, που πόζαρε για τον πίνακα στον ρόλο του δολοφονημένου Ιβάν, τρελάθηκε.

Φωτογραφία: artpoisk.info

«Κορίτσι με ροδάκινα», Valentin Serov, 1887

Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους, φρέσκους και λυρικούς πίνακες του τέλους του 19ου αιώνα. Η νιότη και η δίψα για ζωή γίνονται εδώ σε κάθε χτύπημα του πολύ νεαρού (22 ετών) Valentin Serov, στο ελαφρύ, μόλις αντιληπτό χαμόγελο της Verochka Mamontova, κόρης γνωστού επιχειρηματία και φιλάνθρωπου, καθώς και σε ένα φωτεινό και άνετο δωμάτιο, η ζεστασιά του οποίου διαχέεται στον θεατή του.

Αργότερα, ο Serov έγινε ένας από τους καλύτερους ζωγράφους πορτρέτων, αναγνωρίστηκε σχεδόν σε όλο τον κόσμο και απαθανάτισε πολλούς διάσημους σύγχρονους, αλλά το κορίτσι με τα ροδάκινα εξακολουθεί να είναι το πιο διάσημο έργο του.

Φωτογραφία: allpainters.ru

«Λούζοντας το κόκκινο άλογο», Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Οι κριτικοί τέχνης αποκαλούν αυτή την εικόνα οραματιστική. Πιστεύουν ότι ο συγγραφέας προέβλεψε συμβολικά την «κόκκινη» μοίρα της Ρωσίας τον 20ο αιώνα, απεικονίζοντάς την με τη μορφή ενός αλόγου αγώνων.

Το έργο του Petrov-Vodkin δεν είναι απλώς μια εικόνα, αλλά ένα σύμβολο, μια διορατικότητα, ένα μανιφέστο. Οι σύγχρονοι συγκρίνουν τη δύναμη της επιρροής του με το «Μαύρο τετράγωνο» του Kazimir Malevich, το οποίο μπορείτε επίσης να δείτε στην γκαλερί Tretyakov.

Φωτογραφία: wikiart.org

"Μαύρο τετράγωνο", Kazemir Malevich, 1915

Αυτή η εικόνα ονομάζεται η εικόνα των μελλοντολόγους, την οποία έβαλαν στη θέση της Madonna. Σύμφωνα με τον συγγραφέα, χρειάστηκαν αρκετοί μήνες για να δημιουργηθεί και έγινε μέρος ενός τρίπτυχου, που περιλάμβανε επίσης τον «Μαύρο Κύκλο» και τον «Μαύρο Σταυρό». Όπως αποδείχθηκε, ο Malevich ζωγράφισε το κύριο στρώμα του πίνακα με διαφορετικά χρώματα και αν κοιτάξετε προσεκτικά, θα δείτε ότι οι γωνίες του τετραγώνου δύσκολα μπορούν να ονομαστούν ευθείες. Στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, είναι δύσκολο να βρει κανείς πίνακα με πιο δυνατή φήμη από το Μαύρο τετράγωνο του Kazimir Malevich. Αντιγράφεται, μιμείται, αλλά το αριστούργημά του είναι μοναδικό.

Φωτογραφία: wikimedia.org

Πινακοθήκη Ευρωπαϊκής και Αμερικανικής Τέχνης 19ου-20ου αιώνα. Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών με το όνομα A.S. Πούσκιν

«Πορτρέτο της Ζαν Σαμάρι», Πιερ-Ογκίστ Ρενουάρ, 1877

Είναι παράδοξο ότι αυτός ο πίνακας σχεδιάστηκε αρχικά από τον καλλιτέχνη μόνο ως προπαρασκευαστική μελέτη για το επίσημο πορτρέτο της Γαλλίδας ηθοποιού Jeanne Samary, το οποίο μπορεί να δει κανείς στο Ερμιτάζ. Αλλά τελικά, οι κριτικοί τέχνης συμφώνησαν ομόφωνα ότι αυτό είναι το καλύτερο από όλα τα πορτρέτα του Ρενουάρ της ηθοποιού. Ο καλλιτέχνης συνδύασε τόσο επιδέξια τους τόνους και τους ημίτονο του φορέματος του Samari που ως αποτέλεσμα η εικόνα άρχισε να παίζει με ένα ασυνήθιστο οπτικό εφέ: όταν το βλέπει κανείς από μια συγκεκριμένη γωνία, το πράσινο φόρεμα της Jeanne γίνεται μπλε.

Φωτογραφία: art-shmart.livejournal.com

Boulevard des Capucines στο Παρίσι, Claude Monet, 1873

Αυτό είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα έργα του Claude Monet - η υπερηφάνεια και η κληρονομιά του Μουσείου Πούσκιν. Από κοντινή απόσταση, μόνο μικρές πινελιές είναι ορατές στην εικόνα, αλλά αξίζει να κάνετε λίγα βήματα πίσω, καθώς η εικόνα ζωντανεύει: το Παρίσι αναπνέει καθαρό αέρα, οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν το πλήθος που βράζει, που κινείται ανόητα κατά μήκος της λεωφόρου, και φαίνεται ότι μπορείτε να ακούσετε ακόμη και τον βόμβο της πόλης, που ακούγεται πολύ έξω από την εικόνα. Αυτή είναι η ικανότητα του μεγάλου ιμπρεσιονιστή Μονέ: για μια στιγμή ξεχνάς το επίπεδο του καμβά και διαλύεσαι στην ψευδαίσθηση που δημιούργησε επιδέξια ο καλλιτέχνης.

Φωτογραφία: nb12.ru

Prisoner's Walk, Βαν Γκογκ, 1890

Υπάρχει κάτι συμβολικό στο γεγονός ότι ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε το Prisoner's Walk, μια από τις πιο οδυνηρές δημιουργίες του, στο νοσοκομείο, όπου κατέληξε αρχικά λόγω της εμφάνισης ψυχικής ασθένειας. Επιπλέον, αν κοιτάξετε προσεκτικά, μπορείτε να δείτε καθαρά ότι ο κεντρικός χαρακτήρας της εικόνας είναι προικισμένος με χαρακτηριστικά από καλλιτέχνες. Παρά τη χρήση καθαρών αποχρώσεων μπλε, πράσινου και μοβ χρωμάτων, το χρώμα του καμβά φαίνεται ζοφερό και οι κρατούμενοι που κινούνται σε κύκλο φαίνεται να λένε ότι δεν υπάρχει διέξοδος από το αδιέξοδο όπου η ζωή μοιάζει με φαύλο κύκλο.

Φωτογραφία: description-kartin.com

The King's Wife, Paul Gauguin, 1896

Αυτό το έργο του καλλιτέχνη θεωρείται από πολλούς κριτικούς τέχνης ως ένα μοναδικό μαργαριτάρι ανάμεσα στα διάσημα γυμνά κορίτσια της ευρωπαϊκής τέχνης. Γράφτηκε από τον Γκωγκέν κατά τη δεύτερη παραμονή του στην Ταϊτή. Παρεμπιπτόντως, ο πίνακας απεικονίζει τη σύζυγο όχι του βασιλιά, αλλά του ίδιου του Gauguin - της 13χρονης Tekhura. Το εξωτικό και γραφικό τοπίο της εικόνας δεν μπορεί παρά να προκαλέσει θαυμασμό - πληθώρα χρωμάτων και πρασίνου, χρωματιστά δέντρα και η ακτή γίνεται μπλε στο βάθος.

Φωτογραφία: stsvv.livejournal.com

Blue Dancers, Edgar Degas, 1897

Τα έργα του Γάλλου ιμπρεσιονιστή Edgar Degas συνεισέφεραν ανεκτίμητη στην ιστορία της παγκόσμιας και γαλλικής καλών τεχνών. Ο πίνακας «Μπλε Χορευτές» αναγνωρίζεται ως ένας από τους τα καλύτερα έργαΟ Ντεγκά με θέμα το μπαλέτο, στο οποίο αφιέρωσε πολλούς από τους πιο εξαιρετικούς πίνακές του. Η εικόνα είναι φτιαγμένη σε παστέλ, που ο καλλιτέχνης αγάπησε ιδιαίτερα για τον κομψό συνδυασμό χρωμάτων και γραμμών. Το «Blue Dancers» αναφέρεται στην ύστερη περίοδο της δουλειάς του καλλιτέχνη, όταν η όρασή του εξασθενούσε, και άρχισε να δουλεύει με μεγάλες χρωματικές κηλίδες.

Φωτογραφία: nearyou.ru

«Κορίτσι σε μπάλα», Πάμπλο Πικάσο, 1905

Ένα από τα πιο διάσημα και σημαντικά έργα της «ροζ περιόδου» του Πάμπλο Πικάσο εμφανίστηκε στη Ρωσία χάρη στον φιλάνθρωπο και συλλέκτη Ιβάν Μορόζοφ, ο οποίος το απέκτησε το 1913 για την προσωπική του συλλογή. Το μπλε χρώμα, στο οποίο ζωγραφίστηκαν σχεδόν όλα τα έργα της προηγούμενης δύσκολης περιόδου του καλλιτέχνη, εξακολουθεί να υπάρχει στο έργο, αλλά εξασθενεί αισθητά, δίνοντας τη θέση του σε ένα πιο ανοιχτό και χαρούμενο ροζ. Οι πίνακες του Πικάσο είναι εύκολα αναγνωρίσιμοι: δείχνουν ξεκάθαρα την ψυχή του συγγραφέα και την εξαιρετική αντίληψή του για τον κόσμο γύρω του. Και όπως είπε ο ίδιος ο καλλιτέχνης: «Θα μπορούσα να ζωγραφίζω όπως ο Ραφαήλ, αλλά θα μου πάρει όλη μου τη ζωή για να μάθω πώς να ζωγραφίζω όπως ζωγραφίζει ένα παιδί».

Φωτογραφία: dawn.com

Διεύθυνση: Lavrushinsky Lane, 10

Μόνιμη έκθεση «Τέχνη του 20ου αιώνα» και αίθουσες εκθέσεων

Διεύθυνση: Krymsky Val, 10

Λειτουργία λειτουργίας:

Τρίτη, Τετάρτη, Κυριακή - από τις 10.00 έως τις 18.00

Πέμπτη, Παρασκευή, Σάββατο - από τις 10.00 έως τις 21.00

Δευτέρα - ρεπό

Τιμή εισιτηρίου εισόδου:

Ενήλικες - 400 ρούβλια (6$)

Πινακοθήκη Ευρωπαϊκής και Αμερικανικής Τέχνης 19ου-20ου αιώνα.

Διεύθυνση:Μόσχα, Αγ. Volkhonka, 14

Λειτουργία λειτουργίας:

Τρίτη, Τετάρτη, Παρασκευή, Σάββατο, Κυριακή - από τις 11:00 έως τις 20:00

Πέμπτη - από τις 11:00 έως τις 21:00

Δευτέρα - ρεπό

Τιμή εισιτηρίου εισόδου:

Ενήλικες - 300 ρούβλια (4,5 $), την Παρασκευή από τις 17:00 - 400 ρούβλια (6 $)

Μειωμένο εισιτήριο - 150 ρούβλια (2,5 $), την Παρασκευή από τις 17:00 - 200 ρούβλια (3 $)

Παιδιά κάτω των 16 ετών δωρεάν

Ιδιοφυΐες, καινοτόμοι, καβγατζήδες, πρωτοπόροι που είχαν απίστευτο αντίκτυπο στον παγκόσμιο πολιτισμό. Οι μεγαλύτεροι Ρώσοι καλλιτέχνες - ποιοι είναι;

Οι 7 κορυφαίοι Ρώσοι καλλιτέχνες

Μεταξύ των πιο σημαντικών και σημαντικών Ρώσων καλλιτεχνών:

1. Καζιμίρ Μάλεβιτς(1879-1935) - ο συγγραφέας του πιο αμφιλεγόμενου έργου στην ιστορία της παγκόσμιας ζωγραφικής, "Black Square". Ωστόσο, η κληρονομιά του Μάλεβιτς είναι μεγάλη και περιλαμβάνει, συγκεκριμένα, όχι μόνο τα «Μαύρα», αλλά και τα «Κόκκινα» και «Λευκά» τετράγωνα. Ο πιο σκανδαλώδης και πιο ακριβός από τους Ρώσους καλλιτέχνες. Το αριστούργημα του Suprematist Composition πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για 60 εκατομμύρια δολάρια.

"Συπρεματιστική σύνθεση"

2. Ιβάν Αϊβαζόφσκι(1817-1900) - ο μεγαλύτερος Ρώσος ναυτικός ζωγράφος, συγγραφέας του αθάνατου "Το ένατο κύμα". Ο πιο παραγωγικός καλλιτέχνης - ζωγράφισε περισσότερους από 6 χιλιάδες πίνακες. Λόγω της τεράστιας κληρονομιάς, είναι ταυτόχρονα ένας από τους πιο παραποιημένους καλλιτέχνες στον κόσμο. Ευρέως γνωστό στη Δύση, τα έργα του πωλούνται τακτικά σε δημοπρασίες, συμπεριλαμβανομένου του Sotheby's.

Ένατο Κύμα

3. Βίκτορ Βασνέτσοφ(1848-1936) - ίσως ο πιο Ρώσος από όλους τους Ρώσους καλλιτέχνες. Γνωστό για έργα που τραγουδούν φολκλόρ, παραμύθια, έπη. Όχι μόνο ο συγγραφέας του "Three Heroes", αλλά και ένας από τους προγραμματιστές της σοβιετικής Budyonovka.

4. Kuzma Petrov-Vodkin(1878-1939) - ο πιο επαναστατικός καλλιτέχνης. Ο πίνακας "Bathing the Red Horse" προέβλεψε προφητικά τρομερές ανατροπές στη Ρωσία. Αν και δεχόταν συχνά κριτική για ερωτισμό (απεικόνισε με τόλμη όχι μόνο γυμνές γυναίκες, αλλά και άνδρες), γενικά μπορεί να θεωρηθεί ο πρόδρομος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Σε ξένες δημοπρασίες, όχι τόσο τα επαναστατικά του έργα όσο οι νεκρές φύσεις χαίρουν μεγάλης επιτυχίας.

"Λούζοντας το κόκκινο άλογο"

5. Vasily Vereshchagin(1842-1904) - ζωγράφος μάχης, διάσημος για την τεκμηρίωση της φρίκης του πολέμου. Πλέον αξιόλογο έργο- «Η Αποθέωση του Πολέμου», που απεικονίζει ένα σωρό κρανία, λευκασμένα από τον καυτό ήλιο. Για δεκαετίες παρενοχλούνταν από την τσαρική κυβέρνηση για την ειρηνιστική του θέση. Ταυτόχρονα, απολάμβανε απίστευτη δημοτικότητα τόσο στη Ρωσία όσο και στη Δύση. Την έκθεσή του στην Αγία Πετρούπολη το 1880 επισκέφτηκαν 240 χιλιάδες άτομα (σε 40 ημέρες), στο Βερολίνο - 140 χιλιάδες άτομα (σε 65 ημέρες), στη Βιέννη - 110 χιλιάδες (σε 28 ημέρες). Τέτοια φήμη δεν ονειρεύονται πολλοί αστέρες της ποπ της εποχής μας.

«Αποθέωση του πολέμου»

6. Βλαντιμίρ Τάτλιν(1885–1953) – ιδρυτής του κονστρουκτιβισμού, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, γραφίστας. Το καλλιτεχνικό του έργο, παρόμοιο σε στυλ με τις πρώιμες δημιουργίες του Πικάσο, εκτίθεται στο Μουσείο Πομπιντού στο Παρίσι και στη Βιβλιοθήκη της Οξφόρδης. Το αριστούργημά του «Ο Πύργος του Τάτλιν» είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα και επαναλαμβανόμενα σύμβολα της avant-garde στον κόσμο. Γνώρισε μεγάλη επιτυχία στη Δύση ("η μηχανική τέχνη του Τάτλιν"), ενέπνευσε μια ολόκληρη γενιά καλλιτεχνών Νταντά, συμπεριλαμβανομένου του Γάλλου δεξιοτέχνη του σουρεαλισμού Marcel Duchamp.

"Ο Πύργος του Τάτλιν"

7. Ilya Glazunov(γεννημένος το 1930) είναι ο πιο μνημειώδης Ρώσος καλλιτέχνης. Ο πιο διάσημος είναι ο πίνακας του "Αιώνια Ρωσία" (μέγεθος - 3x6 m) - ένα γραφικό χρονικό της ρωσικής ιστορίας για το 988-1988, που χρονολογείται να συμπέσει με τη 1000η επέτειο από τη βάπτιση της Ρωσίας. Συνολικά, δημιούργησε περισσότερα από 3 χιλιάδες έργα (πορτρέτα, τοπία, ιστορικούς και πολιτικούς καμβάδες). Η φήμη του Glazunov είναι αναμφισβήτητη - κάποιος τον θεωρεί ιδιοφυΐα, κάποιος - καιροσκόπο. Ένα πράγμα είναι ξεκάθαρο - αυτή είναι μια φιγούρα τιτανικής κλίμακας, όπως οι καμβάδες του.

"Αιώνια Ρωσία"

Θα ήθελα να πιστεύω ότι στο μέλλον και στη Ρωσία θα υπάρξουν καλλιτέχνες που θα μπορούν να αλλάξουν τις ιδέες της ανθρωπότητας για την ομορφιά.

Αυτές οι εικόνες είναι αποτυπωμένες στη συνείδηση κάθε Ρώσου. Είναι γνωστά στον καθένα μας από την παιδική ηλικία. Αποτελούν αναπόσπαστο μέρος του ρωσικού πολιτισμού. Και έστω για αυτόν τον λόγο, τους αξίζει να μάθουμε λίγα περισσότερα για αυτούς.

Ας δούμε τη λίστα με τους πιο εξαιρετικούς πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών. Και το πιο σημαντικό - ας καταλάβουμε γιατί τους θαυμάζουν τόσο.

Και για να μην βαρεθείτε, αραιώστε σημαντικές γνώσεις ενδιαφέροντα γεγονότα. Μαθαίνουμε πώς ο Alexander Ivanov ήθελε να ξεπεράσει τον Karl Bryullov. Και ο Ilya Repin κατέστρεψε τους "Barge haulers" του λόγω της κριτικής του Ivan Shishkin.

1. "The Last Day of Pompeii" Bryullov (1833)

Karl Bryullov. Η τελευταία μέρα της Πομπηίας. 1833 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο.

Χωρίς υπερβολή, γνωρίζουμε για την τραγωδία της Πομπηίας κυρίως χάρη στον Karl Bryullov (1799-1852). Κάποτε έκανε θραύση και στην Ιταλία και στη Ρωσία με το αριστούργημα του. Και όλα αυτά επειδή βρήκε μια εκπληκτική ισορροπία μεταξύ αλήθειας και μυθοπλασίας.

Ο Bryullov απεικόνισε έναν πραγματικό δρόμο. Και μάλιστα μερικοί από τους ήρωες είναι αληθινοί άνθρωποι. Ο Bryullov είδε τα λείψανά τους κατά τη διάρκεια των ανασκαφών.

Αλλά ο καλλιτέχνης έδειξε αυτή την καταστροφή τρελά ... όμορφη. Κάτι που φυσικά δεν ήταν στην πραγματικότητα.

Αποδεικνύεται ότι ο θεατής συμπάσχει με αυτούς τους ανθρώπους. Όμως δεν τον τρομάζουν οι τρομερές λεπτομέρειες. Οι άτυχοι Bryullovs είναι θεϊκά όμορφοι ακόμη και μια στιγμή πριν τον θάνατο.

"The Last Day of Pompeii" κανείς δεν θα μπορούσε να ξεπεράσει σε δημοτικότητα μεταξύ των σύγχρονων. Ο καλλιτέχνης κρατήθηκε στα χέρια του: τελικά, χώρισε την ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής σε "πριν και μετά". Από τότε, από το 1833, όλος ο κόσμος άρχισε να μιλάει για τη ρωσική τέχνη.

2. Το ένατο κύμα του Aivazovsky (1850)

Ιβάν Αϊβαζόφσκι. Ένατο άξονα. 1850 Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη.

Ο Karl Bryullov είπε ότι ένιωσε αλάτι στα χείλη του όταν κοίταξε το «Ένατο Κύμα» του Ιβάν Αϊβαζόφσκι (1817-1900). Το ρεαλιστικό δεν είναι η σωστή λέξη. Δεν είναι όμως όλα τόσο απλά.

Στην ανοιχτή θάλασσα ΔΕΝ βρίσκονται ποδιές κυμάτων. Κάμψεις κοντά στα κύματα σχηματίζονται μόνο κοντά στην ακτή. Επομένως, οι σέρφερ στην ανοιχτή θάλασσα δεν έχουν καμία σχέση.

Ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι πήγε σε αυτό το κόλπο για να κάνει την ταραχή της φύσης ... πιο θεαματική. Άλλωστε, όπως ο Bryullov, ήταν ρομαντικός και τραγουδούσε το μεγαλείο των στοιχείων.

Το «Ένατο Κύμα» είχε όλες τις πιθανότητες να γίνει αριστούργημα. Ο Αϊβαζόφσκι ήταν ο μόνος Ρώσος ζωγράφος της θάλασσας εκείνη την εποχή. Ταυτόχρονα δούλευε απίστευτα επιδέξια. Επιπλέον, έδειξε τη συναισθηματική τραγωδία των ναυτικών.

3. «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους» του Ιβάνοφ (1857)

Αλεξάντερ Ιβάνοφ. Εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους. 1837-1857 Γκαλερί Tretyakov.

Ο Alexander Ivanov (1806-1858) ήθελε πολύ να ξεπεράσει τον Bryullov με την Πομπηία του. Πήρα τον καμβά 2 φορές περισσότερο. Και δούλεψε 4 φορές περισσότερο (20 χρόνια έναντι των πέντε του Bryullov).

Όμως κάτι πήγε στραβά. Κανείς δεν κουβαλούσε τον Ιβάνοφ στην αγκαλιά του (αν και το ήλπιζε). Ο θρίαμβος δεν έγινε.

Το κοινό δεν εκτίμησε τη σειρά των 35 χαρακτήρων σε πολύχρωμους χιτώνες. Επιπλέον, η εικόνα είναι δύσκολο να «διαβαστεί»: τελικά, καθένας από αυτούς τους χαρακτήρες έχει τη δική του αντίδραση στην πρώτη εμφάνιση του Χριστού! Κάποιος χαίρεται. Κάποιος αμφιβάλλει ότι αυτός είναι ο «Αμνός του Θεού». Και κάποιος θυμώνει, γιατί βρέθηκε νέος ανταγωνιστής.

Ναι, στην εικόνα δεν υπάρχει καμία θεαματική ταραχή των στοιχείων, όπως στους Bryullov και Aivazovsky. Και δεν υπάρχει λόγος να συμπάσχεις με την τραγική μοίρα των βασικών χαρακτήρων.

Και το κοινό συνήθισε τα ειδικά εφέ: αυτό δεν εντυπωσιάζεται. Λοιπόν, στις μέρες μας οι υπερπαραγωγές του Χόλιγουντ είναι επίσης πιο δημοφιλείς από τις ταινίες δημιουργού.

Αλλά στην πραγματικότητα, ο Ιβάνοφ έκανε μόνος του μια επανάσταση στη ρωσική ζωγραφική. Η μετάβαση από τις θεατρικές και πομπώδεις ιστορίες στις εμπειρίες των απλών ανθρώπων.

Και οι Ρώσοι ρεαλιστές (Repin, Kramskoy, Savrasov και άλλοι) έγιναν αυτό που τους ξέρουμε μόνο χάρη στα γραφικά κατορθώματα του Ivanov.

4. «The Rooks Have Arrived» του Σαβρασόφ (1871)

Alexey Savrasov. Οι πύργοι έχουν φτάσει. 1871 Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα.

Ο Alexei Savrasov (1830-1897), όπως ο Alexander Ivanov, έκανε επανάσταση. Αλλά πιο εξειδικευμένο. Στον τομέα του τοπίου.

Ήταν με το έργο "The Rooks Have Arrived" που ξεκίνησε η εποχή του mood τοπίου.

Η εικόνα έχει ένα παράδοξο.

Από τη μία το τοπίο είναι… βαρετό και μονόχρωμο. Και τι άλλο μπορείτε να περιμένετε από τα τέλη Μαρτίου, και μάλιστα στο περιποιημένο ρωσικό εξωτερικό; Εδώ παρέχεται λάσπη, γκρι χρώμα και φθορές.

Αλλά με κάποιο μαγικό τρόπο, όλα μας φαίνονται γλυκά και ειλικρινή. Το μυστικό βρίσκεται στη λεπτή κατεύθυνση του θεατή σε ευχάριστα συναισθήματα.

Μετά από όλα, ο καλλιτέχνης επέλεξε μια πολύ ενδιαφέρουσα στιγμή: είναι ακόμα κρύο, αλλά η ζέστη πρόκειται να έρθει. Μας αρέσει αυτή η αίσθηση επικείμενης αλλαγής προς το καλύτερο.

Εξ ου και οι ευχάριστες αισθήσεις, φαίνεται, χωρίς λόγο. Απλώς είναι ελάχιστα αντιληπτός.

Από τότε που ο Σαβράσοφ δημιούργησε τους «Πύργους» του το 1871, σχεδόν όλα τα ρωσικά τοπία ήταν ακριβώς έτσι - ποιητικά και κυκλοθυμικά.

5. Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα από τον Ρέπιν (1870-1873)

Ίλια Ρέπιν. Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα. 1870-1873 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο.

"Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα" - το κύριο αριστούργημα του Ilya Repin (1844-1930). Αν και ο καλλιτέχνης το δημιούργησε όταν δεν ήταν καν 30 ετών.

Ο πίνακας έγινε ιδιαίτερα δημοφιλής στη σοβιετική εποχή. Μια τέτοια πλοκή ήταν πολύ κατάλληλη για την ιδεολογία των καταπιεσμένων. Το είδαμε λοιπόν και στα σχολικά βιβλία και στα σπιρτόκουτα.

Θυμάστε, είπα παραπάνω για την επανάσταση του Alexander Ivanov; Ήταν ο πρώτος στη ρωσική ζωγραφική που έβαλε τους απλούς ανθρώπους σε μια σειρά και τους προίκισε με διαφορετικά συναισθήματα.

Έτσι ο Ρέπιν έμαθε όλα τα μαθήματα του Ιβάνοφ. Έφερε όμως τον ρεαλισμό στο απόλυτο.

Πραγματικοί μεταφορείς φορτηγίδων πόζαραν για τον καλλιτέχνη. Γνωρίζουμε τα ονόματα και τις τύχες τους (δηλαδή, αυτοί οι άνθρωποι ήταν τυχεροί: έμειναν στην ιστορία).

Δικα τους εμφάνισηαπίστευτα πιστευτό. Είναι αυτό το είδος ένδυσης που προέρχεται από πολλά χρόνια φορώντας και περπατώντας κατά μήκος του παραλιακού ανεμοφράκτη.

Από αυτή την άποψη, ο Ιβάνοφ ήταν ακόμα κλασικιστής: οι χιτώνες των ηρώων του είναι πολύ καθαροί, σαν σε βιτρίνα.

Αλλά όχι μόνο η κουρελιασμένη εμφάνιση των φτωχών μας κάνει να συμπάσχουμε μαζί τους.

Ο καλλιτέχνης σχεδίασε επίσης ένα ατμόπλοιο σε απόσταση. Όπως, οι κινητήρες έχουν ήδη εφευρεθεί και όλοι κοροϊδεύουν τους ανθρώπους. Ναι, στους Ρώσους καλλιτέχνες άρεσε να προσθέσουν αυτό το «Ω, πόσο κακό».

6. «Κορίτσι με ροδάκινα» Σερόφ (1887)

Βαλεντίν Σερόφ. Κορίτσι με ροδάκινα. 1887 Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα.

Ο Βαλεντίν Σερόφ (1865-1911) ήταν νεότερος ακόμη και από τον Ρέπιν όταν δημιούργησε το Κορίτσι με τα Ροδάκινα, το βασικό του αριστούργημα. Ήταν 22 ετών!

Προφανώς αυτό είναι ένα τέτοιο χαρακτηριστικό των Ρώσων καλλιτεχνών - να δώσουν τις κύριες δημιουργίες τους στη νεολαία τους: τι είναι ο Bryullov, τι είναι ο Repin. Και ο Σέροφ - εκεί επίσης.

Αλλά σοβαρά, κάτι άλλο είναι εντυπωσιακό σε αυτό το έργο. Είναι γραμμένο με στυλ. Και αυτό ήταν όταν στη Ρωσία δεν γνώριζαν σχεδόν τίποτα για αυτήν την κατεύθυνση της ζωγραφικής!

Αλλά ο Serov ζωγράφισε διαισθητικά μια εικόνα με χρωματιστές σκιές, πολύχρωμα αντανακλαστικά (έγχρωμες κηλίδες-αντανακλάσεις ορισμένων αντικειμένων σε άλλα), ορατές πινελιές.

7. «Morning in a Pine Forest» του Shishkin (1889)

Ιβάν Σίσκιν. Πρωί σε ένα πευκοδάσος. 1889 Πινακοθήκη Τρετιακόφ.

Ο Ivan Shishkin (1832-1898) είχε την πολυτέλεια να ασκήσει κριτική σε άλλους καλλιτέχνες. Έτσι, ο Ilya Repin το πήρε από αυτόν. Επίπληξε τα λανθασμένα βαμμένα δέντρα στον πίνακα "Barge Haulers on the Volga".

20.04.2017 στις 22:25 · pavlofox · 3 120

Οι πιο διάσημοι πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών

Η τέχνη θεωρείται ένα από τα πολυτιμότερα αγαθά του ανθρώπινου πολιτισμού εδώ και αρκετούς αιώνες. Πίνακες διάσημων καλλιτεχνών γίνονται κρατικοί θησαυροί, τους οποίους παρακολουθούν με εγρήγορση χιλιάδες ειδικοί και κοστίζουν εκατοντάδες εκατομμύρια δολάρια. Στη χώρα μας η τέχνη εκτιμάται πολύ λιγότερο, αλλά μάλλον όλοι γνωρίζουν τα παρακάτω οι πιο διάσημοι πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών. Κάθε μορφωμένος άνθρωπος πρέπει να γνωρίζει γι' αυτά.

10. Εμφάνιση Χριστού στους ανθρώπους | Αλεξάντερ Ιβάνοφ

«Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους»ανοίγει επαρκώς την κορυφή των πιο διάσημων έργων ζωγραφικής Ρώσων καλλιτεχνών. Ο Ρώσος καλλιτέχνης Alexander Ivanov έγινε διάσημος για τον πίνακα «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», τον οποίο ζωγράφιζε για είκοσι ολόκληρα χρόνια. Το μέγεθος της εικόνας είναι εκπληκτικό, όπως και η λεπτομέρεια της. Ο συγγραφέας εμπνεύστηκε, φυσικά, από ιστορίες από τη Βίβλο και απείχε πολύ από το πρώτο έργο του καλλιτέχνη σε θρησκευτικά θέματα - ο Ιβάνοφ ήξερε τι άρεσε σε όλους στην πρώτη εικόνα και το ενσάρκωσε ξανά - για τελευταία φορά. Η εικόνα ονομάστηκε από τους σύγχρονους όχι απλά καταπληκτική, αλλά το πιο σημαντικό γεγονός στη ζωή τους. Κατά ειρωνικό τρόπο, ο ίδιος ο Ιβάνοφ πέθανε την ίδια μέρα και ο τσάρος αγόρασε τον πίνακα αμέσως μετά το θάνατο του συγγραφέα.

9. Άνισος γάμος | Βασίλι Πουκίρεφ

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών θεωρείται ένας απίστευτα βαθύς πίνακας του Βασίλι Πουκίρεφ. Ο Πουκίρεφ είναι ένας αξιοσημείωτος χωρικός που έγινε διάσημος για μία μόνο εικόνα - όλα τα άλλα έργα του συγγραφέα ξεχάστηκαν. Γιατί «Άνισος Γάμος»; Η εικόνα περιγράφει μια πλοκή από τη ζωή του ίδιου του Pukirev - απεικονίζεται ακόμη και στην ίδια την εικόνα. Ο νεαρός Πουκίρεφ στέκεται στο βάθος με σταυρωμένα χέρια, ανίκανος να κάνει τίποτα, επειδή η αρραβωνιαστικιά του παντρεύεται έναν ηλικιωμένο στρατηγό. Ο ίδιος ο Κοστομάροφ, έχοντας δει τον καμβά, παντρεύτηκε μια νεαρή κοπέλα.

8. Έφτασαν πύργοι | Alexey Savrasov

«Οι πύργοι έχουν φτάσει»- ο πιο διάσημος πίνακας του Ρώσου καλλιτέχνη Alexei Savrasov. Ο πίνακας κέρδισε δημοτικότητα κατά την πρώτη του έκθεση, όπου εκτιμήθηκε για τον ρεαλισμό και την ειλικρίνειά του. «Τέτοια τοπία υπάρχουν μόνο στο Rooks», είπαν για τον πίνακα του Savrasov. Είναι ενδιαφέρον ότι η εκκλησία, η οποία απεικονίζεται στο βάθος, υπάρχει και στέκεται με την ίδια μορφή μέχρι σήμερα. Στο ίδιο χωριό, ο περίφημος Σουσάνιν πέτυχε το κατόρθωμά του.

7. Κυνηγοί σε ανάπαυση | Βασίλι Πέροφ

Ο συγγραφέας της εικόνας "Κυνηγοί στο Retreat"είναι ο διάσημος συγγραφέας Vasily Grigorievich Perov. Τώρα όλοι γνωρίζουν αυτόν τον έναν από τους πιο διάσημους πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών και τον 19ο αιώνα πολλοί έλεγαν ότι ήταν ανεπιτυχής. Υπήρχαν και εκείνοι που θαύμασαν το έργο του Περόφ. Πρώτα από όλα, ο μεγάλος κλασικός Ντοστογιέφσκι θαύμασε το έργο. Κάποιοι επέκριναν την εικόνα λόγω αναξιοπιστίας, επειδή ο Περόφ ζωγράφιζε κυνηγούς από φίλους του, οι οποίοι δεν ήταν εξοικειωμένοι με αυτό το είδος επαγγέλματος.

6. Τρεις ήρωες | Βίκτορ Βασνέτσοφ

Ο Victor Vasnetsov δημιούργησε έναν από τους πιο διάσημους πίνακες μεταξύ Ρώσων συγγραφέων - «Τρεις ήρωες». Ο Βασνέτσοφ είπε ότι εμπνεύστηκε από χοντρές βελανιδιές - ήταν έκπληκτος από τη δύναμή τους και οι ήρωες μόλις του εμφανίστηκαν λίγο αργότερα σε ένα όνειρο. Ο πίνακας απεικονίζει διάσημους Ρώσους χαρακτήρες παραμύθια. Στο κέντρο, απεικονίζεται ο Ilya Muromets, στο χέρι του οποίου ένα δόρυ, στα αριστερά είναι ο Dobrynya Nikitich, ξετυλίγοντας ένα ξίφος και στα δεξιά ο Alyosha Popovich με τόξο και βέλη. Είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον Alyosha από τον γιο του Mamontov, στο κτήμα του οποίου κρεμόταν η εικόνα. Και οι υπόλοιποι ήρωες είναι παρόμοιοι με τα μέλη της οικογένειας του ίδιου του Βασνέτσοφ.

5. Κορίτσι με ροδάκινα | Βαλεντίν Σερόφ

Valentin Alexandrovich Serov, σε αντίθεση με προηγούμενους συγγραφείς, μετά τη ζωγραφική "Ροδάκινο κορίτσι", έγινε ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες της αυτοκρατορίας. Η εικόνα εντυπωσίασε τόσο το κοινό και μάλιστα βασιλική οικογένειαότι απευθύνθηκε στον συγγραφέα με μια παραγγελία για αρκετούς ακόμη πίνακες που υποτίθεται ότι θα διακοσμούσαν τα βασιλικά ανάκτορα. Το «Κορίτσι με Ροδάκινα» μπαίνει επάξια στην κορυφή των πιο διάσημων έργων ζωγραφικής Ρώσων καλλιτεχνών λόγω της χαράς που εκπέμπει το κορίτσι. Οι κριτικοί αποκαλούν την εικόνα «ζωντανή». Φανταστείτε όμως πώς ήταν για το κορίτσι που έπρεπε να ποζάρει για τον Σερόφ και δεν είναι ο μόνος που ενσάρκωσε αυτή τη νεαρή κυρία στους καμβάδες του.

4. Φορτηγίδες στο Βόλγα | Ίλια Εφίμοβιτς

Ilya Efimovich - ένας ντόπιος της Ουκρανίας, ως παιδί δεν είδε ποτέ μεγάλα πλοία, φορτηγίδες και ακόμη περισσότερο τον Βόλγα. Για πρώτη φορά, ο Efimovich είδε φορτηγίδες στον Νέβα, όπου διαμόρφωσε την πλοκή για το μελλοντικό αριστούργημα. Τώρα "Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα"ένας από τους πιο αποκαλυπτικούς πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών, που μπαίνει επάξια στο top 10. Η εικόνα περιγράφηκε επανειλημμένα από μεγάλες λογοτεχνικές προσωπικότητες, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Ντοστογιέφσκι. Για να ζωγραφίσει την εικόνα "Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα" ο συγγραφέας χρειάστηκε μόνο 200 ρούβλια για το ταξίδι. Στη συνέχεια πουλήθηκε μόνο για 3.000 ρούβλια στον Βλαντιμίρ Αλεξάντροβιτς, τον Μέγα Ρώσο Πρίγκιπα. Τώρα η εικόνα είναι μια κληρονομιά του ρωσικού πολιτισμού και η αξία της δεν μπορεί να εκτιμηθεί.

3. Boyarynya Morozova | Βασίλι Σουρίκοφ

"Boyar Morozova"Ο Ρώσος καλλιτέχνης Vasily Surikov είναι ένα από τα σημαντικότερα εκθέματα της γκαλερί Tretyakov και, σε συνδυασμό, ένας από τους πιο διάσημους πίνακες ζωγραφικής Ρώσων καλλιτεχνών. Η εικόνα έχει μεγάλα μεγέθη, και οι επισκέπτες εκπλήσσονται με το πόσο λεπτομερής είναι η ζωή σε έναν τόσο μεγάλο καμβά. Η Γκαλερί Tretyakov αγόρασε τον πίνακα μόνο για 25.000 ρούβλια – πολλά χρήματα, φυσικά, για τον 19ο αιώνα, αλλά τώρα η αξία του δεν μπορεί να υπερεκτιμηθεί. Είναι ενδιαφέρον ότι η αγορά της εικόνας ήταν ένας κίνδυνος για τη γκαλερί, επειδή η πλειοψηφία δεν αποδέχτηκε τον καμβά.

2. Ξένος | Ιβάν Κράμσκοϊ

Ο δεύτερος πιο διάσημος πίνακας Ρώσων καλλιτεχνών είναι δικαίως ο αινιγματικός "Ξένος"Ιβάν Κράμσκοϊ. Ένας μικρός καμβάς απεικονίζει μια νεαρή γυναίκα ντυμένη με ακριβά και πιο πολλά ρούχα μόδαςτέλη του 19ου αιώνα. Κάποιος ισχυρίζεται ότι η εικόνα απεικονίζει την Άννα Καρένινα και μερικοί πιστεύουν ότι ο "Ξένος" φέρνει μεγάλη ατυχία σε όλους όσοι την κοιτάζουν στα μάτια. Το "Άγνωστο" είναι ο πιο διάσημος πίνακας από όλα τα έργα του Kramskoy και ο κόσμος δεν γνωρίζει ακόμα από ποιον ζωγράφισε ο καλλιτέχνης την εικόνα. Ο ίδιος ο συγγραφέας δεν ανέφερε τίποτα.

1. Πρωί σε πευκοδάσος | Ιβάν Σίσκιν

«Πρωί σε πευκοδάσος».Ο Ιβάν Σίσκιν, ένας καλλιτέχνης που απάντησε στην ακαδημία ότι θα γινόταν τοπιογράφος, ζωγράφισε τον διάσημο πίνακα «Πρωί σε ένα πευκοδάσος». Ακόμη και τα μικρά παιδιά γνωρίζουν για τον καμβά, αν και τον αποκαλούν «αρκούδες», όπως απεικονίζονται σε σοκολάτες με το ίδιο όνομα. Μεταξύ των Ρώσων καλλιτεχνών, το «Πρωί σε ένα πευκοδάσος» του Shishkin είναι το πιο αναγνωρίσιμο και συχνά επικρινόμενο για την έλλειψη ρεαλισμού του. Οι πιο ενοχλητικοί αντιτίθενται γιατί υπάρχουν ακριβώς τρία μικρά, γιατί μια αρκούδα σπάνια έχει τέτοιους απογόνους. Ο πίνακας κέρδισε δημοτικότητα χάρη στο υπέροχα όμορφο δασικό τοπίο με την προσθήκη του ζωικού λόγου, δηλαδή μιας οικογένειας αρκούδων.

Επιλογή αναγνωστών:

Τι άλλο να δείτε:

«Κάθε πορτρέτο ζωγραφισμένο με συναίσθημα είναι, στην ουσία, ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη και όχι αυτού που πόζαρε γι' αυτόν»Όσκαρ Γουάιλντ

Τι χρειάζεται για να είσαι καλλιτέχνης; Η απλή μίμηση του έργου δεν μπορεί να θεωρηθεί τέχνη. Η τέχνη είναι κάτι που πηγάζει από μέσα. Η ιδέα, ο ενθουσιασμός, οι αναζητήσεις, οι επιθυμίες και οι λύπες του συγγραφέα, που ενσαρκώνονται στον καμβά του καλλιτέχνη. Σε όλη την ιστορία της ανθρωπότητας έχουν γραφτεί εκατοντάδες χιλιάδες, ίσως και εκατομμύρια πίνακες. Κάποια από αυτά είναι πραγματικά αριστουργήματα, γνωστά σε όλο τον κόσμο, τα γνωρίζουν ακόμα και άνθρωποι που δεν έχουν σχέση με την τέχνη. Είναι δυνατόν να ξεχωρίσουμε 25 από τους πιο εξαιρετικούς ανάμεσα σε τέτοιους πίνακες; Το έργο είναι πολύ δύσκολο, αλλά προσπαθήσαμε…

✰ ✰ ✰

The Persistence of Memory, Σαλβαδόρ Νταλί

Χάρη σε αυτόν τον πίνακα, ο Νταλί έγινε διάσημος σε αρκετά νεαρή ηλικία, ήταν 28 ετών. Η εικόνα έχει πολλά ακόμη ονόματα - "Μαλακό ρολόι", "Σκληρότητα μνήμης". Αυτό το αριστούργημα έχει τραβήξει την προσοχή πολλών ιστορικών τέχνης. Βασικά, τους ενδιέφερε η ερμηνεία της εικόνας. Λέγεται ότι η ιδέα του καμβά του Νταλί συνδέεται με τη θεωρία της σχετικότητας του Αϊνστάιν.

✰ ✰ ✰

«Χορός», Henri Matisse

Ο Henri Matisse δεν ήταν πάντα καλλιτέχνης. Ανακάλυψε την αγάπη του για τη ζωγραφική αφού πήρε πτυχίο νομικής στο Παρίσι. Σπούδασε τέχνη με τόσο ζήλο που έγινε ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στον κόσμο. Αυτή η εικόνα έχει πολύ λίγη αρνητική κριτική στους κριτικούς τέχνης. Αντανακλά έναν συνδυασμό παγανιστικών τελετουργιών, χορού και μουσικής. Οι άνθρωποι χορεύουν σε έκσταση. Τρία χρώματα - πράσινο, μπλε και κόκκινο - συμβολίζουν τη Γη, τον Ουρανό και την Ανθρωπότητα.

✰ ✰ ✰

Το φιλί, Γκούσταβ Κλιμτ

Ο Γκούσταβ Κλιμτ έχει συχνά επικριθεί επειδή είναι γυμνός στους πίνακές του. Το «The Kiss» έγινε αντιληπτό από τους κριτικούς, καθώς συγχωνεύει όλες τις μορφές τέχνης. Ο πίνακας θα μπορούσε να είναι μια εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη και της ερωμένης του, Αιμιλίας. Ο Κλιμτ ζωγράφισε αυτόν τον καμβά υπό την επίδραση βυζαντινών ψηφιδωτών. Οι Βυζαντινοί χρησιμοποιούσαν χρυσό στους πίνακές τους. Ομοίως, ο Gustav Klimt ανακάτεψε χρυσό στα χρώματα του για να δημιουργήσει το δικό του στυλ ζωγραφικής.

✰ ✰ ✰

Κοιμώμενος Τσιγγάνος, Ανρί Ρουσό

Κανείς εκτός από τον ίδιο τον Ρουσό δεν θα μπορούσε να περιγράψει καλύτερα αυτήν την εικόνα. Εδώ είναι η περιγραφή του - «μια νομάδα τσιγγάνα που τραγουδάει τα τραγούδια της σε ένα μαντολίνο, κοιμάται στο έδαφος από την κούραση, η κανάτα της με πόσιμο νερό βρίσκεται κοντά. Ένα λιοντάρι που περνούσε πλησίασε για να τη μυρίσει, αλλά δεν την άγγιξε. Όλα είναι λουσμένα στο φως του φεγγαριού, μια πολύ ποιητική ατμόσφαιρα». Αξιοσημείωτο είναι ότι ο Henri Rousseau είναι αυτοδίδακτος.

✰ ✰ ✰

«Η τελευταία κρίση», Ιερώνυμος Μπος

Χωρίς περαιτέρω καθυστέρηση - η εικόνα είναι απλά υπέροχη. Αυτό το τρίπτυχο είναι ο μεγαλύτερος από τους σωζόμενους πίνακες της Bosch. Η αριστερή πτέρυγα δείχνει την ιστορία του Αδάμ και της Εύας. Το κεντρικό μέρος είναι η «Τελευταία Κρίση» από την πλευρά του Ιησού - ποιος πρέπει να πάει στον παράδεισο και ποιος στην κόλαση. Η γη που βλέπουμε εδώ φλέγεται. Στη δεξιά πτέρυγα απεικονίζεται μια αποκρουστική εικόνα της κόλασης.

✰ ✰ ✰

Όλοι γνωρίζουν τον Νάρκισσο από την ελληνική μυθολογία - έναν άνθρωπο που είχε εμμονή με την εμφάνισή του. Ο Νταλί έγραψε τη δική του ερμηνεία για τον Νάρκισσο.

Η ιστορία είναι έτσι. Ο όμορφος νεαρός Νάρκισσος έσπασε εύκολα τις καρδιές πολλών κοριτσιών. Οι θεοί επενέβησαν και, για να τον τιμωρήσουν, του έδειξαν την αντανάκλασή του στο νερό. Ο Νάρκισσος ερωτεύτηκε τον εαυτό του και κατέληξε να πεθάνει επειδή δεν μπορούσε να αγκαλιάσει τον εαυτό του. Τότε οι Θεοί μετάνιωσαν που του το έκαναν αυτό και αποφάσισαν να τον απαθανατίσουν με τη μορφή ενός άνθους νάρκισσου.

Στην αριστερή πλευρά της εικόνας είναι ο Νάρκισσος που κοιτάζει την αντανάκλασή του. Μετά ερωτεύτηκε τον εαυτό του. Το δεξί πλαίσιο δείχνει τα γεγονότα που εκτυλίχθηκαν μετά, συμπεριλαμβανομένου του λουλουδιού που προέκυψε, του νάρκισσου.

✰ ✰ ✰

Η πλοκή της εικόνας βασίζεται στον βιβλικό ξυλοδαρμό των μωρών στη Βηθλεέμ. Αφού έγινε γνωστή η γέννηση του Χριστού από τους Μάγους, ο βασιλιάς Ηρώδης έδωσε εντολή να σκοτωθούν όλα τα μικρά αρσενικά παιδιά και τα μωρά στη Βηθλεέμ. Στην εικόνα, το μακελειό είναι στο αποκορύφωμά του, τα τελευταία παιδιά που αφαιρέθηκαν από τις μητέρες τους περιμένουν τον ανελέητο θάνατό τους. Επίσης ορατά είναι τα πτώματα των παιδιών για τα οποία τα πάντα είναι πίσω τους.

Μέσω της χρήσης του πλούσιου χρωματιστά, ο πίνακας του Ρούμπενς έχει γίνει ένα παγκοσμίου φήμης αριστούργημα.

✰ ✰ ✰

Η δουλειά του Pollock είναι πολύ διαφορετική από άλλους καλλιτέχνες. Τοποθέτησε τον καμβά του στο έδαφος και κινήθηκε γύρω από τον καμβά και περπάτησε πάνω του, στάζοντας μπογιά από πάνω στον καμβά με ραβδιά, πινέλα και σύριγγες. Χάρη σε αυτή τη μοναδική τεχνική, είχε το παρατσούκλι «Sprinkler Jack» στους καλλιτεχνικούς κύκλους. Για κάποιο διάστημα αυτός ο πίνακας κρατούσε τον τίτλο του πιο ακριβού πίνακα στον κόσμο.

✰ ✰ ✰

Γνωστό και ως «Χορεύοντας στο Les Moulins de la Galette». Αυτός ο πίνακας θεωρείται ένας από τους πιο χαρούμενους πίνακες του Ρενουάρ. Η ιδέα της εικόνας είναι να δείξει στο κοινό τη διασκεδαστική πλευρά της παριζιάνικης ζωής. Με μια λεπτομερή μελέτη της εικόνας, μπορείτε να δείτε ότι ο Ρενουάρ τοποθέτησε αρκετούς από τους φίλους του στον καμβά. Επειδή ο πίνακας φαίνεται ελαφρώς ξεπλυμένος, επικρίθηκε αρχικά από τους συγχρόνους του Ρενουάρ.

✰ ✰ ✰

Η ιστορία είναι παρμένη από τη Βίβλο. Ο Μυστικός Δείπνος απεικονίζει τον τελευταίο δείπνο του Χριστού πριν από τη σύλληψή του. Μόλις είχε μιλήσει στους αποστόλους του και τους είπε ότι ένας από αυτούς θα τον πρόδιδε. Όλοι οι απόστολοι λυπούνται και του λένε ότι σίγουρα δεν είναι αυτοί. Ήταν αυτή η στιγμή που ο Ντα Βίντσι απεικόνισε όμορφα με τη ζωηρή εικόνα του. Ο μεγάλος Λεονάρντο χρειάστηκε τέσσερα χρόνια για να ολοκληρώσει αυτόν τον πίνακα.

✰ ✰ ✰

Τα «Νούφαρα» του Μονέ τα βρίσκουμε παντού. Πιθανότατα τα έχετε δει σε ταπετσαρίες, αφίσες και εξώφυλλα περιοδικών τέχνης. Το γεγονός είναι ότι ο Μονέ είχε εμμονή με τα κρίνα. Πριν αρχίσει να τα ζωγραφίζει, είχε μεγαλώσει αμέτρητα από αυτά τα λουλούδια. Ο Μονέ έχτισε μια γέφυρα μέσα ιαπωνικό στυλστον κήπο του πάνω από μια λιμνούλα με κρίνους. Ήταν τόσο ευχαριστημένος με αυτό που έκανε που ζωγράφισε αυτή την ιστορία δεκαεπτά φορές μέσα σε ένα χρόνο.

✰ ✰ ✰

Υπάρχει κάτι απαίσιο και μυστήριο σε αυτή την εικόνα, υπάρχει μια αύρα φόβου γύρω της. Μόνο ένας δάσκαλος όπως ο Μουνκ μπόρεσε να απεικονίσει τον φόβο στο χαρτί. Ο Munch έφτιαξε τέσσερις εκδοχές του The Scream σε λάδια και παστέλ. Σύμφωνα με τις καταχωρήσεις του ημερολογίου του Μουνκ, είναι αρκετά σαφές ότι ο ίδιος πίστευε στον θάνατο και τα πνεύματα. Στον πίνακα «Η Κραυγή», απεικόνισε τον εαυτό του τη στιγμή που μια μέρα, περπατώντας με φίλους, ένιωσε φόβο και ενθουσιασμό, που ήθελε να ζωγραφίσει.

✰ ✰ ✰

Ο πίνακας, που συνήθως αναφέρεται ως σύμβολο της μητρότητας, δεν έπρεπε να γίνει. Λέγεται ότι το μοντέλο του Whistler, που υποτίθεται ότι θα ποζάρει για τον πίνακα, δεν εμφανίστηκε και αποφάσισε να ζωγραφίσει τη μητέρα του. Μπορούμε να πούμε ότι εδώ απεικονίζεται η θλιβερή ζωή της μητέρας του καλλιτέχνη. Αυτή η διάθεση οφείλεται στα σκούρα χρώματα που χρησιμοποιούνται σε αυτόν τον πίνακα.

✰ ✰ ✰

Ο Πικάσο συνάντησε τη Ντόρα Μάαρ στο Παρίσι. Λέγεται ότι ήταν πνευματικά πιο κοντά στον Πικάσο από όλες τις προηγούμενες ερωμένες του. Χρησιμοποιώντας τον κυβισμό, ο Πικάσο ήταν σε θέση να μεταφέρει κίνηση στο έργο του. Φαίνεται ότι το πρόσωπο της Μάαρ στρέφεται προς τα δεξιά, προς το πρόσωπο του Πικάσο. Ο καλλιτέχνης έκανε την παρουσία της γυναίκας σχεδόν πραγματική. Ίσως ήθελε να νιώθει ότι ήταν εκεί, πάντα.

✰ ✰ ✰

Ο Βαν Γκογκ ζωγράφιζε την Έναστρη Νύχτα ενώ βρισκόταν σε θεραπεία, όπου του επέτρεπαν να ζωγραφίζει μόνο όταν η κατάστασή του βελτιωνόταν. Νωρίτερα την ίδια χρονιά έκοψε τον αριστερό του λοβό του αυτιού. Πολλοί θεωρούσαν τον καλλιτέχνη τρελό. Από ολόκληρη τη συλλογή έργων του Βαν Γκογκ, η Έναστρη Νύχτα είναι η πιο διάσημη, ίσως λόγω του ασυνήθιστου σφαιρικού φωτός γύρω από τα αστέρια.

✰ ✰ ✰

Σε αυτόν τον πίνακα, ο Μανέ αναδημιουργούσε την Αφροδίτη του Ουρμπίνο του Τιτσιάνο. Ο καλλιτέχνης είχε κακή φήμη για την απεικόνιση ιερόδουλων. Αν και οι κύριοι εκείνη την εποχή επισκέπτονταν τις εταίρες αρκετά συχνά, δεν πίστευαν ότι θα περνούσε από το μυαλό κάποιος να τις ζωγραφίσει. Τότε ήταν προτιμότερο οι καλλιτέχνες να ζωγραφίζουν εικόνες με ιστορικά, μυθικά ή βιβλικά θέματα. Ωστόσο, ο Manet, σε αντίθεση με την κριτική, έδειξε στο κοινό τον σύγχρονο τους.

✰ ✰ ✰

Αυτός ο πίνακας είναι ένας ιστορικός καμβάς που απεικονίζει την κατάκτηση της Ισπανίας από τον Ναπολέοντα.

Έχοντας λάβει παραγγελία για πίνακες που απεικονίζουν τον αγώνα του λαού της Ισπανίας με τον Ναπολέοντα, ο καλλιτέχνης δεν ζωγράφισε ηρωικούς και αξιολύπητους καμβάδες. Επέλεξε τη στιγμή της εκτέλεσης των Ισπανών επαναστατών από Γάλλους στρατιώτες. Καθένας από τους Ισπανούς βιώνει αυτή τη στιγμή με τον δικό του τρόπο, κάποιος έχει ήδη συμφιλιωθεί, αλλά για κάποιον η κύρια μάχη μόλις ήρθε. Πόλεμος, αίμα και θάνατος, αυτό απεικόνισε στην πραγματικότητα ο Γκόγια.

✰ ✰ ✰

Πιστεύεται ότι το εικονιζόμενο κορίτσι είναι η μεγαλύτερη κόρη του Βερμέερ, η Μαρία. Τα χαρακτηριστικά της υπάρχουν σε πολλά έργα του, αλλά είναι δύσκολο να τα συγκρίνεις. Ένα βιβλίο με τον ίδιο τίτλο γράφτηκε από την Tracey Chevalier. Αλλά η εκδοχή της Tracy για το ποιος απεικονίζεται σε αυτή την εικόνα είναι εντελώς διαφορετική. Ισχυρίζεται ότι πήρε αυτό το θέμα επειδή υπάρχουν πολύ λίγες πληροφορίες για τον Βερμέερ και τους πίνακές του και ο συγκεκριμένος πίνακας έχει μια μυστηριώδη ατμόσφαιρα. Αργότερα, γυρίστηκε μια ταινία βασισμένη στο μυθιστόρημά της.

✰ ✰ ✰

Το ακριβές όνομα του πίνακα είναι «Η παράσταση της ομάδας τυφεκίων του λοχαγού Frans Banning Cock και του υπολοχαγού Willem van Ruytenbürg.» Η κοινωνία των όπλων ήταν μια πολιτοφυλακή που κλήθηκε να υπερασπιστεί την πόλη. Εκτός από τις πολιτοφυλακές, ο Ρέμπραντ πρόσθεσε και αρκετές επιπλέον άτομα. Λαμβάνοντας υπόψη ότι αγόρασε ένα ακριβό σπίτι τη στιγμή της συγγραφής αυτής της φωτογραφίας, μπορεί να είναι αλήθεια ότι έλαβε μια τεράστια αμοιβή για το The Night Watch.

✰ ✰ ✰

Αν και ο πίνακας περιέχει μια εικόνα του ίδιου του Velázquez, δεν είναι αυτοπροσωπογραφία. Ο κύριος χαρακτήρας του καμβά είναι η Infanta Margherita, κόρη του βασιλιά Φιλίππου Δ'. Απεικονίζει τη στιγμή που ο Velazquez, δουλεύοντας σε ένα πορτρέτο του βασιλιά και της βασίλισσας, αναγκάζεται να σταματήσει και να κοιτάξει την Infanta Margherita, η οποία μόλις μπήκε στο δωμάτιο με τη συνοδεία της. Η εικόνα φαίνεται σχεδόν ζωντανή, ξυπνώντας την περιέργεια στο κοινό.

✰ ✰ ✰

Αυτός είναι ο μοναδικός πίνακας του Μπρίγκελ που ζωγραφίστηκε με λάδια και όχι με τέμπερες. Υπάρχουν ακόμη αμφιβολίες για την αυθεντικότητα του πίνακα, κυρίως για δύο λόγους. Πρώτον, δεν ζωγράφιζε με λάδια και δεύτερον, πρόσφατες μελέτες έδειξαν ότι κάτω από το στρώμα της ζωγραφικής υπάρχει ένα σχηματικό σχέδιο κακής ποιότητας, το οποίο δεν ανήκει στον Brueghel.

Ο πίνακας απεικονίζει την ιστορία του Ίκαρου και τη στιγμή της πτώσης του. Σύμφωνα με τον μύθο, τα φτερά του Ίκαρου ήταν κολλημένα με κερί και καθώς ο Ίκαρος ανέβαινε πολύ κοντά στον ήλιο, το κερί έλιωσε και έπεσε στο νερό. Αυτό το τοπίο ενέπνευσε τον Wystan Hugh Auden να γράψει το πιο διάσημο ποίημά του για το ίδιο θέμα.

✰ ✰ ✰

Η Σχολή της Αθήνας είναι ίσως η πιο διάσημη τοιχογραφία του Ιταλού καλλιτέχνη της Αναγέννησης, Ραφαήλ.

Σε αυτή την τοιχογραφία στη Σχολή της Αθήνας, όλοι οι μεγάλοι μαθηματικοί, φιλόσοφοι και επιστήμονες συγκεντρώθηκαν κάτω από μια στέγη, μοιράζονται τις θεωρίες τους και μαθαίνουν ο ένας από τον άλλο. Όλοι οι ήρωες ζούσαν μέσα διαφορετική ώρα, αλλά ο Ραφαέλ τους τοποθέτησε όλους σε ένα δωμάτιο. Μερικές από τις μορφές είναι ο Αριστοτέλης, ο Πλάτωνας, ο Πυθαγόρας και ο Πτολεμαίος. Μια πιο προσεκτική ματιά δείχνει ότι υπάρχει μια αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Ραφαέλ σε αυτήν την εικόνα. Κάθε καλλιτέχνης θα ήθελε να αφήσει το στίγμα του, η μόνη διαφορά είναι η φόρμα. Αν και ίσως θεωρούσε τον εαυτό του μια από αυτές τις μεγάλες μορφές;

✰ ✰ ✰

Ο Μιχαήλ Άγγελος δεν θεωρούσε ποτέ τον εαυτό του καλλιτέχνη, πάντα θεωρούσε τον εαυτό του περισσότερο ως γλύπτη. Όμως, κατάφερε να δημιουργήσει μια καταπληκτική εξαίσια τοιχογραφία, μπροστά στην οποία σέβεται όλος ο κόσμος. Αυτό το αριστούργημα βρίσκεται στο ταβάνι Καπέλα Σιξτίναστο Βατικανό. Στον Μιχαήλ Άγγελο ανατέθηκε να ζωγραφίσει αρκετές βιβλικές ιστορίες, μία από τις οποίες είναι η δημιουργία του Αδάμ. Σε αυτήν την εικόνα, ο γλύπτης στο Μιχαήλ Άγγελο είναι μόλις ορατός. Το ανθρώπινο σώμα του Adam αποδίδεται με απίστευτη πιστότητα, με ζωηρά χρώματα και ακριβή μυώδη μορφή. Άρα μπορεί κανείς να συμφωνήσει με τον συγγραφέα, άλλωστε είναι περισσότερο γλύπτης.

✰ ✰ ✰

«Μόνα Λίζα», Λεονάρντο ντα Βίντσι

Αν και είναι ο πιο μελετημένος πίνακας, η Μόνα Λίζα εξακολουθεί να είναι ο πιο μυστηριώδης. Ο Λεονάρντο είπε ότι δεν σταμάτησε ποτέ να εργάζεται σε αυτό. Μόνο ο θάνατός του λέγεται ότι ολοκλήρωσε τον πίνακα. Η «Μόνα Λίζα» είναι το πρώτο ιταλικό πορτρέτο στο οποίο το μοντέλο φαίνεται μέχρι τη μέση. Το δέρμα της Μόνα Λίζα φαίνεται να λάμπει λόγω της χρήσης πολλών στρωμάτων διαφανών ελαίων. Ως επιστήμονας, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι εφάρμοσε όλες τις γνώσεις του για να κάνει την εικόνα της Μόνα Λίζα ρεαλιστική. Όσο για το ποιος ακριβώς απεικονίζεται στον πίνακα, παραμένει μυστήριο.

✰ ✰ ✰

Ο πίνακας απεικονίζει την Αφροδίτη, τη θεά του έρωτα, να επιπλέει σε ένα κοχύλι στον άνεμο, το οποίο φυσά ο Ζέφυρος, ο θεός του δυτικού ανέμου. Στην ακτή, η Όρα, η θεά των εποχών, τη συναντά, είναι έτοιμη να ντύσει τη νεογέννητη θεότητα. Το μοντέλο για την Αφροδίτη είναι η Simonetta Cattaneo de Vespucci. Η Simonetta Cattaneo πέθανε στα 22 της και ο Botticelli επιθυμούσε να ταφεί δίπλα της. Της είχε μια ανεκπλήρωτη αγάπη. Αυτός ο πίνακας είναι το πιο εξαίσιο έργο τέχνης που δημιουργήθηκε ποτέ.

✰ ✰ ✰

συμπέρασμα

Ήταν ένα άρθρο TOP 25 πιο διάσημοι πίνακες στον κόσμο. Σας ευχαριστώ για την προσοχή σας!